Organisation - Discografía

Discografía - Tone Float (1970)

La primera colaboración en LP entre los dos visionarios que fundarían "Kraftwerk" es un poco como el primer LP de "Tangerine Dream", en el sentido de que guarda poca semejanza con su trabajo posterior dominado por la electrónica y se acerca más al "krautrock tradicional". El álbum de "The Organisation" es básicamente instrumental, muy orientado a la improvisación, cuenta con mucha percusión manual y muestra más influencia de jazz y psicodélica que cualquier cosa que "Kraftwerk" haría jamás.

La canción que da título al álbum, de 20 minutos, comienza con campanas, tambores y percusión manual variada. La sensación inicial es muy de free jazz, de hecho me recuerda mucho a la banda de Archie Shepp con Bobby Hutcherson a mediados de los 60 (¡si te deshaces del saxofón!). Con el tiempo, se establece un groove en los "bongós" (al menos una especie de tambor de mano) y, por suerte, me recuerda al ritmo "Deutscher Cha-Cha" que "Kraftwerk" incorporaría más tarde en su música a través de cajas de ritmos (nunca he encontrado a Kraftwerk especialmente bailable — el suyo es más un "funk para la piel" que para el cuerpo). Después de relajarse con algunos sonidos ambientales de viento electrónico, el órgano de Hutter empieza a hincharse con drones polifónicos que suenan bastante al trabajo de Miles Davis en el órgano Yamaha a mediados de los 70. La batería convierte las cosas en una jam psicodélica pomposa y pausada durante un rato, luego vuelve a descomponerse en una figura de bajo de dos notas acompañada por una pandereta mientras el órgano regresa para un toque modal más jazzístico. Vuelve a crecer hasta algo parecido al "krautrock" antes de suavizarse en una canción guiada por flauta con un aire falso de "Oriente Medio". La característica forma de tocar la flauta de Schneider incluye soplados percusivos, muy parecidos a los de "Ruckzuck" de "Kraftwerk", así como armónicos que recuerdan a Roland Kirk y el uso ocasional y elegante de un efecto de retardo analógico. El conjunto sube en intensidad una última vez (¡incluyendo un ritmo de salsa en las claves!) antes de terminar con algunos sonidos de "percusión tratada" al estilo "Stockhausen".

La siguiente pista (al principio de la cara 2 si tienes el LP) es "Milk Rock", la canción más "rockera" del álbum, con un ritmo constante, un krautbass choogling y riffs percusivos de órgano Hammond (piensa en Lonnie Liston Smith). Schneider toca su flauta a través de algún tipo de efecto electrónico que me convenció durante un tiempo de que en realidad era un moog — la pista es cuando vuelve a empezar con el soplador armónico (la técnica en la que puedes sacar más de una nota a la vez de un instrumento de viento, como solían hacer Coltrane, Shepp, Kirk, etc. — los moogs son monofónicos y solo tocan una nota a la vez). En cualquier caso, este tema me recuerda a algunas de las cosas más extravagantes y orientadas al jazz que Stereolab ha hecho en los últimos años.

"Silver Forest" podría describirse como "jazz rock ambiental del espacio." Es más lenta y majestuosa, y presenta un trabajo etéreo de gong.

"Rhythm Salad" es más o menos lo que cabría esperar del título, aunque comienza con un feedback analógico de retardo que es el sonido más claramente "electrónico" del álbum. Por lo demás, básicamente es una percusión improvisada de forma libre, bastante buena para lo que es y con algunos efectos de paneo estéreo muy chulos. También hay un pequeño canto subliminal fuera del micrófono de alguien del grupo, quien fuera probablemente solo "lo sentía" mientras grababa. Clímax cuando la batería entra para tocar un "solo" al estilo Elvin Jones sobre todos los demás instrumentos de percusión.

"Noitasinagro" me suena un poco más derivativo que las otras canciones, el órgano de Hutter tiene una cualidad de "catedral" que recuerda a Hugh Banton de VDGG (en su mejor momento) y a Doug Ingle de "Iron Butterfly" (en su peor momento). También tienes a Schneider hablando con violín electrificado, muy parecido a John Cale en los primeros discos de Velvets (aunque no tan molesto) hasta que empieza a tocar "estilo raga" (la electrónica le da al violín un sonido parecido a un instrumento asiático, creo que se llama Oud?) Otro de los momentos más extraños de esta canción son unas voces de "ah-ah-ah" y un ataque de nervios. Termina con un exagerado sonido de órgano de iglesia que suena como una versión más jazzística del clímax de "In-A-Gadda-Da-Vida".

La reedición en CD en Crown Records incluye un tema extra de 11 minutos, "Vor Dem Blauen Bock" (traducido aproximadamente: "Before The Blue Horse" — también me he encontrado con este tema en forma pirata bajo el título "Truckstop Gondolero"). Esto en realidad no es una canción de "Organisation", sino una grabación en directo de 1971 del programa de televisión Beat Club por una versión de trío de corta duración de "Kraftwerk", formada por Schneider junto con Michael Rother y Klaus Dinger (los dos que se separarían para formar NEU! — Hutter no estaba en la banda en ese momento).

"Bock" comienza con un montón de sonidos electrónicos de Stockhausen antes de que Rother empiece a tocar un riff de guitarra que suena igual que su trabajo con "NEU!", y una vez que Dinger pone en marcha el ritmo "motorik" es prácticamente indistinguible de una melodia de NEU! como "Negativland". Schneider toca primero con flauta eléctrica y luego con violín eléctrico, pero el eje Rother-Dinger domina totalmente. No es difícil entender por qué esos dos dejaron la banda para hacer lo suyo, ¡la NEU básica! El plano ya está completamente expuesto aquí en 1971.

En conclusión, "Tone Float" es prácticamente imprescindible para los aficionados al krautrock, en particular la reedición en CD con la rara (y me atrevo a decir "históricamente importante") pista de ¡Kraftwerk/NEU!. Sin embargo, el álbum podría decepcionar a los fans de "Kraftwerk", que son exclusivamente aficionados a la "electrónica".

Formación:

Ralf Hutter - Teclados
Florian Schneider - Flauta, Violín, percusión
Butch Hauf - Bajo, percusión
Basil Hammoundi - percusión
Fred Monics - Batería

PISTAS:

A1. Tone Float
B1. Milk Rock
B2. Silver Forest
B3. Rhythm Salad
B4. Noitasinagro

ORGANISATION - TONE FLOAT "ÁLBUM COMPLETO"

Morgan - Discografía

Discografía - Nova Solis (1972)

A pesar del nombre de ésta banda británica,  dos fueron sus líderes. Por un lado el sobresaliente teclista Morgan Fisher. Cabeza visible de la misma, que venía de los "Love Affair" en los 60, y sería más conocido como teclista de "Mott the Hoople". También de sus escisiones, como "Mott y British Lions". Además de "Third Ear Band", "Medicine Head", "Yoko Ono" y un sinfín más. En 1982 participó como teclista de apoyo en la gira de "Queen". Y ahí tenemos la otra conexión con ésta banda. El cantante y guitarras acústicas,  Tim Staffell.

A menudo vemos que detrás de toda gran banda, hubo grandes perdedores. O miembros que dejaron pasar el tren por precipitación en el abandono de la misma. Pete Best (Beatles), Dick Taylor (Rolling Stones), Terry Reid (Led Zeppelin / Deep Purple), Bob Klose (Pink Floyd) o Jeff Jones y John Rutsey (Rush), serían buenos ejemplos.

Tim Staffell fue el culo-inquieto que no tuvo paciencia en "Smile". Prometedor power trío en el que también estaban los desconocidos Brian May y Roger Taylor. Sólo seis temas fueron grabados por "Smile" a nivel promocional. Pero en ellos ya se vislumbraba a las claras que el estilo de los próximos "Queen" ya estaba prefijado. Luego llegaría Farrokh Bulsara, alias Freddie Mercury, (con el estilo vocal directamente heredado de Staffell), y lo demás es historia. Ahora se han acordado de él,  porque les convenía. Para regrabar  algún corte de "Smile" para el biopic de la banda que lo va a petar. Por lo menos se echará unas libras al bolsillo, el buen hombre. Además de los royalties de "Doing All Right", del primer album de Queen (tema de Smile). El resto de "Morgan" eran Bob Sapsed (bajo) y Maurice Bacon (batería). Dos desconocidos que destacan sobremanera en toda la grabación. No deja de ser curioso que los fiche la RCA italiana. Pero con el frikismo prog que se vivía en ese momento en aquel país, no me extraña nada.

En 1972 sale "Nova Solis", grabado en los RCA Studios de Roma, con todos los atributos de los grandes del momento. Componen Fisher y Staffell.

"Samarkhand the Golden" (8'04) debe principalmente a "ELP", pero con un vocalista de línea Jon Anderson. La sección rítmica es también muy "Yes". Atención a Sapsed y su "squirecaster". Morgan  Fisher se sobra con el Moog y el Hammond lo que quiere. Sus desfases son comparables a "Emerson", pero también a un desconocido Duncan Mackay y su colosal "Chimera". Menuda "ensalada de cerebros"; para comenzar. Algo así como un "Tales from Topographic", tocado por Triumvirat. Eso sí,  Staffell no puede evitar su "deje Queen", que por otra parte nadie le puede reprochar. Porque como diría Freddie,  "mis queridos",  eso pertenece a él. Y es que éste cantante se merece por sí sólo un artículo - homenaje.

Como se deja ver en "Alone" (5'17), nostálgica pieza perfecta para la voz y cuerdas de Greg Lake. "War Games" (7'03) deja claras sus intenciones. Power sympho de speedicas teclas y majestuosa épica instrumental.  Situate si te nombro a "The Trip" en el álbum "Time of Change", para entendernos. Morgan Fisher se lo pasa en grande, como buen "chupón de las teclas", emulando a los "Wakemerson", con la tranquilidad de jugar sólo en el campo (no hay guitarra eléctrica).

La segunda cara nos depara la tremenda "Nova Solis Suite" (20'17), dividida en nueve partes que incluyen desde fragmentos de Holst,  a dos piezas de "Smile": " Earth" (una de las seis que grabaron y que puedes oír en el no-oficial de Queen, "In Nuce"), y "May i Remember". Imagina "Tarkus" y "The Six Wives" con una voz a la Mercury. Pues eso. Total dedicación al prog más sinfo y espectacular,  que seguro maravilló a la parroquia spaghetti.

Un disco soberbio si te van éstas músicas, que te van, que lo se yo, si no "pa rato" lees hasta aquí. E indispensable para Queen die-hards,  por todo lo que supone. Fue reeditado en vinilo por Black Widow (Italia de nuevo) en 2001, e imagino que está más descatalogado que Rajoy. Al año siguiente saldría "The Sleeper Awakes" (1973), también conocido como "Brown Out", y que mantenía el mismo nivel de divina excentricidad progresiva. Y yo lo busco.

Después de "Morgan", sus dos líderes tomarán distintos caminos. Fisher se fue a Japón,  haciendo jingles , arreglando horteradas para japos,  tocando música de improvisación,  y  dedicándose a su otra gran pasión,  la fotografía. Tim Staffell ha estado dando tumbos, tocando por pubs en Inglaterra, y contando a todos lo tonto que fue. Claro que May y Taylor deberían retomarlo y juntar de nuevo "Smile". Ah, perdón,  a veces me olvido en qué plano dimensional me muevo.....Que la decencia aquí no está bien vista.

FUENTES: J.J.Iglesias para Rockliquias

Formación:

Morgan Fisher - Teclados

Tim Staffell - Voz, Guitarra

Bob Sapsed - Bajo

Maurice Bacon - Batería

PISTAS:
A1. Samarkhand The Golden
A2. Alone
A3. War Games
B1. Nova Solis Suite

MORGAN - NOVA SOLIS "ÁLBUM COMPLETO"

Moby Grape - Discografía

Discografía - Grape Jam (1968)

Hemos de aclarar antes de nada que el segundo disco de los Moby Grape fue publicado en formato doble conteniendo dos discos "Wow" y "Grape Jam" que posteriormente fueron editados por separado. Hoy nos adentraremos en el mundo de "Grape Jam"

La banda surge a mediados de los sesenta en la bahía de San Francisco. Bob Mosley (bajista) y Skip Spence (guitarra), que había tocado la batería con los Jefferson Airplane, reclutan a antiguos miembros de The Frantics, Jerry Miller (guitarra) y Don Stevenson (batería) junto a Peter Lewis (guitarra). Su primer disco llega en 1967, "Moby Grape", obteniendo un notable éxito comercial y aclamado por la crítica. La discográfica se encargó de una gran promoción con la edición de nada menos que de cinco sencillos. Su segunda producción llega en el 68, "Wow/Grape Jam" y a pesar de las buenas ventas comenzaron a llegar los problemas debido al consumo de LSD por parte de Spence que causaron su salida de la banda. Como cuarteto editan "Moby Grape '69". El siguiente en abandonar es Bob Mosley que se alista en los marines. Su último disco, "Truly Fine Citizen " llegó a finales de 1969. En 1971 volvieron con "20 Granite Creek” producido por David Rubinson.

"Grape Jam" es uno de los dos volúmenes de que consta el segundo disco de "Moby Grape". Fue grabado en Nueva York sin la presencia de uno de sus guitarristas, Peter Lewis.  La grabación contiene diversas jam's y desfases musicales que pueden resultar de cierto interés para "frikis" como yo.  También cuenta con ilustres invitados, Al Kooper ("Black Currant Jam") y Mike Bloomfield ("Marmalade"). El disco se inicia con "Never" con Bob Mosley cantando a lo Robert Plant en un estilo parecido al "Since I've Been Loving You", aunque el tema de los Led apareció dos años más tarde. Guitarras desenfrenadas y piano desbocado en "Boysenberry Jam", ambiente Costa Oeste. Con Al Kooper al piano en "Black Currant Jam" tenemos una buena "blues jam". "Marmalade" se sigue moviendo por los caminos del blues esta vez con Bloomfield en las teclas. El disco se cierra con "The Lake", desfase psicodélico total. En la edición en CD se incluyen tres temas más. El primero "Grape Jam #2" es el más rockero. En los dos siguientes, "Grape Jam #9" y "Bags' O Groove", nos llevan por terrenos más jazzísticos incluida sección de viento en el último corte.

Formación:

Bob Mosley - Bajista, voz

Skip Spence - Guitarra

Jerry Miller - Guitarra

Don Stevenson - Batería

Peter Lewis - Guitarra

PISTAS:

A1. Never

A2. Boysenberry Jam

A3. Black Currant Jam

B1. Marmalade

B2. The Lake

MOBY GRAPE - GRAPE JAM "ÁLBUM COMPLETO

FUENTES: Rockliquias

Soft Machine - Discografía

Discografía - Third (1970)

Una de las bandas más ambiciosas e influyentes del rock, pese a no haber logrado éxito comercial, es "Soft Machine", nombre tomado de la novela de Williams Burroughs del mismo nombre. Con su mezcla de jazz, psicodelia, rock progresivo y rasgos electrónicos, logró llamar la atención de los ingleses a mitad de 1966.

Aún activa, su accidentada trayectoria está dividida en cuatro etapas definidas según el estilo y las fuerzas dominantes de cada una.

Así, "Soft Machine" saboreó un poco de psicodelia entre 1966 y 1968 para gradualmente ir abrigando el jazz fusion, al tiempo que por ella pasaban notables músicos como Robert Wyatt, Kevin Ayers, Daevid Allen, Mike Ratledge, John Marshall, Karl Jenkins y Hugh Hopper, entre otros.

Una buena parte de la crema y nata del rock inglés, especialmente del movimiento al que hoy nos referimos como “Canterbury Sound”, había estado manteniendo el legado de "Soft Machine", creando bandas alternas como "Soft Heal", "Soft Head", "Soft Ware", "Soft Mountain", "Soft Bound" y eventualmente "Soft Machine Legacy", entre 1978 y 2015.

Para el momento del lanzamiento de "Third", "Soft Machine" ya no contaba con los seminales Kevin Ayers (bajo) y Daevid Allen (guitarra). Ahora era un cuarteto formado por el debutante Elton Dean en el saxo, Mike Ratledge en las teclas, Hugh Hopper en el bajo y el genial, entonces baterista, Robert Wyatt.

Para la ocasión, el cuarteto se amplió con la adición de Lyn Dobson, Nick Evans y Jimmy Hastings en los vientos y Rab Spall en el violín.

En formato, nuestro celebrado disco guarda similitud con otra obra cumbre del rock progresivo, "Tales From Topographic Oceans" (1973) de "YES". Es decir, un doble LP con un tema por lado cuya extensión promedio es de unos 18 minutos. Todos producidos y compuestos por miembros del cuarteto.

Los 4 lados de Third:

"Facelift" se lleva los primeros 18’45”. Ya desde el inicio, nos enfrentamos a una pieza sonora orgánica, colmada de espontaneidad y en apariencia amorfa.

Rica en sonidos, es tal vez la propuesta más radical de nuestro celebrado álbum. También apreciamos a un Elton Dean osado. Esta pieza, grabada en vivo en Fairfield Hall Croydon el 4 de enero de 1970 y en él Mothers Club, Birmingham, siete días después, se torna más accesible hacia el octavo minuto.

Los oídos más experimentados tal vez encuentren algunos rasgos de "King Crimson", "Jethro Tull" y "The Mothers of Invention". Sobre todo, hacia el doceavo minuto. Es interesante escuchar como la pieza se va desarrollando sin obedecer a normas preestablecidas.

Hay también intervenciones al performance en vivo que han sido manipuladas para añadir un mayor atractivo a la pieza de Hopper. Unas frases más equilibradas signan el final de esta estridente experiencia.

El lado B del primer LP lleva por título "Slightly All The Time", que incluye los fragmentos "Noisette", "Backwards" y un reprise de "Noisette".

Concebida por Ratledge y Hopper, oímos al bajo tomar el rol central en la primera parte, acompañado por el hi-hat al que se le incorpora Dean con una melodiosa línea auditivamente menos dejada al azar.

En torno a Dean escuchamos acordes percutidos sobre las teclas del órgano. Esta suerte de cálido post bop abre espacio a cada miembro del cuarteto con Elton Dean liderando el tema. Dobson es también apreciado acá.

La dinámica cambia hacia el minuto seis y la melodiosa flauta va ganando espacios. Dos minutos más tarde la banda cambia ligeramente la dirección. Ratledge resalta en el Hammond, mientras Elton y Mike impregnan la atmósfera de una calidez muy especial apoyados en la sección rítmica de Hopper-Wyatt que culmina con una buena descarga con órgano y viento al unísono.

El segundo disco abre con una pieza de Wyatt titulada "Moon in June", la única que aún presenta reminiscencias de los dos primeros discos. “En un dilema entre lo que necesito y lo que quiero, siento una sensación entre tus muslos, cuánto tiempo puedo resistir la tentación…”

Nos canta Robert Wyatt en esa onda "canterburiana" acompañado por el órgano. Acá recordamos un poco a "Caravan", otro de los bastiones del "sonido Canterbury". La letra es todo un acto de seducción con una música ligeramente fantasmal.

Hopper hace un interesante solo y Wyatt es más nostálgico y familiar. Las teclas toman un rol central en los primeros cinco minutos. Robert nos recalca en uno de sus versos que “La distancia puede decir mentiras…”.

En los siguientes minutos a partir del noveno, el cuarteto desarrolla la parte instrumental con varios cambios interesantes. La voz de Wyatt es otro instrumento más en esta sección. El caos sónico encuentra un abrupto cambio hacia el minuto catorce con un "Soft Machine" más orgánico y en donde apreciamos a Rab Spall.

Poco a poco los sonidos se van ensamblando de un modo oscilatorio manteniendo esa invertida sensación y frustrando un poco nuestros instintos. Hacia el quinto minuto, un poco de jazz fusión reordena todo y poco a poco nos va atrayendo a predios más estructurados en las manos de Mike, quien luego abre camino a la sección de vientos. En el punto medio la pieza retorna al motivo inicial. Nuevamente las teclas toman el control junto a los vientos y Dean nos deja llevar con un llamativo solo.

En esta pieza la espontaneidad del grupo está más controlada. Otro atractivo es el doble saxo y el cambio que ocurre hacia el minuto catorce. Al igual que el segundo tema, son motivos claramente distintos y diferenciables que me recuerdan los "soundscapes" de Eno y Fripp.

Así, la pieza se va diluyendo en el silencio.

"Third" es una obra llena de elementos vanguardistas que demandan un criterio muy amplio. Su planteamiento estético rompe todas las reglas de armonía y melodía, sobre todo en los momentos más caóticos, una suerte de "British Free Jazz" aunque la base rítmica es más mesurada.

Me atrevo a añadir que unos meses antes, con la salida del paradigmático "In The Court Of The Crimson King", este álbum no gozara de la misma atención. Si bien "Third" no es fácil de escuchar, nos presenta algunos momentos accesibles que nos mantienen atentos.

Actualmente, "Soft Machine" la integran John Marshall en la batería, Roy Babbington en el bajo, John Etheridge en la guitarra y Theo Travis en las teclas y vientos, quienes en 2018 editaron "Hidden Details", su más reciente disco.

Formación:

Mike Ratledge - Órgano

Hugh Hopper - Bajo

Elton Dean - Saxo

Robert Wyatt - Voz, Baterista

PISTAS:

A. Facelitt

B. Slightly All The Time

1. Noisette
2. Backwards
3. Noisette (Reprise)

C. Moon In June

D. Out-Bloody-Rageous

FUENTES: Leonardo Bigott para Revista LaDosis

Brainticket - Discografía

Discografía - Cottonwoodhill (1971)

"Brainticket" fue la creación de Joel Vandroogenbroeck, un belga que vivió en Suiza y que comenzó a estudiar piano clásico antes de decidirse por el jazz. Recibió el premio Art Tatum como el pianista más joven de jazz a la edad de quince años y pronto salió de gira por Europa y África.

Mientras tocaba jazz encontró una gran inspiración en los sonidos que emanaban de los artistas alemanes de krautrock como "Can", "Amon Duul II" y "Tangerine Dream", y bajo la influencia de estos grupos, junto al guitarrista Ronn Byer, reclutó al batería Wolfgang Paap para formar el trío que se llamaría "Brainticket".

Su primer álbum fue "Cottonwood Hill", lanzado en 1971. Este debut pronto suscitó controversias al estar relacionado con las drogas psicodélicas, tanto que el álbum se vendió con una etiqueta que avisaba de que "solamente deberías escuchar una vez al día este disco porque tu cerebro puede destruirse". Esto llevó a que el álbum se prohibiera en muchos países incluyendo los Estados Unidos.

Para la grabación del disco la banda estuvo compuesta por Ron Bryer en guitarra, Werner Fröhlich en bajo, Helmuth Kolbe en teclados, Cosimo Lampis en batería, Dawn Muir en voz, Wolfgang Paap en percusión y Joel Vandroogenbroeck en teclados, flauta y voz.

En si el disco es relativamente simple y corto, basado en bases repetitivas previsibles… pero musicalmente muy atractivas, manejándose dentro de un rock psicodélico experimental, con onda medio funky, muy bien ornamentado. Aunque lo que hace de este disco algo tan llamativo, es la acidez que despide en cada momento. Se vuelve famoso por los 27 minutos de "Brainticket Pts 1 y 2", una mezcla de efectos de sonido lisérgicos extraños, loops de cinta, voces femeninas paranoides y orgásmicas, y la improvisación electrónica, todo ello frente a un insistente juego en el órgano Hammond que marca las bases de las sesiones. Esa sesión psicodélico-electronica, es a la vez espacial, cósmica, espiritual, introspectiva y poética, altamente cargada de una intensidad profunda que, en medio de un viaje acido, podría llevarte hacia lugares insospechados.

Al ver la cantidad de músicos que integraron la grabación del disco, me queda la sensación de que podrían haber hecho algo más, los sonidos que alcanzan son muy buenos y, de haber incluido más temas con el mismo tractivo, tal vez el disco hubiese cobrado más importancia dentro de la escena psych y kraut. Aun así, es un disco de alto calibre y ya en sí mismo es legendario y tiene su culto, creado por fieles seguidores de los sonidos freaks psicodélicos de la banda.

Desde entonces la reputación de "Brainticket" como una banda experimentadora del underground y de la música de vanguardia se solidificó. Tras la muerte de Bryer, Joel comenzó a explorar los sonidos electrónicos y se trasladó a Italia donde conoció a su mujer Carole Muriel. Con un par de músicos suizos, el guitarrista Rolf Hug y el bajista Martine Sacher, publicó el segundo trabajo del grupo, "Psychonaut". También participó en una ópera rock en colaboración con el compositor de cine Bill Conti y Joel comenzó a trabajar en nuevo álbum de "Brainticket" basado en el Libro de los Muertos egipcio. El nuevo álbum, "Celestial Ocean", contaba la experiencia del más allá en el tiempo y el espacio de los egipcios, una vez traspasada la línea de la vida, en un ambiente de desiertos y pirámides. Fue este álbum, publicado en 1973, el que llevó a "Brainticket" a la fama mundial.

Joel continuó con nuevas creaciones, llegando a publicar un par de álbumes más bajo el nombre de "Brainticket", incluyendo la grabación de Alchemic Universe en 2000.

En una reciente entrevista con el escritor Dave Thompson, Joel afirmaba que: "No éramos un grupo, éramos un lugar donde se realizó la creación y este lugar era Cottonwoodhill, aunque nunca se mencionó en los álbumes posteriores. Además de tratar que existiera una unión, cada grabación incluía a gente distinta. En general todo fue a nuestro favor. Hubo un encuentro, una inspiración, una producción y después, todo el mundo siguió su camino. Creo que esto es lo que hizo a "Brainticket" un grupo original que se alejaba del concepto de una banda convencional. Teníamos algo diferente que ofrecer.

Formación:

Ron Bryer - Guitarras
Werner Fröhlich - Bajo

Helmuth Kolbe - Teclados

Cosimo Lampis - Batería

Dawn Muir - Voz

Wolfgang Paap - Percusión

Joel Vandroogenbroeck - Teclados, Flauta y voz

PISTAS:

A1. Black Sand

A2. Places of Light

A3. Brainticket (Part 1)

B1. Brainticket (Conclusion)

B2. Brainticket (Part 2)

BRAINTICKET - COTTONWOODHILL "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas

Pärson Sound - Discografía

Discografía - Pärson Sound (1968)

Suecia es tierra de leyendas psicodélicas y bandas de grandes sonidos, ya el mismo Jimi Hendrix dijo que quedó sorprendido tras su paso por dicho país, por las muy buenas bandas que encontró allí. Y de quienes nos referiremos hoy no serían la excepción, ya que referirse a "Pärson Sound" es referirse a una buena dosis de rock sueco, experimental y underground, de enorme calidad y mística.

A finales de los 60s Suecia estaba viviendo una transformación musical notable, empezando a surgir cada vez más el jazz en los clubes locales, sumado a una oleada de experimentación que estaban implementando e innovando varios grupos en el momento. A esto también se le sumaria la influencia de la psicodélia norteamericana e inglesa, además de otros acontecimientos políticos que marcarían al país.

En medio de esta situación tendrían lugar los orígenes de "Pärson Sound", en medio de la convulsión política, la militancia, la experimentación libre, la búsqueda de una identidad propia, un propio sonido que deliberadamente partiría desde el rock, pero haciéndolo desde bases que nacían desde influencias varias, una exploración sobre terrenos musicalmente desconocidos.

Los orígenes del grupo tienen lugar en Estocolmo, a mediados de los 60s, con un grupo de jóvenes músicos y artistas, estudiantes en el "Royal Academy of Music", que se instruían musicalmente mientras desarrollaban y escribían sus propios conceptos musicales experimentales, entre ellos se encontraba el compositor y músico Bo Anders Persson, el por entonces futuro fundador de "Pärson Sound".

Ellos comenzaron a desarrollar nociones y conceptos musicales que saldrían del estándar ofrecido en las academias, interesados por el free jazz, la libre experimentación, el rock, la floreciente influencia psicodélica, además de sumar otros elementos del folk sueco. Y en ese momento ocurrió algo que los marcaría, y esto sería la visita, a Estocolmo, del músico Terry Riley, un compositor innovador norteamericano, que arribaba a la escena sueca con visiones similares a las que estaban desarrollando en la escena del país. Riley acababa de lanzar un visionario trabajo minimalista llamado "In C", y viajaba a Estocolmo a presentarlo en una presentación en vivo, por lo que pidió a la academia, que antes de su llegada  se creara un grupo, una banda de músicos, con los cuales poder interpretar sus nuevos sonidos.

Se forma un grupo de jóvenes entusiastas, entre los que se encontraba Bo Persson, además de sumarse Torbjörn Abelli en bajo, Arne Ericsson en piano y chello, y el poeta, periodista radial y saxofonista Thomas Tidholm. También se sumaría el baterista Thomas Mera Gartz, futuro miembro de otra floreciente banda sueca psicodélica, "Mecki Mark Men".

Este ensamble acompañaría a Terry Riley en la presentación de sus nuevos trabajos, y esto tendría un impacto e influencia directa sobre estos jóvenes músicos suecos,  a tal punto que el grupo seguiría junto y seria la base fundamental desde donde nacería "Pärson Sound". A ellos se les sumarían, más tarde, Thomas Tidholm en saxo y voz, Jakob Sjöholm en guitarra y voz, y Urban Yman en violin, quedando así completa la primera formación de la banda. Y para 1967 ya comenzarían a presentarse en vivo, en cafés, clubes y festivales de la zona.

En realidad, bajo el nombre de "Pärson Sound" no alcanzaron a lanzar ningún trabajo oficial, solo dejaron varias grabaciones primarias, realizadas entre 1966 y 1968, la cuales fueron, años más tarde, relanzadas en este CD compilatorio.  En esta publicación figura el año 1968 como año de lanzamiento del disco, ese es un año incierto, ya que, como acabo de decir, es un compilatorio que consta de grabaciones realizadas alrededor de 2 o 3 años, es más una data que pongo para que figure alguna fecha.

Mientras descubrían y perfeccionaban su estilo, transitaron por un rock netamente underground, volado y experimental, adelantándose algunos años al sonido que "Amon Duul" obtendría posteriormente en sus discos, con un rock rupestre, repleto de parafernalias krautrock, búsquedas minimalistas y delirios sonoros tipo freak out o jams alocados, sin duda se trata de krautrock temprano. O como una especie de exacerbación al extremo de locuras tipo Jimi Hendrix, como en esos momentos en los que reventaba todo en vivo, inundando el lugar de feed back y todo tipo de sonidos extraños que le extrajera a la pared de amplificadores que tenía en su espalda.

Desarrollan un rock minimalista, excepcionalmente denso, con bases repetitivas, un ejemplo perfecto de krautrock sueco, con conceptos tomados de la música de Terry Riley, cuya influencia los impulsa a crear un sonido considerablemente perturbador y oscuro, netamente underground, que roza entre sonidos eléctricos tribales, drone, pre noise, y marcados además por cierto estilismo oriental.

Esos serian sus momentos preliminares y primarios, pero lo cierto es que la banda pronto se transfiguraría hacia otros caminos musicales. En agosto de 1968 la banda cambió su nombre a "International Harvester", y más tarde el mismo año su álbum debut "Sov Gott Rose-Marie" fue puesto en libertad. En 1969 acortaron el nombre a "Harvester", bajo el cual lanzaron el album "HEMAT".

Más tarde, en el verano de 1969, la banda sufre un cambio de formación y vuelve a cambiar su nombre, en este caso al de "Trad, Foie y Stenar", nombre que quedaría casi definitivamente, y bajo el cual lanzarían la mayor parte de sus trabajos.

Con todos estos cambios, sin duda la banda también fue experimentando una mutación y evolución en su música y su búsqueda sonora, estilizando sus sonidos, siempre dentro de caminos experimentales. El grupo, con sus distintos cambios de formaciones, nombres y sonidos, sin duda ha dejado una huella en el rock sueco, siendo parte de las bandas pioneras que, en su época, dieron pie al nacimiento de la psicodélia y el progresivo sueco.

Formación:

Boanders Persson - Guitarra, Órgano, Piano, Flauta, voz Thomas Tidholm - Saxofón soprano, Flauta, Cencerro, voz Arne Ericsson - Violonchelo eléctrico, voz Torbjörn Abelli - Bajo, voz Thomas Gartz - Batería, Electrónica, voz

PISTAS:

1. Untiled - 0.53

2. Tio Minuter (Two Minutes) - 10.29

3. From Tunis To India In Fullmoon (On Testosterone) - 20.29

4. India (Slight Return) - 13.06

5. A Glimpse Inside The Glyptotec-66 - 6.01

6. One Quiet Afternoon (In The King's Garden) - 10.32

7. Sov Gott Rose-Marie (Parts 1-3: It's Only Love, Till Indien And Sov Gott Rose-Marie) - 13.18

8. Skrubba - 28.56

9. Milano - 7.57

10. On How To Live - 7.26

11. Blåslåten - 5.41

PÄRSON SOUND - PÄRSON SOUND "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas

Dedalus - Discografía

Dedalus - Dedalus (1973)

Si hablamos de "Dedalus" hablamos de una muy buena y oscura banda italiana de jazz rock. Los orígenes del grupo tienen lugar allá por Italia, a principio de los 70s, originalmente integrada por Fiorenzo Michele Bonansone en teclado, cello y voz, Marco Di Castri en guitarra y saxo, Furio Di Castri en bajo, y Enrico Grosso en batería. El grupo nunca estuvo entre las bandas más destacadas de la escena de su país, pero supo en su momento copar escenarios con muy buenas presentaciones en vivo.

Ya desde un principio logran cierta notoriedad, tocan como teloneros de "Amazing Blondel" lo que les otorga cierto renombre que los acerca a varias etiquetas, pero muchas los rechazan por considerar de "demasiado inteligente" a su música. En 1973 la banda participa de festival "Avantgarde and New Trends", de Nápoles, siendo señalada como la verdadera revelación del momento, este existo inesperado los coloca en la mira de varias compañías disqueras.

Sin embargo, en ese momento, la banda decide tomar una especie de venganza y rechaza a las principales firmas, para irse de esa forma con una pequeña y floreciente etiqueta proveniente de Milán, llamada "Trident Records". "Dedalus" surgía por derecho propio para instalarse en la corriente principal del jazz rock de su país.

Su primer álbum, el homónimo "Dedalus", fue lanzado en 1973, y con él una interesante gama de piezas de jazz fusión saldrían a la luz. Este álbum homónimo consta de composiciones exquisitas de jazz-rock instrumental, piezas compactas y dinámicas, con una suavidad particular, obra de Cesare Monti, un sonido influenciado por artistas como "Nucleus", "Miles Davis", "Soft Machine", "Karlheinz Stockhausen" y muchos otros innovadores de la época.

Sin duda es un álbum atrapante, tiene características atípicas que lo hacen único, con una complejidad y una producción muy buena, llamativa para ser de una banda "menor", o no tan conocida. La tranquilidad del sonido, el toque jazzero en las bases y tempos, el buen sonido, los toques electrónicos que van desperdigando en las piezas, las sesiones de jazz libre, son condimentos que están presentes siempre y que, al ser desplegados en piezas tan atípicas, sin duda llaman mucho la atención.

El sonido tiene cierta intencionalidad electrónica y experimental, no se termina de encaminar hacia esos lares pero demuestra cuales son las intenciones de la banda, ya contiene algunos de los toques de vanguardia, efectos de sonido, partes con ruidos, distorsiones eléctricas y electrónicas, elementos hacia los que se encaminarían definitivamente en el segundo álbum que lanzarían, "Materiale per tre esecutori e magnetico nastro", de 1974. En dicho segundo álbum la banda se enredaría rotundamente con la experimentación electrónica y el avant garde, la cual comprendería casi todo el álbum.

Un año más tarde Furio Di Castri dejaría la banda, tras esa salida lanzarían el segundo álbum. Ya hacia finales de los 70s la banda dejaría de funcionar, reagrupándose nuevamente para principio de los 90s, en dicha etapa la banda constaría de un trío compuesto por Bonansone, Di Castri y Grosso, de esa formación saldría un tercer album, "Pia Visione", de 1997. 

Después de muchos cambios en la formación, en el 2002 la banda pasó a llamarse "Dedalus Bonansone", y de dicha etapa tardía saldría un cuarto disco, "Nomos Apache Alfa", más precisamente del 2004.

Formación:

Fiorenzo Bonansone - Violonchelo, piano eléctrico, sintetizador
Marco Di Castri - Guitarras, saxo tenor, percusión
Furio Di Castri - Bajo, percusión
Enrico Grosso - Percusión

PISTAS:

A1. Santiago

A2. Leda

A3. Conn

B1. CT 6

B2. Brilla

DEDALUS - DEDALUS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas