IA-BATISTE - Discografía

Discografía - Chichonera's Cat (1975)

"Un disco excelente y de referencia, incomprensiblemente olvidado". Eso dice con toda la razón Alex Gómez - Font en su obligado libro, "Barcelona, del rock progresivo a la música layetana" (2011 / Editorial Milenio).

Qué mal se porta la historia con los genios. Ia Clua, que venía de un entorno folk con Dos + Un. Y Jordi Batiste, que también procedía de ése estilo desde los finales 60, pero había entrado en los 70 con los progresivos Maquina! Se conocen fortuitamente, y después de terminar la mili, Batiste no decide seguir en la banda del croissant. Hay demasiado en común con Clua. Un dúo que integra surrealismo, psych-folk, proto-prog, CSNY, Sisa y delirantes performances. Debutan en directo en 1972, y a final de año editan "Un Gran Día" (Diábolo - Als 4 Vents), uno de los secretos mejor guardados de la psicodelia underground de éste país. Aún a día de hoy. Y eso que fue reeditado lujosamente por Wah Wah Records  en 2003. Por allí andaban Max Sunyer, Manel Joseph o Albert Batiste.

Un grandioso álbum que pasó en su momento sin pena ni gloria. Y en éste,  porque nunca aparecen en las listas de indispensables del gremio. Acompañarán después a Sisa (buenas migas al instante), tanto como a Serrat. Éste último será el que detrás de su sello Oliba y con su producción,  les graba "Chichonera's Cat" en 1975. De nuevo con la importante aportación de Max Sunyer (guitarras), Jordi Clua (bajo), Francis Rabassa (batería,  percusión), Kitflus (piano, Moog, Elka,  órgano), e invitados al saxo, percusiones, coros.....

Su comienzo con "Bon Día,  Lluna" no puede ser más espectacular.  Como si "Iceberg" tuvieran un giro hacia "Yes". Poesía,  delicadeza, vocales cuidadísimas y una pirotécnica instrumentación  progresiva de primer nivel. Con sus acústicas y voces, Ia-Batiste exploran su interior a base de pequeñas gemas imperecederas. Vibración hippie del momento, paz y positividad, resuena en "Ocell". "Chichonera's Cat" sigue esos derroteros, días de bohemia,  candidez, investigación interior y felicidad, sin pensar en el día siguiente. Bucear en discos como éste,  te hace sentir como aquellos soñadores en tiempos oscuros, (acaso no tan lejanos), a poca sensibilidad que se tenga. También el círculo Ayers / Allen tiene aquí su eco influyente. Un Elka de cuerdas bien insertado hace maravillas, como pasa en "El Llarg i lluent Cami". Cantar en catalán aporta lirismo bucólico  difícil de expresar en letras. Son sentimientos plasmados en sonidos de una época. Su arropo progresivo es evidente y efectivo a más no poder. Qué bonito título es "Canço per a no sentir-se sol", donde la guitarra de Sunyer brilla bajo un mar de percusiones coloristas. Y Kitflus llena con sus sintetizadores,  unas letras intimistas, en un particular mundo para perderse bien a gusto.

El saxo de Pau Casares en "El Noi i la Canço" le da un aire Canterbury.....un no se qué, que conecta con la música de aquel lugar. La magia siempre presente de Ia-Batiste. Añade bonitos arreglos de guitarra y ritmo, y un solo de órgano de Kitflus que eleva la calidad inequívocamente. "Aeronaus" conecta con el universo pot head y sus pixie alumnos de Gong. Desmesurada belleza acústica en "El Gessami i La Rosa". Magia electrónica  para "Imatges de l'estiu", con desbordante fantasía sympho, casi paralela al sonido alemán del sello Sky. Que continúa sin silencios en "Villa Montserrat". Moogs en efervescencia Emerson. "Esqueix de Canço" es otro perfecto instante sonoro del pasado. Melancolía que parece Starcastle en catalán!  La final "Vida de pel-licula" tiene de nuevo olor a Iceberg con voces andersonianas.

La madurez de ésta obra es inmensa. Tal vez demasiado. Al finalizar el año y tras participar en  el recordado Canet Roc, deciden separarse por diferencias artísticas. 

El sueño de una noche de verano de 1975.

FUENTES: J.J.IGLESIAS para Rockliquias

Formación:

Ia Clua - Guitarra acústica, voz

Jordi Batiste - Guitarra acústica, voz

Max Sunyer - Guitarra

Jordi Clua - Bajo

Francis Rabassa - Batería, Percusión, Gong

Kitflus - Elka, Órgano, Moog, Piano

Pau Casares - Saxo

PISTAS:

A1. Bon Dia, Lluna

A2. Ocell

A3. Chichonera's Cat

A4. El Llarg I Lluent Cami

A5. Canco Per A No Sentir-Se Sol

A6. El Noi I La Canco

B1. Aeronaus

B2. El Gessami I La Rosa

B3. Imatges De L'Estiu

B4. Villa Montserrat

B5. Esqueix De Canco

B6. Vida De Pel-Licula

IA-BATISTE - CHICHONERA'S CAT "ÁLBUM COMPLETO"

Mogul Thrash - Discografía

Discografía - Mogul Thrash (1970)

En ocasiones los contratos discográficos  impiden que grupos de excelente calidad prosperen, este es el caso de "Mogul Thrash".

En 1.970 el guitarrista James Litherland, que acababa de dejar a los Colosseum, se unió a John Wetton y con la colaboración de Brian Auger y una sección de vientos de tres componentes, formaron el grupo. Ese mismo año grabaron su único disco que fue publicado al año siguiente y por los problemas que he mencionado antes, el grupo apenas duró un par de años.

El disco nos recuerda bastante a "Colosseum" aunque el sonido de la guitarra en más duro, la sección de viento nos introduce en un jazz rock progresivo. La voz y el bajo de John Wetton empiezan a destacar en algunos de los temas, eran los inicios de su exitosa carrera musical. Temas destacables serían "Something Sad", "Elegy" y por supuesto "Going North, Going West".

Formación:

James Litherland - Guitarra, voz
John Wetton - Bajo, voz
Bill Harrison - Batería
Malcolm Duncan - Saxo tenor
Michael Rosen - Trompeta, Guitarra
Roger Ball - Saxos
Brian Auger - Piano

PISTAS:

A1. Something Sad
A2. Elegy
A3. Dreams Of Glass And Sand
B1. Going North, Going West
B2. St. Peter
B3. What's This I Hear

1. Conscience (Bonus)

2. What's This i Hear (Bonus) 

MOGUL THRASH - MOGUL THRASH "ÁLBUM COMPLETO"

Bachdenkel - Discografía

Discografía - Lemmings (1970)

Humanos que navegan buscando buena música, he aquí a "Bachdenkel", un grupo de rock psicodélico/progresivo con su álbum debut, “Lemmings”. El grupo en cuestión se formó en 1968 en Birmingham bajo el nombre de "You Know Who". Estaba integrado por: Colin Swimburne (guitarra, piano, órgano y voz), Peter Kimberley (bajo, piano y voz), Brian Smith (batería) y, de vez en cuando, Karel Beer en piano, que además era el ingeniero de iluminación y el productor. “Lemmings” fue grabado en Francia en 1970, aunque no se conoció hasta recién en 1973.

En lo personal, para mí éste es un trabajo bellísimo. Probablemente no vayan a escuchar nada que no hayan escuchado antes. Y puede que haya algunos altibajos. Aún así sigue habiendo algo único en este álbum,  es como si aquí estuvieran reunidas un montón de melodías hermosas que se encontraban en mi inconsciente esperando por fin poder identificarse con un disco (o al menos ésa fue mi experiencia).

"Bachdenkel" tiene su propia impronta, “Lemmings” es muy especial, lleno de pasajes oscuros, dramáticos y oníricos. Estamos solos con los ojos clavados en el hermosísimo arte de la tapa. Es de noche y se ve el cielo estrellado. El silencio se rompe con un tímido órgano al que inmediatamente se le suma una guitarra, la cual, junto con la voz, va tomando la dirección de la canción. Ya con este comienzo podemos percibir la esencia del álbum. La lírica también es imperdible, no tiene desperdicio. Son letras un poco tristes, profundas, cargadas de imágenes surrealistas y oscuras, como la música, pero no por eso son menos bellas. “Equals” es una breve canción con un lindo piano y guitarra acústica que nos conduce a  “An Appointment With The Master”. Esta última es realmente emocionante, una canción que nos guía hacia un camino luminoso, hasta que las luces se confunden y se van apagando en “The Settlement Song” con un órgano y una voz flotantes, y poco a poco aparece la oscuridad de la mano de la progresión de acordes de la guitarra. Los trabajos vocales en esta canción y en todo el disco son alucinantes. “Long Time Living” es otra balada muy bonita donde, además de la voz, se destacan el piano y el órgano, y como leí por ahí, bien podría haber sido escrita por John Lennon. Continuamos con “Strangerstill”, y el disco se despide de nosotros con una épica marcha, “Come All Ye Faceless”. No deja de sorprenderme cómo la música describe tan bien la lírica (o viceversa).

Afortunadamente, la edición que aquí les traemos viene con seis bonus tracks: “The Slightest Distance”, “Donna”, “A Thousand Pages Before”, "Through The Eyes Of A Child", "An(other) Appointment With The Master" y "Strange People". Luego de este fantástico álbum debut, no volverían a grabar hasta recién en 1977, año en que se publicó su segundo y último disco, “Stalingrad”. Espero que lo disfruten mucho y que tengan un muy buen viaje!!  Y no se extrañen si en sus sueños escuchan a “Lemmings”.

Formación:

Colin Swimburne - Guitarra, Piano, Órgano y voz

Peter Kimberley - Bajo, Piano y voz

Brian Smith - Batería

Karel Beer - Piano

PISTAS:

A1. Translation

A2. Equals

A3. An Appointment With The Master

A4. The Settlement Song

B1. Long Time Living

B2. Strangerstill

B3. Come All Ye Faceless

Bonus tracks:

1. The Slightest Distance

2. Donna

3. A Thousand Pages Before

4. Through The Eyes Of A Child

5. An (Other) Appointment With The Master

6. Strange People

BACHDENKEL - LEMMINGS (ÁLBUM COMPLETO)

FUENTES: El Jardón de las Delicias Psicodélicas

CAI - Discografía

Discografía - Más allá de nuestras mentes diminutas (1978)

Cuatro largos temas de estructura un tanto indefinida conforman este primer LP de la banda gaditana. En palabras de su teclista Chano Domínguez se tratan de temas “volados con muchas modulaciones y largos desarrollos, que eran los procedimientos típicos de la época”. Tras esta definición se esconde una música intrincada en la que junto a algún momento memorable, hay otros de aburrimiento y especulación sonora sin rumbo fijo.

El primer tema “Alameda” es el más sinfónico de los cuatro con claras influencias de los teclados e ideas de Keith Emerson. El tema que presta su título a todo el disco se adentra en ritmos fronterizos con el jazz, con Chano haciendo diabluras con el sintetizador y el mellotrón, bien replicado por el toque aflamencado de la guitarra de Paco Delgado. La voz está un tanto metida con calzador en su intervención, ya que es por encima de todo una pieza netamente instrumental en su concepción.

“Solución a un viejo problema” es el tema de estructura más asequible y representa una fusión del rock ralentizado con elementos lejanamente andaluces. A veces, los instrumentistas mantienen su tendencia a perderse en divagaciones que poco aportan al tema. Los cerca de once minutos del cuarto tema pesan en algunos momentos como el plomo. Lo mismo ocurre con “Pasa un día”, largo y especulativo. Uno de esas piezas difíciles de seguir para el oyente con una mezcla de toques y estilos de lo más dispar en los que uno acaba agradeciendo que la aguja del tocadiscos llegue al final de la cara, a pesar del vibrante remate instrumental del tema.

Al margen de lo estrictamente musical, hay que comentar ese subtítulo de “sonido andaluz” que aparece en la portada, cuando en realidad de andaluz el disco tiene más bien poco, pero es que en ese momento el rock andaluz se vendía muy bien y no era cosa de dejar de engatusar con esa etiqueta al potencial comprador.

Formación:

Sebastián Domínguez - Teclista

Paco Delgado - Guitarra

Diego -Fopi- Fopiani - Batería, voz

José Laureano Vélez-Gómez  - Bajo, voz

PISTAS:

A1. Alameda

A2. Mas Allá De Nuestras Mentes Diminutas

B1. Solucion A Un Viejo Problema

B2. Pasa Un Dia

CAI - MAS ALLA DE NUESTRAS MENTES DIMINUTAS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: LaFonoteca

Organisation - Discografía

Discografía - Tone Float (1970)

La primera colaboración en LP entre los dos visionarios que fundarían "Kraftwerk" es un poco como el primer LP de "Tangerine Dream", en el sentido de que guarda poca semejanza con su trabajo posterior dominado por la electrónica y se acerca más al "krautrock tradicional". El álbum de "The Organisation" es básicamente instrumental, muy orientado a la improvisación, cuenta con mucha percusión manual y muestra más influencia de jazz y psicodélica que cualquier cosa que "Kraftwerk" haría jamás.

La canción que da título al álbum, de 20 minutos, comienza con campanas, tambores y percusión manual variada. La sensación inicial es muy de free jazz, de hecho me recuerda mucho a la banda de Archie Shepp con Bobby Hutcherson a mediados de los 60 (¡si te deshaces del saxofón!). Con el tiempo, se establece un groove en los "bongós" (al menos una especie de tambor de mano) y, por suerte, me recuerda al ritmo "Deutscher Cha-Cha" que "Kraftwerk" incorporaría más tarde en su música a través de cajas de ritmos (nunca he encontrado a Kraftwerk especialmente bailable — el suyo es más un "funk para la piel" que para el cuerpo). Después de relajarse con algunos sonidos ambientales de viento electrónico, el órgano de Hutter empieza a hincharse con drones polifónicos que suenan bastante al trabajo de Miles Davis en el órgano Yamaha a mediados de los 70. La batería convierte las cosas en una jam psicodélica pomposa y pausada durante un rato, luego vuelve a descomponerse en una figura de bajo de dos notas acompañada por una pandereta mientras el órgano regresa para un toque modal más jazzístico. Vuelve a crecer hasta algo parecido al "krautrock" antes de suavizarse en una canción guiada por flauta con un aire falso de "Oriente Medio". La característica forma de tocar la flauta de Schneider incluye soplados percusivos, muy parecidos a los de "Ruckzuck" de "Kraftwerk", así como armónicos que recuerdan a Roland Kirk y el uso ocasional y elegante de un efecto de retardo analógico. El conjunto sube en intensidad una última vez (¡incluyendo un ritmo de salsa en las claves!) antes de terminar con algunos sonidos de "percusión tratada" al estilo "Stockhausen".

La siguiente pista (al principio de la cara 2 si tienes el LP) es "Milk Rock", la canción más "rockera" del álbum, con un ritmo constante, un krautbass choogling y riffs percusivos de órgano Hammond (piensa en Lonnie Liston Smith). Schneider toca su flauta a través de algún tipo de efecto electrónico que me convenció durante un tiempo de que en realidad era un moog — la pista es cuando vuelve a empezar con el soplador armónico (la técnica en la que puedes sacar más de una nota a la vez de un instrumento de viento, como solían hacer Coltrane, Shepp, Kirk, etc. — los moogs son monofónicos y solo tocan una nota a la vez). En cualquier caso, este tema me recuerda a algunas de las cosas más extravagantes y orientadas al jazz que Stereolab ha hecho en los últimos años.

"Silver Forest" podría describirse como "jazz rock ambiental del espacio." Es más lenta y majestuosa, y presenta un trabajo etéreo de gong.

"Rhythm Salad" es más o menos lo que cabría esperar del título, aunque comienza con un feedback analógico de retardo que es el sonido más claramente "electrónico" del álbum. Por lo demás, básicamente es una percusión improvisada de forma libre, bastante buena para lo que es y con algunos efectos de paneo estéreo muy chulos. También hay un pequeño canto subliminal fuera del micrófono de alguien del grupo, quien fuera probablemente solo "lo sentía" mientras grababa. Clímax cuando la batería entra para tocar un "solo" al estilo Elvin Jones sobre todos los demás instrumentos de percusión.

"Noitasinagro" me suena un poco más derivativo que las otras canciones, el órgano de Hutter tiene una cualidad de "catedral" que recuerda a Hugh Banton de VDGG (en su mejor momento) y a Doug Ingle de "Iron Butterfly" (en su peor momento). También tienes a Schneider hablando con violín electrificado, muy parecido a John Cale en los primeros discos de Velvets (aunque no tan molesto) hasta que empieza a tocar "estilo raga" (la electrónica le da al violín un sonido parecido a un instrumento asiático, creo que se llama Oud?) Otro de los momentos más extraños de esta canción son unas voces de "ah-ah-ah" y un ataque de nervios. Termina con un exagerado sonido de órgano de iglesia que suena como una versión más jazzística del clímax de "In-A-Gadda-Da-Vida".

La reedición en CD en Crown Records incluye un tema extra de 11 minutos, "Vor Dem Blauen Bock" (traducido aproximadamente: "Before The Blue Horse" — también me he encontrado con este tema en forma pirata bajo el título "Truckstop Gondolero"). Esto en realidad no es una canción de "Organisation", sino una grabación en directo de 1971 del programa de televisión Beat Club por una versión de trío de corta duración de "Kraftwerk", formada por Schneider junto con Michael Rother y Klaus Dinger (los dos que se separarían para formar NEU! — Hutter no estaba en la banda en ese momento).

"Bock" comienza con un montón de sonidos electrónicos de Stockhausen antes de que Rother empiece a tocar un riff de guitarra que suena igual que su trabajo con "NEU!", y una vez que Dinger pone en marcha el ritmo "motorik" es prácticamente indistinguible de una melodia de NEU! como "Negativland". Schneider toca primero con flauta eléctrica y luego con violín eléctrico, pero el eje Rother-Dinger domina totalmente. No es difícil entender por qué esos dos dejaron la banda para hacer lo suyo, ¡la NEU básica! El plano ya está completamente expuesto aquí en 1971.

En conclusión, "Tone Float" es prácticamente imprescindible para los aficionados al krautrock, en particular la reedición en CD con la rara (y me atrevo a decir "históricamente importante") pista de ¡Kraftwerk/NEU!. Sin embargo, el álbum podría decepcionar a los fans de "Kraftwerk", que son exclusivamente aficionados a la "electrónica".

Formación:

Ralf Hutter - Teclados
Florian Schneider - Flauta, Violín, percusión
Butch Hauf - Bajo, percusión
Basil Hammoundi - percusión
Fred Monics - Batería

PISTAS:

A1. Tone Float
B1. Milk Rock
B2. Silver Forest
B3. Rhythm Salad
B4. Noitasinagro

ORGANISATION - TONE FLOAT "ÁLBUM COMPLETO"

The Cosmic Jokers - Discografía

Discografía - The Comic Jokers (1974)

Para el año 1974, el escritor, periodista e intelectual influyente dentro de círculos kraut, Rolf-Ulrich Kaiser, pone en marcha una maquiavélica idea con la complicidad del ingeniero y productor, Dieter Dierks. Llevar a sus Dierks Studios a una serie de músicos de esa escena e invitarlos a unas temibles fiestas-jam sessions. En realidad,  furiosos acid-tests psicotrónicos. Así pues, invita a Jůrgen Dollase y Harald Großkopf, teclados y batería respectivos de Wallenstein. Manuel Gŏttsching, guitarra en espiral de "Ash Ra Tempel". Y a Klaus Schulze, teclista supremo que acababa de dejar a éstos hacía unos pocos años. La encerrona consistía en hacerlos tocar sin saber que Dieter Dierks estaba grabando todo para unas futuras ediciones sin permiso ni conocimiento de los implicados. Aquello traería cola a lo largo de los años.

Hasta cinco discos fueron apresuradamente editados en ése año 74. A la emboscada la bautizaron como "Cosmic Jokers". Teniendo en cuenta que, los que de verdad importan, son los dos primeros. Este homónimo y "Galactic Supermarket".

Mientras que "Planeten Sit In" fueron temas cortos editados y escogidos, a modo de popurri. Habría que añadir dos más,  especie de samplers retocados en el estudio, "Sci-Fi Party" y "Gilles Zeitschiff", a modo completista. Este último llevaba a la entonces churri de Kaiser, Gille Lettmann, en una línea spoken word biográfico y narrando "la venida del mesías" del ácido, Timothy Leary, a Alemania. Sobrantes de aquellas sesiones que se aprovecharon a conciencia. Discos menores.

Cuenta la leyenda que Manuel Gottsching se enteró de este primer lanzamiento al entrar en una tienda de discos. Preguntó intrigado qué coño estaba sonando y le pasaron la carpeta. Su cara debió de ser un poema. Ahí estaba él,  en pleno trance drogueril, junto al resto de incautos! De locos.

Las acciones legales duraron años. De ahí que salieran los cinco discos con tanta celeridad en aquel mismo año. Kaiser sabía que se estaba metiendo en un jodido jardín contractual espinoso. Pero aún así,  aprovechó la coyuntura krautexploitation hasta sus últimas consecuencias. Menudo jeta.

Bien, al igual que en el segundo álbum,  "Galactic Supermarket", un tema por cara completan el disco. Podrían ser perfectamente un doble. Alucinadas jams en pleno paroxismo y cuelgue, aunque en manos de expertos spaceheads que sabían manejar los controles...... De instrumentos y mandanga. Lo normal es que hubiera salido un fiasco, puro mondongo sonoro, e imagino que entre tanta hora grabada, lo habría. Pero mire usté que no, que lo seleccionado tiene su razón de ser. Que se palpa "la armonía de las esferas psicotrópicas" es un hecho constatado. Pero les sienta muy bien, a estos Bromistas Cósmicos.

"Galactic Joke" (22'36) nos lleva en más de una ocasión a los delirios psíquicos de Pink Floyd pre-Ummagumma. Sin duda la banda que más influyó a éste sector del kraut. Manuel Gottsching se explaya en su característico estilo guitarrero, sonando todo muy early Ash Ra Tempel. Harald Großkopf ofrece el lubricante rítmico adecuado. El secuenciador orgánico necesario para una continuación estructurada de nebulosas sonoras de muy interesante logro. Mientras que los dos teclistas, Dőllase y Schulze, se muestran comedidos y acertados en sus casi tímidas intervenciones. Se diría que respetando mucho el espacio vital de cada uno. He aquí uno de los casos de improv-music, free rock y composición instantánea,  más célebres y aclamados del cosmic rock. Respeto. Esa es la clave. Algo que ya no está  en el diccionario de muchos. Los teclados no se molestan entre ellos. No se advierten choques de ego ni protagonismos egoístas. Todos están por la creación conjunta. Joder, las drogas, que eran muy buenas por entonces! Escuchado hoy, suena tan avant y futurista, tan ciencia-ficción, como hace 50 años.

"Cosmic Joy" (19'24) abarca la segunda cara. Su comienzo podría ser un álbum de Klaus Schulze por ésas fechas. También Rick Wright. Imagina los desiertos de Arrakis con sus gusanos trotones  y su mística de película de Semana Santa.....No me negarán que "Dune" parece un interminable episodio bíblico de ésas fechas. Misticismo kosmische al más alto nivel.

Si en la cara A manda Gottsching,  en la B lo hace Schulze (creo yo, puede que con Dollase en equipo). Así que una inmensidad espiritual de otro mundo lo envuelve todo en un manto de enigma y recogimiento.

Planante music de la que ya no se hace. De la atrevida. Sin clichés e indagando en el subconsciente. Ni los más actuales revivalistas del sintetizador vintage berlinés, capturan ambientes de tanta trascendencia. Lo dicho, que las drogas aquellas, y concretamente el LSD, era cosa fina.

Casi ausencia rítmica en esta cara, densidad sónica en burbujeante pandemonium analógico de fervor psicológico,  casi religioso. Mucho más avant rock en éste lado del disco, que no difícil, loqueras,  ni sin sentido.

Clamorosamente esencial y uno de los mejores exponentes del kosmische más histórico. Insospechada y para nada premeditada obra maestra de la que nadie en aquel momento,  sabía de su existencia registrada en mesa. Para la eterna posteridad. Y bendita jeta la de Kaiser y Dierks. Sin su morro, nos hubiéramos visto privados de este valioso documento alienígena que sobrevivirá a todos nosotros. Un "happy accident" que salió rotundo y único. Será expuesto en museos.

FUENTES: J.J.IGLESIAS para Rockliquias

Formación:

Jůrgen Dollase - Teclados

Harald Großkopf - Batería

Manuel Gŏttsching - Guitarra

Klaus Schulze - Teclados

PISTAS:

A1. Galactic Joke (22:38)

A2. Cosmic Joy (19:24)

THE COSMIC JOKERS - THE COSMIC JOKERS "ÁLBUM COMPLETO"

Kaleidoscope - Discografía

Discografía - Tangerine Dream (1967)

En ocasiones la historia musical puede ser injusta. Eso parece ser el caso de "Kaleidoscope", banda inglesa que emergió en pleno furor del rock psicodélico con un maravilloso álbum que es hoy considerado una gema del género.

Conocida inicialmente bajo el nombre de "The Sidekicks" (1963-1964) y posteriormente "The Key" (1965), Eddy Pumer (guitarra), Steve Clark (bajo, flauta), Danny Bridgman (batería) y Peter Daltrey (voz, teclados), se convirtieron en "Kaleidoscope" en 1967 luego de firmar con el sello Fontana Records, nombre bajo el cual grabaron tres discos (el tercero publicado por vez primera en 1991), antes de mutar en "I Luv Wight" y finalmente en "Fairfield Parlour" y editar un único disco en 1971.

El disco que nos ocupa fue el iniciador de una historia pocas veces contada. Al menos así parece.

El set de once composiciones abre con el tema que da nombre a la banda. En él se aprecia un atractivo juego vocal con Daltrey en la voz líder cantándonos: “Caleidoscopio, Caleidoscopio, Coches y gente corriendo / Míralos reír, escúchalos suspirar / Sonidos satinados, montones de millones de luces de colores ‘Algo de bermellón» / Las flores se mueven o emiten fluorescencia, desapareciendo iridiscente nubes rodantes, sombras de la noche / Rostros negros, Rostros blancos, Caleidoscopio, Caleidoscopio”

La letra pareciera describir un claro trance alucinógeno, lo cual en 1967 fue bastante común.

Seguidamente el cuarteto nos pone a levitar con “Please Excuse My Face”, un tema en slow-tempo con una dulce guitarra arpegiada que en parte nos dice: “En silencio, dices adiós con la mano / Mucho amor desatado / Si mis ojos brillantes se ven tristes / Por favor, disculpe mi cara, / Sonrojada, sonriendo a través de las lágrimas / Por favor, disculpe mi cara”

La tercera pieza es “Dive Into Yesterday” En ella el grupo nos canta: “Sumérgete en el ayer, sumérgete en el ayer / Sumérgete en el ayer / Ahora desde su desaparición a través de los anillos de humo de nuestro tiempo / Mientras el bufón de yeso desafina / En la locura de nadar a la luz de la luna en lo profundo de la cueva de Aladino / Pero con buenos viejos diamantes bailando, todos podemos sonreír demasiado pronto / Oh balanceo y balanceo, dicen los pétalos / Gira por dentro y por fuera y por favor”

El repertorio continua con la ingeniosa “Mr. Small The Watch Repair Ma”. La composición inicia con la flauta dulce, dando así un tinte barroco con los tonos que asociamos a los relojes de antaño. Luego, la misma melodía es usada en parte de la vocalización. El tema es protagonizado por un “pequeño relojero” que nunca está disponible los días domingo.

Sigue “Flight From Ashiya”, con su existencial estribillo, “nadie sabe donde estamos”, nos dice:“Ráfagas de algodón blanco pasando por la ventana / Todos hablando, oh, muy bajo / Y el Capitán Simpson parece estar aturdido. / Un minuto alto, el siguiente minuto bajo nadie sabe donde estamos nadie sabe donde estamos / Los cigarrillos se queman cada vez más rápido / Todos hablando del siempre jamás / Y el Capitán Simpson parece estar aturdido. / Un minuto alto, el siguiente minuto bajo nadie sabe donde estamos nadie sabe donde estamos”

“The Murder of  Lewis Tollani” representa el punto medio de esta obra colmada de imágenes ondulantes con espacial colorido.

“En la noche algo se agita / Alguien se mueve sin hacer ruido a sus talones / Tu corazón está acelerado, tu mente está rastreando / Imágenes que puedes ver, Lewis Tollani, soy yo.”

Continúa el álbum con “In The Room of Percussion”, en la cual hay un sonido corrosivo entre los versos que evocan la movida de esa era, llena de trances coloridos y de imágenes que lentamente se mueven en un entorno colectivo en procura de nuevos estados de conciencia que resultan de sustancias psicotrópicas.

Sin duda, un hecho que desvió su camino originario.

El resto del repertorio del lado B lo conforman “Dear Nellie Goodrich”, “Holiday Maker”, “A Lesson Perhaps” y la más extensa de todo el álbum, “The Sky Children.”

La primera de ellas es una canción sobre un hombre que ofrece su amor a una mujer llamada Nellie. Guitarra y teclas dan un tono cálido a esta sencilla canción.

La segunda trata sobre un turista como protagonista central de la historia que nos relata "Kaleidoscope" para luego dar espacio a la recitada “A Lesson Perhaps” que es acompañada por la guitarra clásica de Eddy Pumer. La pieza trata sobre un rey y su reino.

“The Sky Children” cuya lírica la conforman siete estrofas de diez versos cada una, inicia contándonos: Un millón de flores blancas en un campo en el cielo / Parecía deletrear un saludo mientras los niños pasaban volando / Un guardia en un carro de plata y oro. / Les dio a los niños todos los boletos, luego la historia que contó. / De un tiempo en el futuro que era sol y flores / Y los niños se adormecieron en las torres blancas del cielo / Soñaron con la historia que el guardia había exhibido / Vieron todas las maravillas, las mentes diminutas se asombraron / Vieron bosques de dulces y dragones que respiraban fuego / Sobre todo lo que era malo en el fango brumoso…”

Tangerine Dream es, en esencia, un disco sobre la gente y la vida, con temas producidos por Dick Leahy, escritos principalmente por Peter Daltrey con música de Eddy Pumer.

El disco fue reeditado en 2005 con versiones adicionales de dos temas y cinco adicionales no pertenecientes al álbum original. En celebración de los 50 años, el álbum fue publicado nuevamente en 2017 en edición especial con un tiraje de mil unidades en vinilo anaranjado.

Viajemos al año 1967 y descubramos este clásico del rock psicodélico…

FUENTES: Leonando Bigott para Revista LaDosis

KALEIDOSCOPE - TANGERINE DREAM "ÁLBUM COMPLETO"

Yes - Discografía

Discografía - The Yes Album (1971)

"The Yes Album" es el tercer álbum de estudio de la banda británica de Rock prograsivo "Yes", lanzado por Atlantic records el 19 de febrero de 1971 en el Reino Unido y un mes más tarde en los Estados Unidos.

Con este album, "Yes" rompen esquemas, convirtiendose en parte fundamental de un nuevo genero, el rock progresivo. "The Yes Album" es el album que definitivamente catapulto a "Yes" a las mas altas cotas de popularidad durante los años 70, el primer album donde podemos encontrar a los verdaderos "Yes".

Steve Howe sustituye a Peter Banks a la guitarra. Howe es incluso mejor musico que Banks, y su peculiar vision musical asi como su innovador estilo como guitarrista, suponen el impulso definitivo para el sonido de la banda.

No hay duda que su estilo mas versatil lo hizo mas adecuado que Banks para las aspiraciones progresivas de "Yes".

Los temas mas epicos son los que empiezan a resaltar en la obra de la banda.

Y asi, en este album, han quedado como grandes clasicos, "Yours is No Disgrace", "Starship Trooper" o "I've Seen All Good People", temas largos, complejos y elaborados, a diferencia de las mas breves composiciones de los dos primeros albumes. "I've Seen All Good People" incluso consigue bastante exito, radiandose bastante en las emisoras radiofonicas.

En estos temas se puede apreciar el enorme valor y singularidad del nuevo guitarrista, sobretodo en la parte final de "Starship Trooper", asi como las incursiones de la banda en la musica sinfonica, de una forma mas clara y decidida que en los anteriores trabajos, y la progresion instrumental y continuos cambios, que experimentan a lo largo de los temas, muestra de este nuevo genero que acaba de nacer.

"The Clap" es la primera de una de tantas piezas instrumentales con las que nos deleitara Howe, unicamente con el empleo de su guitarra acustica. Una demostracion mas de las posibilidades de este hombre.

Finalmente "A Venture" es un atractivo tema mas corto, y "Perpetual Change" otra larga pieza progresiva, igualmente muy destacable, en este imprescindible tercer trabajo de Yes.

Formación:

Jon Anderson - Percusion, Voces
Bill Bruford - Percusion, Bateria
Steve Howe - Guitarras, Voces
Chris Squire - Bajo, Guitarra
Tony Kaye - Órgano, Sintetizador, Piano, Teclados, Moog

PISTAS:
A1. Yours Is No Disgrace (9:36)
A2. The Clap (3:07)
A3. Starship Trooper: Life Seeker / Disillusion... (9:23)
B1. I've Seen All Good People: Your Move / All... (6:47)
B2. A Venture (3:13)
B3. Perpetual Change (8:50)

YES - THE YES ALBUM !ÁLBUM COMPLETO"

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