Meritorio grupo de pop-rock psicodélico a redescubrir por los amantes de los sonidos de los años 60 que tanto gustan del hard-blues-rock de "Cream" o de "Jimi Hendrix Experience", como del garaje de los "Chocolate Watchband" o "Blues Magoos", sin olvidar la lisergia californiana de "Moby Grape" o "Jefferson Airplane", aunque acentuando el trabajo, realmente espléndido, en las armonías vocales.
Las raíces del grupo se encuentran en "Bad Seeds", con sede en Corpus Christi , un trío compuesto por el cantante y guitarrista Rod Prince, el bajista Roy Cox y el baterista Clayton Pulley (más tarde reemplazado por David Fore); con la incorporación en 1967 del guitarrista Todd Potter , el cuarteto cambió su nombre a "Willowdale Handcar", y finalmente se decidió por "Bubble Puppy"un año después.
El nombre de "Bubble Puppy" procede de la lectura de la novela distópica "Un Mundo Feliz", el famoso libro del escritor Aldous Huxley.
En el año 1969, y tras firmar con el famoso sello Texas International Artits, la banda texana publicó el single "Hot Smoke And Sasafrass", un estupendo tema psicodélico que llegó al número 9 en listas estadounidenses y que estaba incluido en su excelente y poco valorado LP "A Gathering Of Promises" (1969), un disco este único larga duración del grupo americano Bubble Puppy.
Su sonido está influenciado por "Cream", "Buffalo Springfield", "Love", "The Byrds" o "Jimi Hendrix".
Las composiciones son excelentes, combinando pasajes pop con rock, folk rock y psicodélia, y cuidando las melodías, a las que otorgan una gran aporte vocal gracias al empleo de armonías.
La producción de Ray Rush, quien había trabajado con los "13th Floor Elevators", compacta de manera magistral el talento en la escritura de la banda, principalmente y ya citados del cantante y guitarra Rod Prince y del bajista Roy Cox, estupendos músicos complementados por el batería David Fore y el guitarra Todd Potter, pieza clave en el sonido del LP.
Este es un disco muy desconocido, pero magistral, contiene fuerza y energía en "Hot Smoke And Sasafrass" (su canción más conocida), "Beginning" o "Lonely"; y exquisita belleza melódica en "I’ve Got To Reach You", "It’s Safe To Say", "Elizabeth" (con un envolvente riff de influencia oriental), o "A Gathering Of Promises" (escrita por Cox y Taylor, el primer batería del grupo), sin olvidarnos de joyas como "Todd’s Tune" (compuesta por Potter), "Hurry Sundown", o "Road to St. Stephens", canción que recuerda a los "Love" de Arthur Lee.
En el año 1969 publicaron tres singles, "If I Had a Reason", "Days Of Our Time" y "What Do You See", que pasaron bastante inadvertidos a nivel comercial, lo que provocó su cambio de nombre, haciéndose llamar "Demian" a partir de 1970.
El grupo grabó en ABC un disco homónimo un año después sin obtener ningún tipo de repercusión, lo que ocasionó su ruptura definitiva.
En el año 1977, Rod Prince y Todd Potter intentaron el éxito con un nuevo proyecto denominado "Sirius", un combo que incluía a George Rarey en el bajo y a Mark Evans en las baquetas.
Poco tiempo después de publicar un LP, llamado "Rising" (1979), el grupo desapareció.
En los años 80 el conjunto original se unió de nuevo bajo el nombre de "Bubble Puppy", realizando algunos conciertos y publicando un disco que recogía sus antiguos temas.
En 1987 grabaron su último trabajo, "Wheels Go Round" (1987), un LP influenciado por "ZZ Top" y alejado del sonido ofertado en su primer álbum.
