Sweet Smoke - Discografía

Discografía - Just a Poke (1970)

Este atractivo colorido de la portada de un álbum es un ejemplo sorprendente del álbum en su conjunto; el diseño de la portada, el título, el nombre de la banda y la música encajan simbólicamente, de modo que cada parte indica las otras. Incluso esas palabras épicas de Om Shanti en la contraportada subrayan el tema principal del álbum debut de "Sweet Smoke":

“Hemos abierto un camino en nuestros corazones, un lugar para ver crecer nuestra música, un lugar para descansar, así que recorre nuestro camino, para cantar una canción para cada alma, y ​​con una visión del cielo en nuestros corazones y del diablo en nuestros pies, subimos por esta escalera musical, siempre llorando, porque somos víctimas del amor”.

"Just a Poke" te llevará en un viaje psicodélico a lo largo de ritmos alternos y exploraciones sonoras embriagadoras...

Fundada en Brooklyn en 1967, la banda estadounidense de jazz y rock psicodélico "Sweet Smoke" (originalmente Sweet Smoke de Happy Plant Pipeful) fue creativa de 1969 a 1974 en Alemania; allí establecieron una comuna con el apoyo del escultor "Waldemar Kuhn",  primero en Emmerich am Rhein, luego en Sulzfeld. Habían planeado establecerse en los Países Bajos, siendo Amsterdam el 'lugar para estar' en ese momento, y en 1972, visitaron la India para la estadía obligatoria en un Ashram. Principalmente, "Sweet Smoke" realizó giras por Europa (Alemania, Francia y los Países Bajos), tocando en festivales o como teloneros de grupos pop como "Focus" y "Golden Earring".. Incluso antes de su estadía en Alemania, "Sweet Smoke" había tocado regularmente en conciertos de larga duración en un club en el Caribe, donde los chicos habían trabajado en sus habilidades para tocar e improvisar, un estilo similar al de muchas bandas de la costa oeste de Estados Unidos de finales de los sesenta. En 1974, poco después del lanzamiento de su tercer álbum, "Sweet Smoke Live" (1974), se separaron y se fueron en diferentes direcciones, principalmente de regreso a los Estados Unidos para estudiar y encontrar otro trabajo.

Su álbum de estudio debut, "Just a Poke", fue lanzado en EMI Columbia, en Alemania, en 1970. También fue lanzado en Italia, Holanda y Francia, pero no en el Reino Unido. Junto con su presencia en el escenario, "Sweet Smoke" fue popular en esas partes de Europa, pero bastante desconocidas en el Reino Unido. Durante mucho tiempo, la banda fue un misterio. Gracias a Internet, los medios de comunicación y otras redes, puedes encontrar información en su sitio web, y seguro, este álbum ahora tiene un lugar que merece en la escena psicodélica internacional. "Sweet Smoke" lanzó tres álbumes de los cuales los dos últimos tienen una formación extendida o diferente. Aún así, entre "Just a Poke" (1970), "Darkness to Light" (1973) y el álbum en vivo, "Sweet Smoke Live" (1974), "Just a Poke" ocupa el primer lugar.

El álbum cuenta con cuatro miembros fundadores, Andy Dershin en bajo, Jay Dorfman en percusión y batería, Marvin Kaminowitz en guitarra solista y voz, Michael Paris en flauta dulce, saxo tenor, voz, percusión, junto con Steve Rosenstein en guitarra rítmica y voz. "Just a Poke" fue producido por Rosie Schmitz y Winfried Ebert , junto con los ingenieros,  Conrad Plank y Klaus Löhmer. Al aplicar tecnologías de estudio innovadoras, Plank podría fácilmente ser llamado el pionero alemán del sonido electrónico. A principios y mediados de la década de 1970, trabajó con bandas progresivas de Krautrock y jazz-rock, "Ash Ra Tempel", "Kraan" y "Guru Guru", pero a partir de 1978 se desvió hacia la dimensión new-wave y synth-pop, involucrándose con Brian Eno. Desafortunadamente, no se menciona a Jan Fijnheer, quien diseñó la hermosa y exótica portada del álbum. Solo se acredita el fotógrafo, Joachim Hassenburs.

