"Stadaconé" es el segundo álbum de "Sloche" y es difícil decidirse por este o su debut, «J’Un Oeil». Es que ambos son igual de excelentes y difieren poco entre sí, pero los que saben dicen que Stadaconé acerca a "Sloche" aún más al jazz fusion por el que se hicieron conocidos, aunque representaría el fin de la agrupación.
Desde el tema que abre el disco, "Sloche" despliega su brutal combinación de doble teclado y guitarra, con un bajo poderoso y bien visible y una batería que marca el ritmo con seguridad y creatividad.
Por ejemplo, la excelente canción principal tiene más de diez minutos de ágiles Fender Rhodes, hábiles solos de guitarra y sintetizadores arremolinados que podrían haber sonado tan bien en un pequeño club de jazz como en una enorme sala de conciertos. Lo mismo ocurre con declaraciones más concisas como la más groovy 'Ad Hoc', donde Caroll Berard muestra un ingenioso trabajo de guitarra, o la más progresiva 'Il faut sauver Barbara', que está apuntalada por los órganos del teclista Martin Murray.
Se pueden nombrar un montón de similitudes con "Mahavishnu", o "Return To Forever", o lo más jazzero de "Gentle Giant", pero la verdad es que "Sloche" funciona como una entidad bien diferenciada del resto.
Al igual que su predecesor, "Stadaconé" complació a los críticos pero apenas perturbó las listas de éxitos, incluso dentro de Quebec, donde el grupo era más popular. Y con los jeans ajustados y las corbatas delgadas del punk a la vuelta de la esquina, no debería sorprender que nunca se volviera a saber de gente como "Sloche". Ambos discos han sido remasterizados recientemente en CD por el sello ProgQuebec, pero con una portada tan llamativa, ¿realmente necesitas que te digan que busques este en vinilo?
Formación:
Gilles Ouellet - Percusión
André Roberge - Batería
Pierre Hébert - Bajo
Caroll Bérard - Guitarra
Martin Murray - Órgano, Saxo Soprano, Sintetizador
Grabado en Montreal en 1969 y publicado simultáneamente en Gamma con el álbum de "Anthony Green & Barry Stagg", el único álbum del grupo de habla inglesa "The Medium" bien podría ser citado como uno de los primeros en Quebec en aventurarse en el mundo. El medio, el material; este sólido apodo parece aprovechar el popular dixit que acuñó Marshall McLuhanen 1964: El medio es el mensaje. No habría habido ningún daño en usarlo como un truco,publicidad: este eslogan habría sido en su mérito. El grupo estaba compuesto por Steve Blackwell (percusiones), Robert Ellis (voz, armónica), Pierre Latreille (guitarra), Neil Mallot (bajo) y James "Jim" Solkin (órgano, piano), quien firma todos los títulos del álbum. También es este talentoso teclista quien al mismo tiempo compuso principalmente la banda sonora de la película de culto de Claude Jutra, "Wow". Esta banda sonora (que lamentablemente no fue lanzada como álbum) hará las delicias de los conocedores, ofreciendo tantos extractos del álbum como pistas inéditas del grupo. La película es un testimonio franco y hábilmente farsante de la juventud de Quebec a principios de la década de 1960: visualización esencial, cortesía de la NFB. Vea además una actuación mimetizada de los actores en un nuevo título a 37m00s. ¿Podría ser este también el verdadero cantante del grupo? No lo creo. Los créditos de la película lo nombran Dave; su retrato no aparece en la portada del álbum, pero su interpretación, incluso en lipsync, sigue siendo bastante convincente.
Según el libro de referencia La Merveilleuse Époque... de Léo Roy, el baterista Luc Robert del grupo "La 5e Dimension" habría sido miembro de "Médium" tras la disolución de su primer grupo. Lo mismo ocurre con el cantante de "Benjamin & the Incas", Laurent "Benjamin" Bégin. ¿Habrían sido miembros antes o después del registro o utilizaron seudónimos?, ¿Estábamos hablando de otro grupo llamado Médium demanera similar?. Por el momento, no puedo confirmar nada. A seguir...