BUBBLE PUPPY - A GATHERING OF PROMISES "ÁLBUM COMPLETO"
"Ramases" fue la creación y alter ego de Martin Raphael (también conocido como Barrington Frost), un ex-instructor de educación física de la British Armed Forces que creyó ser la reencarnación de una deidad egipcia y dejó todo para dedicarse a la música y transmitir su "mensaje". Luego de grabar algunos singles que pasaron desapercibidos, en 1971 entró a los Strawberry Studios de Manchester bajo el amparo del sello Vertigo y con el apoyo de su esposa Sel y los futuros miembros de 10cc (Eric Stewart, Lol Creme, Kevin Godley y Graham Gouldman) registró el que sería su álbum debut.
Sin exagerar podemos decir que el álbum homónimo "Space hymns" es un disco único en su especie. Derivativo, exploratorio, incierto. Una vez dentro, como oyentes nos entregamos a un viaje que nunca sabemos muy bien qué rumbo tomará. Todo comienza con el groove levemente funk y rasgado de "Life child": mántrico, espectral. La música va como reptando, relajada y firme a la vez. A los 3 minutos todo se detiene, quedando la voz de "Ramases" y unas guitarras, apenas, para luego dar paso a un ruidoso solo de dimensiones cósmicas. Un gran comienzo para el álbum.
El mantra "Hello Mister" (percusivo y envolvente) le da pie a una imprevista canción de tintes folk, "And The Whole World", abriendo una nueva puerta para el álbum, mientras que "Quasar one" (espaciosa, llena de implicancias y profundidades) nos indica el mejor camino para perdernos definitivamente en esta música.
Y basta que nos acomodemos en un estilo para que "Space hymns" abra (casi a cada paso) nuevas puertas, sumergido en letras que hablan de "la búsqueda de la luz", las implicancias del espacio exterior y demás yerbas místicas. Lejos de la agresividad del comienzo flota la bellísima "Earth people", por ejemplo. O los registros cercanos al Canto Gregoriano de "Molecular Delusions". Y sin embargo (y misteriosamente) el conjunto suena armónico y "coherente", a diferencia de otros delirios de LSD de la época que muchas veces pecan de una dispersión endémica.
Se trata de un trabajo conceptual de muy buenas intenciones y que rezuma por los cuatro costados principios en favor del amor, la paz, la esperanza y la búsqueda y destino de la raza humana dentro de una atmósfera extraterrestre. Sus melodías son sencillas, sensibles y con letras portadoras de buen rollo cantadas muy aceptablemente por "la divinidad egipcia" hecha mujer.
La música se construye principalmente a través de guitarras acústicas, la proliferación de percusiones de diverso tipo y fundamentalmente la voz que se erige como protagonista absoluta del disco. Unas veces en solitario, otras a dúo, el matrimonio se encarga de todo.
La tapa de "Space hymns" fue diseñada por Roger Dean (artista detrás de las tapas psicodélicas de "Uriah Heep" o el Yes de "Fragile" / "Close to the edge"). La edición desplegable en vinilo permite ver que ese "cohete" que despega hacia el cielo no es otra cosa que una iglesia.
En 1975 Martin Raphael grabó su segundo y último LP como "Ramases", "Glass Top Coffin". Luego se retiró a cuidar a su madre anciana y se suicidó en Londres a comienzos de los 90, aunque algunas fuentes aseguran que fue en 1978 y el hecho no trascendió hasta mucho después. Lo que sería una metáfora perfecta de la indiferencia con la que pasó su música en aquella época.
Billete directo a un viaje psicotrópico es lo que nos ofrece esta banda de rock psicodelico estadounidense poco conocida formada en Swansea, Massachusetts, en 1966. Integrada en la escena psicodélica de Boston y considerada parte de la "Bosstown Sound", la banda se hizo popular a nivel regional y lanzó dos álbumes en Mainstream Records durante su carrera discográfica. Compuesta porRobert "Benny" Benevides (guitarra principal), Tony Taveira (bajo), Donald Smith (batería), Ron Medeiros (teclados, armónica) y Wayne Gagnon, este último de los cuales Taveira era compañero de banda en el grupo "Rockin 'Teens". Conseguirían mantenerse apenas 3 años, en los que aportaron 2 LP's en Mainstream Records. Los dos han sido reeditados, perdurando su interés gracias a la calidad que encierran.
Las tendencias en las que se mueve la banda serán el garaje, el pop, y por encima de todo la psicodélia que fluye por los cuatro costados, con material altamente corrosivo alimentado por todos los miembros de la banda. También muestran predilección por cosas realizadas en Europa y en concreto por lo que provenía de lo que se llamó "British invasión", quedando patente al incluir un par de versiones, una de ellas "Gloria", que elevó a los altares al grupo "Them" y que están situadas al principio y final del vinilo homónimo del grupo.
En febrero de 1968, la banda lanzó su álbum debut homónimo "Tangerine Zoo". Con siete de las nueve pistas compuestas originalmente por miembros del grupo.
Su sonido en algunos trances se torna oscuro y sofocante , creando atmósferas algo angustiosas que unidas a los desarrollos psicodélicos generan ambientes extraños y algo delirantes. El órgano grave y aspero, magnífico, es el instrumento que domina la escena realizando auténticos desparrames y lanzando con frecuencia cargas de profundidad y riffs ácidos. El bajo también es un instrumento muy remarcado, desde un principio realiza un ataque directo, un pulso que bombardea sin descanso, creando una tensión a modo de latido que confiere vigor a los temas. Las guitarras no se van a quedar atrás, la psicodélia es su idioma, establecen un combo entre Benevides y Gagnon fabricando un compuesto de alucinógenos que se entremezcla con el órgano del que brotan momentos instrumentales fantásticos.
Ritmos obsesivos que nos mantienen conectados girando en torno a determinadas frases o riffs con pasajes de inspiración excelente, música en estado puro, genuina, donde no hay lugar para arreglos. Temas rotundos bajo la sombra de un órgano que se muestra descarnado y que dejan entrever una producción algo deficiente que se traduce en altibajos en el volumen de los instrumentos que intervienen.
En resumidas cuentas, un disco que merece ser descubierto y que no defrauda. Por algo se sigue reeditando.
Mientras tanto, "The Tangerine Zoo" fue promocionado con un promotor del "Bosstown Sound", una estrategia comercial que se centra en varias bandas de rock psicodélico del área de Boston como "Ultimate Spinach" y "Beacon Street Union". Antes de grabar el segundo álbum del grupo, "Outside Looking In", Taveira partió para terminar la escuela secundaria. En 1969, "The Tangerine Zoo" fue invitado a actuar en el Festival de Woodstock; sin embargo, como consecuencia de otros compromisos, se vieron obligados a rechazar la oferta. "The Tangerine Zoo" se disolvió en 1970 después de que las diferencias musicales afectaran al grupo. Gagnon pronto resurgió con la banda "Wadsworth Mansion", ganando un Top 10 con "Sweet Mary", en 1971. Desde su disolución, la banda ha tenido tres reencuentros: primero en 1988 y luego nuevamente en 1990 y 1993.
1ª cara:
- Gloria
- Trip to the zoo
- Please don`t set me free
- Nature's children
2ª cara:
- The flight
- Mommy and daddy
- Symphonic psyche
- Chrystalescent heaven
- One more heartache
THE TANGERINE ZOO - TANGERINE ZOO "ÁLBUM COMPLETO"
THE TANGERINE ZOO - OUTSIDE LOOKING IN "ÁLBUM COMPLETO"
Liderados por el excéntrico Keith Emerson (nacido el 1 de noviembre de 1944 en Yorkshire), un excepcional teclista de instrucción clásica, "The Nice" supuso un soplo de aire fresco en la Gran Bretaña de finales de década de los sesenta implantando un nuevo concepto de música, el art rock, que mezclaba el pop y el rock con la música clásica.
El grupo comenzó su trayectoria en el año 1967; impulsados por el ansia de innovar, los cuatro músicos se diversificaron, utilizando y combinando música clásica, jazz, blues y rock para forjar un sonido nuevo y dinámico, su propio sonido; y pronto alcanzarían la fama en la escena europea. Las presentaciones en vivo de "The Nice" eran auténticas puestas en escena, especialmente por los actings de Keith Emerson, quien se encargaba de revolar su hammond, saltando sobre el mismo, tirándoselo encina, clavandole cuchillos entre las teclas, un despliegue más que controversial pero típico de una época en la que las actuaciones frenéticas brillaban por su presencia. Jimi Hendrix los invitaría a ser parte de una gira tras verlos actuar en vivo.
Según el mismo Keith Emerson, esos frenetismos en los vivos fueron inspirados por su confeso ídolo Jimi Hendrix, quien evidentemente hacia usos de despliegues muy particulares en sus presentaciones, y por influencia de otro personaje, ya no tan conocido, apodado "Don Shinn", quien propuso en la misma época algunos sonidos similares a los de "The Nice", fusionando melodías clásicas a sonidos de rock impulsados teclados hammond, Emerson tomaría mucho de allí para inspirarse en sus sonidos.
En sus inicios estaba compuesto por el citado Ermerson, el guitarrista David O’List (nacido el 13 de diciembre de 1948 en Londres), el bajista y vocalista Lee Jackson (nacido el 8 de enero de 1943 en Newcastle) y el batería Brian "Blinky" Davison (nacido el 25 de mayo de 1942 en Leicester), no era más que el grupo de acompañamiento de la cantante americana de soul afincanda en las Islas Británicas, "P.P. Arnold".
Pronto se cansaron de ser meras comparsas y se convirtieron definitivamente en The Nice.
Pronto llegaría "The Thoughts of Emerlist Davjack", álbum debut del grupo. Datado entre finales del año 1967 y comienzos de 1968, es uno de los LPs constituyentes del rock progresivo y el art rock.
El disco contiene el single “The Thoughts Of Emerlist Davjack”, canción co-escrita entre Emerson y O’List sobre deseos de volver a la juventud.
Es una psicodélia barroca con sonidos que evocan juguetes o robots y tramos de exuberante ritmo de marcha con papapapas.
La canción es muy similar a la música de los "Pink Floyd" de Syd Barrett.
Otro de los singles más conocidos de "The Nic2, la versión del "America" de Leonard Bernstein, quedó fuera del vinilo original, siendo añadida en reediciones posteriores en CD.
La proximidad sonora con los Pink Floyd del año 1967 se aprecia en gran parte del álbum, escuchemos por ejemplo la apertura, "Flower King Of Flies" (Emerson/Lee Jackson)… nube de azafrán, niños vestidos de blanco, danza de amor…
Hippiesmo con ecos de "El Señor De Las Moscas", guitarras potentes, sonido oscilante y campanas tubulares tocadas por Davison.
También son del estilo Barrett/Pink Floyd "Tantalising Maggie" (Emerson/Jackson), rítmica lisergia que posee resonancias del "Seven And Seven Is" de "Love"; y "The Cry Of Eugene" (Emerson/Jackson/O’List), preciosa balada de ambiente fantasmal-espiritual con trompeta y una parte acid rock guitarrera.
"Bonnie K." (Jackson/O’List) es un hard blues rock con ecos de Jimi Hendrix en la flamígera guitarra de O’List.
Las otras tres piezas son las más progresivas. "Rondo", acreditada a todo el grupo, son ocho minutos que muestran el talento instrumental de sus componentes en una atmósfera casi opresiva, paranoica, muy intensa, que posee influencias de Bach y de Brubek.
"War And Peace", también escrita por todos los componentes, es un bailable hard rock progresivo con rasgos funk y título de novela de Leon Tolstoi.
No faltan en ambas piezas las características florituras de Keith Emerson en los teclados.
La otra pieza de mayor naturaleza prog-rock es "Dawn" (Emerson/Jackson/O’List), estupendo tema con tono de terror y voz en suspiros sobre la inocente belleza de un nuevo día.
Muy atmosférica, manifiesta la influencia clara de "The Nice" en combos futuros como "Uriah Heep".
El LP sirvió para que "The Nice" se dieran a conocer entre el público inglés, conocimiento asentado también en las espectaculares actuaciones en directo en las que su líder, Keith Ermerson, emergía como el foco central. Vestido de forma llamativa y con movimientos sensuales tocaba el órgano con cuchillos en unas ceremonias casi orgiásticas que eran celebradas con alborozo por los asistentes al acto.
En 1968 publican su segundo trabajo, "Ars Longa Vita Brevis", esta vez ya funcionando como trío ya que el guitarrista David O'List había dejado la banda. Continúan decididamente por la línea exploratoria que venían transitando desde el comienzo, con la que seguirían presentando esos sonidos de un rock proto progresivo, proto sinfónico, que se lograría ubicar entre los comienzos de la música de rock progresiva. Estos arrebatos que presenta el disco son auténticos experimentos tempranos en los que se acerca la música clásica al rock, fusiones prototípicas, visiones germinales de un rock en plena efervescencia y plena mutación, visiones que se estaban consumando cada vez más y más y que a cada paso que daban demostraban la enorme maquinaria técnica y la imaginería que había detrás.
El disco está compuesto por tres piezas cortas y dos largas suites. Podríamos hacer una directa apreciación a lo más llamativo que ofrece el trabajo y que son esas extensas suites que aparecen en la segunda mitad del disco pero primero vale la pena observar los primeros tres cortes que este presenta, temas de rock inmersos en un sonido psicodélico que pese a su corta duración y su aparente estilo más convencional, acercándose al formato de canción, aun así presentan algunos arreglos que ya denotan un temible virtuosismo por parte del teclista, además de presentar una notable búsqueda sonora que los ubica como más elementos tempranos de una música que comenzaba a complejizarse cada vez más y más.
Aunque sin duda las incursiones más llamativas y significativas del trabajo son esas suites que presenta, apareciendo primero "Intermezzo From The Karelia Suite", (una reinterpretación de "Karelia Suite" de Jean Sibelius) un pieza de nueve minutos con arreglos clásicos en órgano, con roces con la psicodélia, funcionando sobre una base percusiva recta sobre la que desfilan los arreglos académicos y las diversas florituras e improvisaciones en órgano hammond. Luego aparece la otra suite del disco, la homónima "Ars Longa Vita Brevis", pieza de diecinueve minutos de duración, que da nombre al disco y al concepto que este presenta, esta vez con un sonido que se complejiza aún más que la anterior suite, con más arreglos clásicos en teclas aunque presentando también algunos arreglos orquestales. Estas piezas tiene aires prototípicos, embriones de un germen que estaba floreciendo y se presentaba con un entusiasmo característico, compuestas por el aunar de diversos fragmentos y sub-partes que en su totalidad demostraban un acabado embrionario, un sonido que no terminaba de madurarse en una música progresiva tan estilizada como el mismo Emerson lograría en un futuro cercano pero que en el intento se erigían como composiciones brutalmente complejas, sofisticadas y que proponen un goce asegurado para cualquier oído exigente de sonidos complejos dentro del rock.
La pieza estrella del álbum fue una adaptación de la canción “America”, composición de Leonard Berstein para el musical “West Side Story”. Este tema les hizo ganar una publicidad gratuita cuando en uno de sus conciertos, "The Nice" prendieron fuego a una bandera estadounidense al mismo momento que interpretaban "America".
El flamígero suceso conllevó protestas por parte del mismísimo Leonard Bernstein, hecho que provocó su aislamiento de las listas estadounidenses.
El absoluto liderazgo de Emerson con el tiempo no fue bien admitido por parte de la formación, y el guitarrista David O’List (sustituido por Gordon Longstaff) decidió abandonar el conjunto para unirse a "Roxy Music" y posteriomente a "Jet".
Poco después el grupo sacó a la luz "Nice" (1969), otra meritoria colección de canciones, entre ellas "Azrael Revisited" o "Hang On To A Dream", editada en Immediate que tuvo un moderado éxito en su país, al igual que "Five Bridges Suite" (1969).
Temas como "Little Arabella", "Hag On To A Dream" o "The Diamond Hard Apples" daban muestras de su enorme talento, centrado en la fusión entre el pop, el rock, el jazz y la música clásica.
Estos fueron los últimos trabajos de "The Nice" antes de que Emerson al año siguiente dejara el proyecto para unirse a Carl Palmer y a Greg Lake (ex-King Crimson) y emprender la triunfal aventura con "Emerson, Lake & Palmer".
La marcha del teclista supuso el fin de esta innovadora formación británica.
Brian Davison falleció el 15 de abril del 2008. Tenía 65 años de edad. Keith Emerson se suicidó en Santa Mónica, California, el 10 de marzo del año 2016. Tenía 71 años.
THE NICE - THOUGHTS OF EMERLIST DAVJACK"ÁLBUM COMPLETO"
Derivados del grupo de R&B "The Paramounts" (quienes en sus comienzos se hacían llamar The Pinewoods), Procol Harum ofertaron en los años 60 y 70 un sonido parecido al de su grupo de origen pero desarrollando sonidos psicodélicos y progresivos tras debutar con uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos, "A Whiter Shade Of Pale".
Gary Brooker (nacido el 29 de mayo de 1945 en Essex), cantante y pianista; Ray Royer (nacido el 8 de octubre de 1945 en Essex), guitarra; Dave Knights (nacido el 28 de junio de 1945 en Londres), bajista; Matthew Fisher (nacido el 7 de marzo de 1946 en Londres), órgano, y Bobby Harrison (nacido el 28 de junio de 1943 en East Ham) a la batería, fue la primera formación de la banda de Essex que se completó bajo el nombre de Procol Harum.
Como complemento esencial y en tareas compositivas incorporaron al letrista Keith Reid.
El citado y famoso sencillo (número 1) sacado al mercado con la Deram en 1967 y producido por Denny Cordell (ex miembro de "Moody Blues") convirtió a Procol Harum en la sensación musical en Gran Bretaña (y en todo el mundo) de la noche a la mañana. La dificultad estribaba en ese momento en la publicación de un single que lograra el tremendo éxito del anterior.
Antes de tal publicación se produjeron varios cambios en el conjunto.
Abandonaron el grupo Ray Royer y Bobby Harrison, quienes fueron sustituidos respectivamente por Robin Trower (nacido el 9 de marzo de 1945 en Londres) y B.J. Wilson (nacido el 18 de marzo de 1947 en Essex), dos ex-Paramounts (grupo en el que estaba Gary Brooker) con los que grabaron "Homburg", magnífico tema que también obtuvo sobresalientes ventas.
Curiosamente, y a diferencia de lo ocurrido con sus sencillos previos, la aparición de su primer LP, titulado simplemente "Procol Harum" (1967), no fue bien recibida por el público, al igual que su tercer single, "Quite Rightly So".
En las composiciones de su álbum debut colaboró el citado letrista Keith Reid, quien junto a Brooker escribió casi todos los temas de este debut en Regal producido por Denny Cordell.
Su canción más famosa, el single "A Whiter Shade Of Pale", no se incluyó en la versión británica aunque sí en la edición Deram que se publicó en los Estados Unidos.
"A Whiter Shade Of Pale", todavía grabada con la guitarra de Ray Royer y la batería de Bill Eyden, es una pieza melancólica de fantasía gótica; una excelente canción dream pop de romance fantasmal.
Tempo lento con memorable órgano de Fisher, una obra maestra pop con influencias de Bach.
En "Conquistador" crean imágenes de conquista fracasada.
Melódicamente no es destacable pero posee interesantes texturas instrumentales con rasgos jazz y pop.
"She Wandered Through The Garden Fence" es un medio tiempo con toques barrocos. Matthew Fisher destaca en el órgano y Gary Brooker en un piano cabaretero.
Influencia de Bob Dylan en "Something Following Me".
Es una canción en la que la muerte persigue al protagonista mientras se escuchan sonidos blues y jazz.
"Mabel"… no comas carne cruda, no es buena para ti…
Pop bullanguero music-hall al estilo de The Lovin’ Spoonful.
Aunque no alcanza las cotas de "A Whiter Shade Of Pale", una de las mejores piezas del LP es "Cerdes (Outside The Gates Of)", historia mitológica de tono intrigante. Atmosférico órgano, guitarra blues de Robin Trower, bajo funk, piano clásico. Muy buen corte.
La voz de Gary Brooker es en ocasiones similar a la de Steve Winwood en "Traffic".
Solo hace falta escuchar "A Christmas Camel", canción con destacada interacción entre órgano y piano.
"Kaleidoscope" es un pasable corte psicodélico de bases R&B con batería potente a lo Keith Moon en su tramo final.
Sin duda alguna, "Salad Days (Are Here Again)" es el mejor tema de la edición británica (en donde recordemos que no se incluía "A Whiter Shade Of Pale").
Nostálgica, melódica canción en tempo lento que suena como si Bob Dylan grabase rock progresivo.
El Paul McCartney más vodevilesco parece inspirar "Good Captain Clack".
Flojo y corto tema que no apareció en la edición americana.
La única composición del disco acreditada a Matthew Fisher es "Repent Walpurgis", instrumental licántropo con la sinergia mágica de "Procol Harum".
Tras estos relativos fracasos comerciales el grupo cambió de sello discográfico, publicando el álbum "Shine On Brightly" (1968) en Regal Zonophone.
Este disco grande tampoco logró equipararse a las ventas de sus dos primeros singles a pesar de su elevada calidad artística.
Un año después ve la luz el extraordinario tercer álbum "A Salty Dog" (1969), un álbum en el que suena la conocida balada homónima. Reeditado por A&M Records y producido por el teclista Matthew Fisher, quien dejó su puesto a Chris Copping poco después en el órgano.
El tema homónimo, "A Salty Dog", co-escrito entre el cantante y pianista Gary Brooker y el letrista Keith Reid, fue la canción clave del disco.
Después de lanzar "A Salty Dog", los Procol Harum volvieron a ser casi al completo la misma formación que dio vida a los difuntos "Paramounts", ya que se incorporó al bajo y a los teclados Chris Copping (nacido el 29 de agosto de 1945 en Essex) tras la salida de Matthew Fisher y de Dave Knights.
"Home" (1970) y "Broken Barricades" (1971) fueron los últimos trabajos (con un sonido más acerado que en sus pretéritos esfuerzos) en los que apareció el fenomenal guitarrista Robin Trower, ya que éste decidió en 1971 abandonar para formar su propio grupo. Su sustituto fue Dave Ball, incorporándose al mismo tiempo a la banda el bajista Alan Cartwright. Copping se quedó con el órgano, abandonando en favor de Cartwright las cuatro cuerdas.
"Live In Concert With The Edmonton Symphony Orchestra" (1972) significó las magnificencias sinfónicas del conjunto, con el single "Conquistador" (ya grabado anteriormente) cosechando excelentes resultados comerciales en todo el mundo. Con posterioridad se produjeron nuevos cambios en la formación. Ball dejó su puesto a Mick Grabham antes de grabar "Grand Hotel" (1973), "Exotic Birds and Fruit" (1974) y "Ninth" (1975) , un LP que contiene el gran single "Pandora’s Box". Tras estos discos, Cartwright salió de la banda volviendo Copping al bajo y entrando Pete Solley en los teclados.
Después del LP "Something Magic" (1977), su noveno disco en estudio, y la ausencia de éxito comercial, el grupo terminó separándose para iniciar algunos de sus componentes diversas carreras en solitario, en especial el líder Gary Brooker, que relanzó en los años 90 de nuevo a "Procol Harum" con nula resonancia en ventas aunque buena acogida en sus actuaciones en directo.
Sus últimos discos en estudio son "The Prodigal Stranger" (1991), "The Long Goodbye" (1995), "The Well’s On Fire" (2003) y "Novum" (2017).