Con un tiempo de ejecución total de 32:46 minutos, el LP lleva un total de solo dos pistas. Aunque no hay una lista larga de pistas, existe cierta confusión. Los títulos de las pistas se mezclaron en la portada o en la etiqueta del disco, por lo que incluso los expertos discrepan ligeramente. Tomemos la mejor solución y confiemos en lo que dice la etiqueta. La melodía del lado A se llama "Baby Night" y la otra del lado B es "Silly Sally". La prueba viene dada por algunos pasajes de texto del lado B, donde dice "Bueno, ahora, Sally-Sally-Sally, ven conmigo esta noche", y los del lado A con, "Si escuchas sonidos de llanto amargo, para estar seguro de que el Dios de la Noche está durmiendo, no hay tiempo para la alegría, mucha muerte y nacimiento ...” de todos modos, además de una estructura coherente en forma de sesión en un terreno liso y atascado, la primera parte presenta una deliciosa melodía de grabadora, mientras que la segunda ofrece un impresionante solo de batería de un minuto. Las letras no son tan importantes. Los pasajes de texto proporcionan más bien un tema sobre el que la banda improvisa y lo hace exuberantemente.

“Baby Night” comienza con un estilo folk meditativo, que es introducido por la hermosa melodía de la flauta dulce de Michael Paris y solo con el apoyo de las guitarras. La voz suave e inocente de Marvin Kaminowitz está respaldada por sonidos de flauta de ensueño. Se podría suponer que la primera sección se refiere a "En el mundo de las lágrimas de cristal" de "Jeremy & the Satyrs" de 1968, aunque no se menciona en las notas del álbum. Luego viene un solo de flauta dulce sobre una parte oscilante que se convierte en una fácil improvisación. El juego de Paris podría compararse con el estilo de Ian Anderson de "Jethro Tull", con 'ataques aireados' y el uso adicional de su voz. Desafortunadamente, el sonido de la flauta se superpone con el entorno y a veces se vuelve opaco. Esos sonidos borrosos pueden ser extraños o elevados, según sus preferencias. Luego, la guitarra se aferra para un solo sin fuzz. Siguen más improvisaciones con riffs repetitivos más fuertes. Después de un tiempo, las voces finalmente llegan, devolviéndote a un estado de ánimo meditativo, enmarcado por sonidos de conga. El tema de esta sección es una versión reducida de texto de The Doors, "The Soft Parade". Sigue otro interludio oscilante antes de volver al tema del principio, ahora con un ritmo constante y una forma más experimental.

Con "Silly Sally", el acento ahora está más en los efectos de audio. Michael Paris entra con una melodía maravillosa en saxo tenor, a veces con reverberación. Luego, las voces toman el relevo con letras seductoras. Marvin Kaminowitz hace un gran trabajo al usar su voz como instrumento y luego toca el pulso rítmico. A esto le sigue el solo de wah-wah de las guitarras en los canales derecho e izquierdo, que se libera en el solo de bajo. Ahora, suba el volumen de sus altavoces, el álbum ha alcanzado su clímax fenomenal: ¡el solo de batería! Jay Dorfman comienza con la batería afro tribal, pronto, los sonidos comienzan a girar alrededor de su cabeza y se convierten en un rodar como un trueno o un traqueteo en forma de tubo en tres minutos. ¡Cuidado con la brecha! ¡Esto es duro! Tal manejo de los efectos estéreo, el efecto ping-pong y las fases, similar al solo de batería en "In-a-gadda-da-vida" por Ron Bushy de "Iron Butterfly" en su álbum de 1968. Después de este asombroso viaje alucinógeno, la pista continúa con un largo interludio de percusión latina y vuelve al tema del saxo groovy.

Las variaciones rítmicas y estilísticas integradoras están en constante flujo, con partes de grupo de ritmo único e intercambiables. Después de la hermosa intro de lágrimas de cristal, este disco te mantiene bailando todo el tiempo. Con su enfoque en efectos de estudio y sonidos mágicos, "Just a Poke" te ofrece un medio para la experiencia de dimensiones extraterrestres. Para algunas personas, varias secciones pueden simplemente tomar demasiado tiempo y pueden correr el riesgo de volverse aburridas. De vez en cuando, tienes la impresión de que la banda simplemente no quería llegar a su fin. Sin embargo, es una obra maestra psicodélica que debería formar parte de tu colección.

Formación:

Marvin Kaminowitz - Guitarra solista, voz
Steve Rosenstein - Guitarra rítmica, voz
Michael Paris (Fontana) - Saxofón tenor, flauta dulce, voz, percusión
Andrew Dershin - Bajo
Jay Dorfman - Batería, percusión

PISTAS:

A1. Baby Night (16:24)
B1. Silly Sally (16:22)

SWEET SMOKE - JUST A POKE "ÁLBUM COMPLETO"

Felt - Discografía

Discografía - Felt (1971)

En esta ocasión os presento esta joyita desconocida para el gran público, pero que he querido rescatar para vosotros de mi colección.

Grupo desconocido asentado en Alabama, nada que ver con la banda británica del mismo nombre de rock alternativo de finales de los años 70 y que fueron incluso mucho más famosos. En 1971 sacaron al mercado lo que fue su primer y único LP  "Felt", entre sus filas estaban los guitarras Myke Jackson (compuso los 6 temas), Stan Lee (nada que ver con Marvel), Tommy Gilstrap (bajo), Mike Neel (batería) y Allan Dalrymple (teclados).

Después de oírlo por primera vez me enrabiete porque no entendía como un grupo como este y con estos temas no tuvieron continuidad, una pena porque es una verdadera maravilla. Un discazo de los muchos que salieron en estas fechas, el disco solo tiene 6 canciones pero de lo que estoy seguro es que os impresionara, incluso la portada me gusta.

A  pesar de la juventud del grupo tocan con gran maestría, los solos de guitarra son muy buenos y sobre todo el teclado con un insolente Allan Dalrymple, con voces armoniosas, muy bluseras y toques de soul. Si bien el álbum tiene un fondo blusero, también contiene tiempos psicodélicos, progresivos, melodías Beatledianas, jazz y sin olvidar el rock duro (como decíamos antes), como veis completísimo y variado.

"Look At The Sun" al más puro estilo Lennon de la época Beatles, tema suave sin complicaciones pero muy bien logrado y con un regalo de guitarra al final de la canción que hace presagiar lo que viene después.

"Now She´s Gone" nada hacía presagiar después de "Look At The Sun" encontraríamos esta pieza con trazos de jazz, con una mezcla de voces exquisitas, buen trabajo de guitarra psicodélica por parte de Myke Jackson magistral.

"Weepin 'Mama Blues" y de repente nos encontramos con esta tremenda pieza de blues, con claras influencias de los años 70, sigue marcando el teclado y la guitarra, es el eje central de este grupo. Una canción digna del cualquier grupo de primera línea, una maravilla, el sonido de guitarra es perfecto, con escalas de guitarra imposibles y como siempre la voz de Myke, que sigue demostrando variedad de registros.

"World" ¡vaya empiece!, excelente tema que combina vaporosos teclados  y abrasadoras guitarras, entre el blues más oscuro, progresivo, jazz, hardrock, con una exposición vocal prodigiosa, para enmarcar.

"The Change" tema épico de más de 10 minutos de duración, con solo de guitarras interminables y escalofriante, diamante en bruto, es difícil no gustar es explosivo, desde el principio te embauca. Mantiene la dinámica del tema anterior pero con mucha más fuerza, mas hardrock. ¡¡Dios!! parece como si las guitarras se lamentaran los diez minutos. Sin olvidarnos de un incansable teclado y una batería intensa, dura.

"Destination" y terminamos con este aplastante tema, como el resto una mezcla bien hecha de jazz y blues, los solos de Myke siguen marcando la dirección a seguir, un tema algo mas tranquilo y en línea de "Now She´s Gone".

Bueno espero que a partir de ahora gocéis de este super-album, seguro que esta joyita perdida la tendréis en cuenta para engrosar vuestra estantería, que lo disfrutéis.

Formación:

Myke Jackson - Guitarra, voz

Mike Neel - Batería

Tommy Gilstrap - Bajo

Stan Lee - Guitarra

Allan Dalrymple - Teclados

PISTAS:

1. Look At the Sun - 3:18

2. Now She's Gone - 5:29

3. Weepin' Mama Blues - 4:40

4. World - 5:36

5. The Change - 10:10

6. Destination - 6:43

FELT - FELT "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: SóloMúsica

Fred Van Zegveld - Discografía

Discografía - Dynamite (1969)

Todos aquellos que siguen habitualmente el blog saben perfectamente mi devoción por el Hammond. Siempre que puedo traigo virtuosos del instrumento, algunos de ellos son estrellas muy conocidas (Jimmy Smith, Jon Lord, Vicent Crane, etc)  otros, como en esta ocasión con Fred Van Zegveld, son músicos casi anónimos.

Realmente conocemos pocos datos sobre Fred Van Zegveld, se sabe que era holandés y que nació en 1943. Fue miembro de diversos grupos holandeses, "Roek's Family" y "The The Flood". En 1969 grabó, "Dinamite", casi de casualidad. Se dice que una banda no se presentó al estudio y el bueno de Fred y su banda aprovecharon para grabar el disco en una hora.

Está única joya grabada por Fred Van Zegveld contiene nueve temas instrumentales de jazz con algo de pop donde el protagonista es el sonido "Hammond". Las composiciones las podríamos agrupar en dos grupos. El primero de ellos el compuesto por temas propios de Fred, sin duda el mas interesante. En este grupo tenemos verdaderas obras maestras del instrumento tales como "Family Blues", "Whiskey" o "Daffodil", imposible estarse quieto con este tema.  Tenemos su rinconcito de blues en "Blue Organ" y su mayor éxito "Dinamite". El segundo grupo estaría compuesto por las versiones, "Whiskey" (Errol Garner) y, "Here, There And Everywhere" (Lennon-McCartney) mucho más "poperas". El disco finaliza con "I Wanna Be Your Man" (Lennon-McCartney) esta vez con aires mas "jazzeros". A destacar el grupo que acompaña a Fred. La sección rítmica es brutal, Ruud Jacobs (bajo) y Louis de Bey (batería), los pies se os moverán sin poder evitarlo con sus endiablados ritmos. El guitarrista, Rick Beekman, va rellenando huecos y tiene su minuto de gloria en "Round About 12".

Formación:

Rick Beekman - Guitarra 

Louis de Bey - Batería 

Ruud Jacobs - Bajo 

Fred van Zegveld - Hammond

PISTAS:

A1. Family Blues 03:19 

A2. Here, There And Everywhere 03:07

A3. Daffodil 2:00

A4. Blue Organ 03:19

A5. Dynamite 04:46 

B1. Misty 04:05

B2. Whiskey 04:06 

B3. Round About 12 02:42 

B4. I Wanna Be Your Man 06:21

FRED VAN ZEGVELD - DYNAMITE "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Rockliquias

Cactus - Biografía

Banda de rock estadounidense formada en el año 1969 por los ex-componentes de "Vanilla Fudge", el bajista Tim Bogert (nacido el 27 de agosto de 1944) y el batería Carmine Appice (nacido el 15 de diciembre de 1946), el guitarrista de los "Detroit Wheels" de Mitch Ryder, Jim McCarty (nacido el 1 de junio de 1945), y Rusty Day (nacido el 29 de diciembre de 1945), el cantante de los "Amboy Dukes" de Ted Nugent.

"Cactus" (1970), editado en ATCO Records, fue el primer álbum del nuevo supergrupo, un disco de intenso hard, blues y boggie rock que incluyó dos versiones ("Parchman Farm", "You Can’t Judge a Book by The Cover") e interesantes temas propios ("Bro. Bill", "Let Me Swim" o "My Lady From South Of Detroit") con una vibrante ejecución vocal e instrumental que no consiguió excesiva resonancia en ventas.

Tampoco "One Way… Or Another" (1971), excelente LP que contó con la participación de Eddie Kramer como ingeniero de sonido y que proseguía con sus constantes enérgicas de hard rock y blues rock en temas como "Rock N’Roll Children" o "Feel So Bad", consiguió la repercusión deseable para estabilizar el grupo, quien para la grabación de "Restrictions" (1971), LP abierto con la pieza homónima, había añadido al teclista Duane Hitchings.

Después de este úlimo disco, Rusty Day, que falleció con 36 años de edad en el año 1982, y Jim McCarty abandonaron Cactus, siendo sustituidos por el cantante Peter French y el guitarrista Werner Fritzschings.

La nueva formación publicó "’Ot ‘N’ Sweaty" (1972), un disco menor que mezclaba cortes en directo con canciones en estudio y que supuso el último trabajo del grupo antes de su definitiva ruptura.