De vuelta a la música. El quinteto orbita alrededor de las vibraciones que emanan del Hammond y una panoplia de órganos combinados, siguiendo la fiera cadencia impuesta por la digitación de Solkin. Por el momento, no puedo proponer equivalentes de Quebec, y mucho menos de habla francesa; después de todo, la ola emergente del rock progresivo PQ no comenzaría hasta más tarde, con entre otros el álbum "VEBB" o "Dimension M" de Franck Dervieux en 1972. Con sus atmósferas dramáticas que revelan melodías pegadizas, casi circenses, el álbum se sitúa bien en un movimiento de jazz luego tomado prestado por artistas psicodélicos estadounidenses. Bandas como "Phluph" y "Mandrake Memorial", apoyados por organistas tan fragmentados como minuciosos, no dudaron en poner los teclados a la vanguardia para situar mejor su fusión de jazz con ambientes rockeros, barrocos y lisérgicos como plus. Estéticamente, se podría trazar un paralelo con el oscuro grupo "Aggregation" que publicó en 1969 un álbum de extrañas canciones atmosféricas... casi de circo, precisamente, donde una reciente serie de shows en residencia en Disneyland inspiró un cruce entre su banda sonora para el pabellón de Tomorrowland y la experiencia lisérgica. ¡Qué viaje!.
Las influencias del jazz están más presentes en "The Medium", la voz queda relegada a un segundo plano detrás de la destreza del organista y los vuelos de contrapunto de Latreille, tan corrosivos como minuciosos. El juego de ese insuflar además de sabor a costa oesteen absoluto. Se requieren pausas instrumentales prolongadas, pero desarrollan atmósferas que son a la vez dramáticas y lúdicas.
En su libro, el colectivo estadounidense "Acid Archive" elogió la inventiva del grupo y el aspecto no lineal de las estructuras musicales, pero al mismo tiempo criticó la destreza vocal de Ellis. Si es cierto que el cantante no duda en dramatizar por momentos su interpretación, su canto está lejos de ser tan falso como lo critican. Ciertamente hay algunas diferencias en "In Between", pero en última instancia, su interpretación se une al delirio impuesto por la melodía "New Thing", un título apropiado para esta pieza instrumental, ya anuncia grandes cosas en la introducción: un baterista de jazz habilidoso, un órgano pesado, un solo de guitarra incisivo.
La melancolía de "My lady lies forever" calma la cadencia y revela un Ellis que es lo suficientemente lírico. En mi opinión, es este aspecto de su canto el que debería recordarse; Sin inflar su interpretación hasta el punto de personificar al "Rey Lagarto",Ellis navega con cierta moderación, consciente de sus límites vocales. Más adelante, el grupo adoptará un enfoque aún más íntimo sobre el frágil "Two by two"(voz, piano, maracas), donde el cantante, más desenfadado, hace una pausa breve con el estilo más explosivo que ofrece en el resto de los temas. "Give me a Peace"también comienza con suavidad antes de evolucionar hacia un barroquismo roll, rifle y fuzzy suite. Puedes sentir toda la energía de una actuación grabada en directo. Mientras que "The Mouse" o "Melon" parecen posponer las cosas sin desarrollar estructuras sólidas o melodías memorables, el grupo se une porque por fin con "I'll Love Everyone At Last". La canción está basada en diferentes estilos que Roy Wood(The Move) o Keith Ermerson(The Nice) habrían apreciado, pasando de un vals barroco a impulsos más fogosos y espasmódicos. Junto con "My Lady Lies Forever", este título tenía potencial y podría haber sido lanzado en 45 rpm, pero Gamma optó por apostar solo por el LP; que yo sepa, ningún single fue tomado del álbum. "In Between" con sus melodías inquietantes y su interpretación bulliciosa intensifica el efecto circense descrito anteriormente. ¡Traigan a los acróbatas!. "Stars" concluye todo con una nota bastante feliz; una composición laboriosa e inquieta, intercalada con una melódica encantadora (¿o es un acordeón?) y puntuado por cánticos en la confusión. Esta canción recordará la interpretación imitada de la película de Jutra.
A través de sus atmósferas psicodélicas, sus estructuras atípicas y su toque de teclado bordeando las demostraciones hipertrofiadas que pronto impondría el rock progresivo, el único legado del grupo The Medium ya estaba allanando el camino que pronto tomarían muchos artistas quebequenses. Al notar toda la inventiva de este quinteto, resulta más que tentador imaginar una secuela de este largo juego. El grupo tenía mucho potencial; podría haber evolucionado y ganado sin demasiadas dificultades en la década siguiente. Lástima que la aventura no fuera de tan corta duración... Unos años más tarde Solkin produciría la banda sonora del documental sobre animales "La volée des neiges" (1976) y al mismo tiempo cofundó "Café Santropol" (Montreal), pero ¿qué pasó con los otros miembros talentosos de este grupo?. A saber.
En definitiva, buen álbum en el que aunque no hay momentos progresivos de gran tamaño aquí, pero sin embargo, grandes y extensos solos.
Hacia finales de los 60's en Oshawa, Canadá, había un par de grupos que eran los más importantes del lugar: "Christopher Columbus Discovery of New Lands Band" y "Reign Ghost", ambos solían ser competencia directa en hacer refritos de los éxitos psicodélicos del momento, sin embargo, el vocalista de Reign Ghost se retiró del grupo a principios del 68, dejando el lugar abierto a los adolescentes Bob Bryden (quien fungía como baterista de Christopher Columbus) en la guitarra y a su novia Lynda Squires (quien era cantante del mismo grupo y poseía una voz bellísima), de ahí el grupo prescindió de los covers para comenzar a componer material original, mayormente compuesto por Bryden quien ahora era guitarrista rítmico.
A fines de 1968, el grupo logra grabar su primer disco, el cual estuvo compuesto en su totalidad por material original y salió a principios de 1969, lo que llevó al grupo a tener giras los fines de semana y finalmente disolverse en ese mismo año, aunque al final Bob Bryden y Lynda Squires lo reformaron con nuevos miembros, grabando así su segundo disco que saldría hasta 1970.
El grupo se volvió a separar, ya que Lynda Squires terminó audicionando para el musical "Hair" y Bob Bryden formó a "Christmas", un grupo de psicodélia y progresivo que sacó tres discos durante su existencia.
La música de Reign Ghost a pesar de tomar mayormente influencias gringas, sigue siendo muy original y peculiar, ya que si bien, sus composiciones desprenden una insólita finura pocas veces vista en un grupo de su estilo, al mismo tiempo podían sonar tan crudos y directos como un grupo de garage de mediados de los 60's, por lo que sus canciones pueden ir de lo íntimo, romántico, gótico y sublime a lo naif, circense, inocentón y chistoso sin sonar en lo más mínimo kitsch, bobalicones, toscos o incluso vampíricos, creando así una música que de alguna manera está basada en los contrastes pero que nunca pierde el ingenio, la creatividad y la honestidad, y para que esto haya sido hecho por un grupo conformado por adolescentes que no pasaban los 16-18 años de edad es un GRAN logro, ya que además de que la música ya presenta rasgos de genialidad, la instrumentación es impecable, los arreglos son extraordinarios, la mezcla de influencias es impresionante, pues hay rasgos de folk, sunshine pop, blues, música medieval, música clásica de la India, música clásica occidental, jazz, waltz e incluso algo de bubblegum, todo ello empacado en una psicodélia de altos vuelos y tampoco hay que olvidarnos de la performance de Lynda Squires quien con solo 17 años de edad ya poseía una cualidad casi operática en su voz y eso era porque desde niña comenzó a cantar en los coros infantiles de las iglesias locales de Oshawa, por lo que se podría decir que su entrenamiento vocal vino de la música clásica y al haberle tocado la época de la psicodélia, terminó cantando rock, sin embargo, esto no la colocaría realmente en la misma categoría de Grace Slick y Janis Joplin, sino en la de cantantes como Mary Travers, Judy Collins, Joan Baez o incluso Mercedes Sosa y Violeta Parra, sin embargo en el rock también existieron cantantes que llegaban a esa cualidad operática en el rock como Conny Devanney de "Ill Wind", Barbara Hudson de "Ultimate Spinach", Patty MacKenzie de "la Comuna", Gloria Lambert de "Haymarket Square", Patti Curtis de "These Vizitors", entre otras, por lo que podríamos decir que Lynda comparte rasgos musicales muy importantes con estas últimas, que además de todo, son cantantes muy olvidadas o desconocidas para el público general, sin embargo son de las mejores cantantes de rock de los 60's.
El disco comienza con Travels of Blue Paradox, que tiene un comienzo un tanto oscuro influenciado por la música de la película "2001: Odisea en el Espacio"en donde Bob Bryden va recitando unas palabras en modo muy a la "Ultimate Spinach" para pronto convertirse en un tema con reminiscencias tanto medievalistas como de la música clásica de la India, es una psicodélia muy viajada pero que raya con lo gótico y lo etéreo mientras que la voz de Lynda Squires realmente brilla, de alguna manera este tema los podría convertir en el equivalente canadiense de "Ill Wind", "la Comuna" o incluso de los "Music Emporium". Una de sus mayores obras maestras.
Long Day Journey, es una canción romántica que tan solo está acompañada de 2 guitarras -una eléctrica y otra acústica- y un bajo con un arreglo casi folk y otra vez Lynda se encarga de darle ese aspecto angelical con su interpretación. Obra maestra.
Standing Room Only, Mr. Mars, se supone que fue la primera canción que compuso Bob Bryden cuando tenía 16 y según su autor, toca temas un tanto escabrosos para la época como la alienación juvenil ante la sociedad. Por otro lado, la canción es bellísima, una de las mayores obras maestras del álbum y la interpretación es verdaderamente sublime.
Eyes Know, So Does Ears and Carolina, es psicodélia con bastantes cambios que de alguna manera vuelve a recordar a Ultimate Spinach, aunque con una composición más elaborada, aquí hay una mezcla de partes pausadas con otras más alegres que rayan con el pop psicodélico al igual que en los dos primeros discos del grupo bostoniano. Obra maestra.
Curio Shop, es un waltz psicodélico bellísimo que va en el mismo tono que The Masquered Murderer y Janis de "Country Joe & The Fish" o incluso de Baroque #1 de "Ultimate Spinach", pero con la voz de Lynda se vuelve otra obra maestra.
Black Ode, ya muestra cierta influencia del blues, que según Bob Bryden suele despreciar por monótono, sin embargo, este tema no es de su autoría, sino del tecladista Dave Hare, aquí también se puede apreciar cierta influencia doorsiana y un fuzz asesino por parte del guitarrista Jim Stright. Temazo.
Gum Wrapper Song, es una parodia al bubblegum, por lo que se trata de un tema un tanto bobalicón y naif, pero esa era la intención y es una canción divertida de escuchar si uno tiene la suficiente madurez para aceptar el humor y el sarcasmo en la música, de otra manera, pueden evitarlo si gustan. Por otro lado, este tema muestra también la forma magistral de la banda de contrastar los otros temas que rayan en lo hermoso con algo que suena cursi, infantiloide y hasta manso si ustedes quieren, sin caer en un kitsch fastidioso o en una mofa grosera e insoportable.
Southern Hemisphere Blues Legacy, es rock ácido con cierta influencia sanfranciscana y bostoniana, pues se escuchan ecos tanto de "Jefferson Airplane", "Country Joe & The Fish", "Quicksilver Messenger Service" y los "Animals" como de "Ultimate Spinach".
Para cerrar con broche de oro tenemos Reaching, que de alguna manera vuelve al mismo tipo de composición que Eyes Know pero esta vez con un aspecto menos romántico y más viajado que el anterior, además de que tiene más cambios, en los cuales podremos notar influenciar una especie de deconstrucción estilística en la que encontramos rock ácido, raga rock, blues, música circense y pop psicodélico, además del final con trémolo completamente cipollinesco. Obra maestra.
PISTAS:
A1. Travels of Blue Paradox A2. Long Day Journey A3. Standing Room Only, Mr. Mars A4. Eyes Knows, So Does Ears and Carolina B1. Curio Shop B2. Black Ode B3. Gum Wrapper Song B4. Southern Hemisphere Blues Legacy B5. Reaching
A finales de la década de 1960, Chris y James Kellesis formaron una banda de hard rock y rock progresivo llamada "Jackal" en Toronto, Canadá. El organista Chris Kellesis y su hermano James escribieron el material y se unieron al cantante Charlie Shannon y el guitarrista Steve Hayward para su único LP 'Awake', lanzado en el desconocido sello canadiense Periwinkle en 1973 y reeditado por Radioactive en 2004. Con la banda completada con el baterista Lois Mutton, trabajaron con los productores Dan Goldberg y Bob Stright en la primavera del 73 para grabar en la nueva empresa de Snider, la mencionada Periwinkle Records, su álbum debut, Awake unos meses después.
Grupo de sonido sólido, pesado, potente que realiza un progresivo sostenido por igual sobre todos los instrumentos formando una amalgama sonora compacta y enérgica, en la que los músicos aportan su labor obteniendo un resultado sin resquicios, denso y bien coordinado. Desarrollan un estilo que si bien en un inicio no lo parece, conforme avanzan los surcos la dureza se va mostrando con más intensidad a través, sobretodo, de unas guitarras graves que emiten riffs muy marcados, categóricos, que en escala mayor dirigen los movimientos hacia los que deriva la melodía acompañados de un Hammond que berrea siempre que le dejan. La tendencia que siguen las guitarras tiene origen en el rock and blues y el órgano vibrante desciende de la psicodélia de finales de los 60.
Su sonido en los primeros temas se acerca a bandas como "Nektar" de la época de "A tab in the ocean", pero conforme pasa el tiempo nos adentramos en pasajes en los que su fuerza se desinfla un poco y el compromiso con un progresivo más arriesgado desaparece, girando hacia composiciones más sencillas para el gran público. Cuando esto sucede, la música está más próxima a la factoría de grupos como "Journey" ó "Kansas" en sus momentos más populosos, en los que la calidad no choca con creaciones brillantes y a la vez comerciales. Aún así hay algunos cortes deliciosos (Awake) en los que se esfuerzan por buscar originalidad y complejidad, construyendo un rock muy interesante.
No ofrecen desarrollos instrumentales intensos, ni improvisaciones fruto de la experimentación, sino que está basado en estructuras hard más preocupadas por el ritmo y la forma que por el fondo y la melodía.