Su discografía se significa por el alto voltaje de su poderosa instrumentación rockera.
Con posterioridad, Bogert y Appice formaron un terceto con Jeff Beck denominado "Beck, Bogert & Appice".

En el siglo XXI, Carmine Appice, Tim Bogert y Jim McCarty se unieron a Jimmy Kunes para resucitar Cactus y girar en directo. Más tarde grabaron el álbum “V” (2006).

Diez años después volvieron con “Black Dawn” (2016).

Tim Bogert falleció el 13 de enero del año 2021 tras padecer un cáncer. Tenía 76 años de edad.

Formación:

Rusty Day - Voz

Jim McCarty - guitarra

Carmine Appice - bateria

Tim Bogert - Bajo

PISTAS:

A1. Long Tall Sally (6:27)

A2. Rockout, Whenever You Feel Like (3:56)

A3. Rock N'Roll Children (5:40)

A4. Big Mama Boogie - Parts I & II (4:59)

B1. Feel So Bad (5:30)

B2. Song For Aries (3:05)

B3. Hometown Bust (6:38)

B4. One Way...Or Another (5:05)

CACTUS - ONE WAY… OR ANOTHER "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: AlohaCriticón

Discografía comentada: Cactus (1970)

Fanny - Biografía

Biografía - Fanny (1969 - 1975)

David Bowie dijo de Fanny, "Una de las bandas femeninas más importantes del rock americano ha sido enterrada sin dejar rastro". Y esa es Fanny. Era una de las mejores bandas de rock de su tiempo, alrededor de 1973. Eran extraordinarias... tan importantes como cualquier otra persona que lo haya sido nunca; simplemente no era su momento".

Y así es, otros grupos compuestos únicamente por mujeres ya se habían formado en los años 60, por ejemplo "The Continental Co-ets", "The Ace Cups", "Goldie & the Gingerbreads" o "The Pleasure Seekers" y algunos otros se crearon también durante la segunda mitad de la década; Fanny estuvo entre las pioneras, de hecho, fue el tercer grupo de rock cuyos miembros eran del género femenino que firmó un contrato con un gran sello discográfico.

El origen del grupo parte de las hermanas de origen filipino June y Jean Millington, cuya familia se mudó de Filipinas a Sacramento, en California, lugar en el que ellas formaron su primer grupo, compuesto solamente por chicas, en el instituto, grupo llamado "The Svelts", después de disolverse este pasaron a otro llamado "Wild Honey" con el que cambiaron su zona de actuación a L.A., allí frustradas por lo difícil que era hacerse un hueco en un panorama, en pleno 1969, dominado por hombres, deciden que van a romper la formación, pero en esa actuación llaman la atención de la secretaria del productor Richard Perry, que precisamente está buscando bandas femeninas a las que representar.

Perry convence a Warner Bross. Para que las fiche en el sello Reprise y se disponen a grabar su primer disco. Cambian su nombre a "Fanny" (que en términos vulgares podría referirse a una vagina, si le damos connotaciones sexuales, pero también puede ser un apelativo cariñoso, así que es un nombre tan femenino como ambiguo).

Fichan a las teclas a Nickey Barclay en el resto de la formación está June Millington a la guitarra, Jean Millington al bajo, Alice de Buhr a la batería y Brie Brandt a la percusión, todas ellas cantan, aunque Alice lo hizo en los últimos discos.

Richard Perry, que produjo los tres primeros discos de la banda, pensando que eran demasiadas despide a Brie Brandt, por lo que el grupo se queda como cuarteto.

Después del primer disco, "Fanny", publicado en 1970, la teclista, Nickey, deja la banda temporalmente para sumarse a la gira de Joe Cocker; El debut es bastante prometedor, con 9 temas propios de rock californiano, rock & roll, algún toque de Motown y un par de covers, "Badge" de Harrison y Clapton y "It Takes a Lot of Good Lovin" de Booker T. Jones, la prensa del momento no les prestó demasiada atención durante este periodo inicial, aunque ellas se estaban labrando una buena reputación local por el área de L.A., habiendo tocado bastantes veces en el popular Whisky-a-Go-Go y girando junto a bandas como "The Kinks" o "Procol Harum".

Por esta época también Barbra Streisand quería cambiar su sonido hacia algo más moderno y en sus discos "Stoney End" y "Barbra Joan Streisand" contó con la participación del grupo, a las que reclutó después de verlas en el Whiskey's.

Un año después publican su segundo disco "Charity Ball" recibiendo más atención de los medios, además la canción que da nombre al disco logra entrar en las listas Billboard, llegando al puesto 40 en noviembre de ese 1971, lo que les lleva a ampliar su radio de acción y a ganar una notoriedad que les convierte en una especie de atracción especial, dado lo raro que es ver en escena a un grupo compuesto únicamente por mujeres, pronto varias discográficas querrán tener a su propio grupo femenino funcionando, especialmente después del tercer disco de Fanny, "Fanny Hill" grabado en los estudios Apple de los Beatles y publicado en 1972.

Es con ese tercer disco cuando la prensa elogia las capacidades de Fanny y considera que han llegado a su punto de madurez como banda de rock.

El single "Young and Dumb" es censurado por la BBC, que también censura al grupo en una actuación en el Albert Hall por considerar que eran demasiado provocativas.
Siguen de gira por U.S.A. y Europa y lanzarán un nuevo disco, habiendo pasado solamente 10 meses desde la publicación del anterior; para este cuarto larga duración, ya lanzado en 1973, Richard Perry será sustituido en las labores de producción por Todd Rundgren, que otorga al grupo más libertad creativa. En el disco "Mother’s Pride" por primera vez no aparece una fotografía de la banda en la portada.

Después del cuarto disco la tensión interna crece y primero dejó la formación Alice, sustituida por Brie Brandt, que estuvo en el grupo en sus comienzos, pero también dejó la formación June, que está agotada de la insistencia de la compañía discográfica en que abracen los clichés del hard rock, y de que traten de disfrazarlas con ropa que no es de su agrado; a ella la sustituyó Patti Quatro, hermana mayor de la popular Suzy Quatro y fundadora del grupo "The Pleasure Seekers". El resto del grupo decidió permanecer y grabar el que sería el último L.P. "Rock and Roll Survivors" en otro sello, Casablanca Records y con un nuevo productor, Vini Poncia.

Este disco, publicado en 1974 fue el último cartucho de Fanny, de hecho, el single "Butter Boy" llegó más alto que ninguna canción anterior de las suyas en las listas Billboard, siendo número 25 en febrero de 1975 pero para entonces no había banda que lo promocionase.

A finales de 1974 Nickey abandonó al grupo, no le gustó el reemplazo de June, de hecho, pensaba que sin ella y Alice la banda no tenía sentido; Brie al finalizar las sesiones de grabación del disco se marchó para casarse y fue sustituida por una amiga de June llamada Cam Davis, para tocar la batería.
El caso es que Patty Quatro acabó asumiendo el rol de líder y de toma de decisiones en el grupo, lo que generó tensión adicional con Jean Millington, que estaba allí desde los inicios, así que en 1975 llegaron a un punto en el que Cam abandonó, le siguió Patty y así Jean vio como una canción de Fanny había llegado más alto que ninguna otra en las listas de éxito y sin embargo el grupo se había desintegrado.

En la primavera de 1975 Jean convenció a su hermana June de que volviera, para hacer una gira, Brie Brandt también se suma, completan esta formación con Patti Macheta a la percusión y Wendy Haas como teclista. Una de las condiciones que puso June para este regreso fue tocar canciones nuevas, así que, aunque la idea inicial fue la promoción del exitoso single, acabaron actuando con otro repertorio e incluso con un nombre diferente: L.A. All-Stars.

Varios sellos se interesaron en el regreso de Fanny a lo largo del siguiente año, pero June no quería saber nada del nombre ni el anterior grupo, quería pasar página y que el legado quedase intacto.

Varios proyectos han tenido cada una de las componentes del grupo, las hermanas Millington tuvieron un grupo entre 1999 y 2006 llamado "The Slammin’ Babes" con el que publicaron un disco "Melting Pot" en el 2001.

June Millington fundó en 1986 junto a su compañera Ann F. Hackler el instituto para las artes musicales (IMA) en California, hoy en Massachussets, una organización sin ánimo de lucro para apoyar a mujeres y niñas en un entorno musical y de todo lo que conlleva el negocio de la música. Promoviendo la igualdad y la diversidad de género a través de actividades relacionadas con la música.

June fue directora asociada en 2002, además de aparecer en el documental "Radical Harmonies" acerca del papel de las mujeres en la historia de la música, dirigido por Dee Moschaber.

En el trailer del documental fechado en 2015 "She rocks" sobre mujeres guitarristas aparece, pero no he podido localizar el documental publicado.

Atención al proyecto Fanny walked the Earth, que desde el 2018 ha devuelto a estas veteranas a la escena con un disco lleno de energía.

FANNY - FANNY (1970) Y CHARITY BALL (1971)

FUENTES: Guitarristas

Sanrose - Discografía

Discografía - Sanrose (1972)

Este LP homónimo fue el único bagaje de una breve banda francesa más que interesante, cortes como "Underground session" o "To take him away" contienen un material de gran calibre, y ello era causa más que suficiente para que hubieran continuado adelante. Pero uno nunca sabe que se cuece en un grupo con una trayectoria que acaba de empezar.

Un quinteto musicalmente serio y profesional deja un legado soberbio en forma de LP, un trabajo donde destaca la fluidez, y claridad de conceptos a cargo de sus componentes, aunando esfuerzos hacia un destino que parecen tener bien definido. La compenetración es más que evidente entre ellos; un bajo con iniciativa en las composiciones hasta el punto de convertirse en imprescindible, brillando con luz propia en momentos concretos. Un órgano y mellotrón dando dentelladas y tejiendo texturas recias, generarán ambientes en los que se van expandiendo de menos a más, dando un toque espacial y cargando con la mayoría del peso compositivo. Muros de teclados que se sitúan en la frontera de un sinfonismo del estilo de "CAMEL", ayudando a conseguirlo la guitarra de Alarcen que parece estar sostenida por el mismísimo Latimer. (To take him away).

El sonido de esta formación tiene influencias varias, desde compatriotas que se encuentran en una onda similar como "ATOLL" ó "ARACHNOID", pero sin llegar a ese oscurantismo dominante, pasando por bandas consolidadas como los mencionados anteriormente "CAMEL", hasta aportar detalles de un krautrock en su versión más accesible.

Álbum de progresivo versátil, muy completo, que combina fragmentos complejos cercanos al jazz con otros que a modo de pulmón oxigenan a través de atmósferas limpias que entran en bucle repitiendo acordes, sintonizando con nosotros y haciéndonos entrar en un delicioso trance. Podemos escuchar instantes mágicos, guitarras sinfónicas, pedazos de improvisadas jams (Underground session, Metakara) y una voz estupenda y camaleónica, donde sale victoriosa en todos los retos en los que se embarca, que al oírla junto a la música forma un todo que nos trae a la memoria a otra banda de voz sólida e inusual, "BABE RUTH".

En definitiva, para aquellos a los que les guste una forma bastante temprana de progresivo sinfónico realmente deberían disfrutar de este álbum, especialmente si pueden apreciar la voz de su cantante, dado que hay mellotrón y órgano enlucidos por todas partes, a menudo dando una respuesta a la competente guitarra de Alarcen.

Formación:

Rose Podwojny - Voz

Jean Pierre Alarcen - Guitarra

Henri Gallera - Órgano y mellotrón

Christian Clairefond - Bajo

Michel Jullien - Batería y percusión

1ª cara:

- Vision

- Never good at stayin' goodbye

- Underground session (Chorea)

2ª cara:

- Old dom is dead

- To take him away

- Summer is yonder

- Metakara

- Fraulein Kommen sie schlaffen mit mir

SANROSE - SANROSE "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Las Tierras Altas del Progresivo 

Klan - Discografía

Discografía - Mrowisko (1971)

"Klan" fue una banda fundada en 1969 en Varsovia, Polonia, uno de los primeros grupos polacos en incursionar en el mundo progresivo, y pese a su producción discográfica relativamente pequeña y a las restricciones socio políticas que pesaban sobre la escena rock de la época censurando y persiguiendo a los artistas, aun así consiguieron colocarse como uno de los principales logros del rock progresivo del momento en el país. La primera formación del grupo es Marek Ałaszewski (nacido el 2 de diciembre de 1942 en Varsovia) (guitarra y voz), Roman Pawelski (bajo), Andrzej Poniatowski (ex. Pessimists) (instrumentos de percusión) y Maciej Głuszkiewicz (teclados).

La banda hizo su debut en el club de Varsovia "Medyk" y pronto ganó atención gracias a la interesante música progresiva y letras surrealistas, aunque Ałaszewski a veces fue acusado de copiar el estilo vocal de Niemen. La banda grabó algunas canciones interesantes y lanzó su primer EP, sin embargo, el álbum más importante de la banda es su segundo lanzamiento, su primer LP titulado "Mrowisko", música escrita para una actuación de ballet del mismo nombre. La letra de la obra habla de la vida en la ciudad anónima y sin rostro, en la que el individuo se siente como una hormiga.

En junio de 1970, en el 7º Festival de la Canción Polaca, el grupo presentó la actuación de ballet "Mrowisko", que sería publicado posteriormente en 1971 en un disco bajo el mismo nombre. Este es un disco interesante y con una producción de sonido que le resultó tener sonoridades de un estilo propio. No termina de ser totalmente progresivo, ronda dentro de esa aura y muchos momentos son de un avance compositivo pero también transita la canción y algunas estructuras clásicas, aunque lo hacen entre introducciones, pasajes, arreglos, algunos inventos instrumentales, por lo que la escucha del disco no se vuelve monótona o repetitiva como sí podría llegar a ser con algo de corte más clásico.

El álbum presenta una serie de invenciones que rondan entre influencias progresivas, jazzeras y rock, hay algunos momentos instrumentales que parecen invenciones propias del ingenio de la banda y que significan la propuesta de todo el trabajo ya que este está completo por casi por su totalidad por esas piezas de diversa manufactura, diversa duración y diversa propuesta. Es toda una puesta conceptual creada para ballet, lo que significa la elaboración variada, una búsqueda sonora basada en su mayoría en piezas cortas y diversas. Los 13 temas lanzados en el álbum están fuertemente influenciados por la música occidental, por ejemplo, de Jethro Tull , Vanilla Fudge o Carlos Santana.

El disco comienza de manera inmejorable, con el canto de algunos pájaros que pintan una escena pastoral y relajada, a lo que se le suma una suave guitarra criolla dejando algunas melodías también suaves, momento que termina con la aparición de la banda en un sonido relajado con teclados y guitarra eléctrica; este comienzo es uno de los momentos más destacados del álbum. Ellos combinaron la canción popular pero la ornamentaron con arreglos progresivos, pasajes de jazz, elementos de blues y crearon un repertorio exótico dentro del rock local.

En la primavera de 1971, Głuszkiewicz Poniatowski abandonaría el grupo, siendo reemplazado por Wojciech Morawski y Christopher Dłutowskiego. Después de una serie de conciertos dados la banda se disolvió en el otoño de 1971; Marek Ałaszewski ( Graduado de la Academia de Bellas Artes) se dedicó al arte. El clan reanudó su actividad en 1991 con la composición de Ałaszewski, Artur Łobanowski (guitarra, teclados), Wojciech Ruciński (bajo) y Radosław Nowakowski (batería, ex-Osjan) y un año después grabó un segundo álbum, que se tituló "¿Por qué necesito este paraíso?".

Formación:

Marek Ałaszewski – Guitars, Vocals
Maciej Głuszkiewicz – Piano, Organ
Roman Pawelski – Guitars, Bass
Andrzej Poniatowski – Drums, Vocals

PISTAS:

A1. Sen - A Dream (3:17)
A2. Kuszenie - Temptation (3:29)
A3. Nerwy Miasta - The Nerves Of Cities (3:31)
A4. Senne Wędrówki - Wandering Dreams (3:52)
A5. Taniec Wariatki - The Madwoman's Dance (2:02)
A6. Taniec Czterech - The Four Men's Dance (1:37)
A7. Na Przekór - Against Everything (2:16)
B1. Nasze Myśli - Thoughts (5:10)
B2. Mrowisko - The Hive (4:15)
B3. Pejzaż Z Pustych Ram - Landscape Of Empty Frames (4:31)
B4. Taniec Głodnego - The Starvelling's Dance (2:24)
B5. Epidemia Euforii - Epidemic Euphory (3:46)
B6. Sen - A Dream (1:49)

KLAN - MROWISKO "SEN"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas