Delivery - Discografía

Discografía - Fools Meeting (1970)

En primer lugar hay que añadir que el único álbum de "Delivery", Fools Meeting, fue lanzado por Cuneiform Records junto con varios bonus tracks. Sin embargo también hay que decir que lamentablemente mucho de lo que esta banda había grabado se ha perdido. Las cintas maestras de este álbum se han perdido, al igual que las grabaciones de la banda en vivo en varios conciertos, como las BBC Top Gear Sessions. A pesar de todo esto el sello ha logrado incluir dos temas "bonus" de la misma sesión de grabación del álbum, incluido el single "Harry Lucky" que no estaba disponible en la edición en vinilo, junto con dos temas en vivo y el tema "One For You" de Sesiones del álbum de Lol Coxhill/Steve Miller.

El álbum se abre con el tema "Blind To Your Light", que con su línea de bajo evoca una clara atmósfera de blues, confirmando así las aspiraciones del sello discográfico de ser la contienda de Grimes como vocalista para rivalizar con Janis Joplin y Grace Slick. Sin embargo, la interpretación del saxofón de Coxhill junto con el piano de Steve Miller ayuda a darle sabor a la atmósfera, dándole un toque de jazz junto con bandas como "Colosseum". La versión en vivo de esta pista se reproduce a un ritmo increíblemente mucho más lento con la guitarra al frente de la interpretación de la banda, algo que no era demasiado notorio en la versión de estudio. La ausencia de Lol Coxhill al saxofón es probablemente la razón más plausible de esto y corresponde al bajo y la guitarra ocupar su lugar. El lento toque de blues se mantiene en "Miserable Man", aunque el ritmo se ralentiza considerablemente (en comparación con la versión de estudio de Blind To Your Light) y el sonido general del tema tiene sus raíces en la escena del rock psicodélico de los sesenta, con "Jefferson Airplane". Un fuerte contendiente para la inspiración.

"En Home Made Ruin" uno puede empezar a sentir el rock progresivo que poco a poco se va introduciendo en la música de la banda. La primera pista que tuvo a Phil Miller como único compositor, la música ve la guitarra pasando a primer plano para responder al solo de teclado de jazz, aunque el factor sorprendente de esta pista es el ritmo fuerte y cada vez mayor con el que se toca. La toma alternativa de esta pista presenta una estructura general completamente diferente con una deliciosa interacción entre piano y guitarra. Con "Is It Really The Same", la banda comienza a adoptar los sonidos que impregnaban la escena del rock británico, concretamente a través de bandas como "King Crimson". Coxhill logra infundir una energía cruda en la interpretación de la banda, dándoles un sonido de rock mucho más crudo, en lugar de la sensación pulida que muchas bandas progresivas y de Canterbury tenderían a seguir. La versión en vivo tiene la guitarra distorsionada de Phil Miller llevando la carga del saxofón, aunque hay que admitir que falta amplitud y dureza cuando la pista se ejecuta en vivo.

Una vez más, se necesita una composición de Phil Miller para darle una sensación progresiva más obvia a la música de "Delivery". "We Were Satisfied" es solo una de esas pistas con una mezcla de progresivo y psicodelia, mientras que pistas como "The Wrong Time" y "Figuring It out" suenan más como una versión animada de "The Grateful Dead" con elementos de R&B que emergen ocasionalmente. La última canción que estaba originalmente en el álbum de vinilo fue la canción principal, "Fool's Meeting", que es un verdadero tema de blues que una vez más evoca las comparaciones de Grace Slick/Janis Joplin con la poderosa voz de Carol Grimes.

"Harry Lucky" se omitió originalmente en la versión en vinilo, pero se lanzó como sencillo para promover el lanzamiento del álbum. De las pistas del álbum, es probablemente la más débil de todas y presenta poca nota, a diferencia de la pista final de este álbum, "One For You". Escrito después de la desaparición oficial de la banda, fue grabado durante las sesiones de grabación de Coxhill/Miller en otoño de 1971 y podría considerarse más una sesión improvisada que cualquier otra cosa. Sin embargo, muestra cómo los músicos involucrados habían madurado en el corto período transcurrido desde su última grabación oficial. La música había evolucionado desde un estilo amplio de blues a un enfoque de jazz más improvisado, una característica segura de la mayoría de las bandas de Canterbury.

De hecho, es una lástima que tanto el álbum como la banda se hayan convertido en meras notas a pie de página en la historia de la música de Canterbury. El álbum debería resultar de interés para todos aquellos que quieran ver (¡u escuchar!) cuánto de la escena del rock progresivo británico evolucionó a partir del boom del blues británico de los años sesenta. Este álbum es un trampolín importante para bandas que se encuentran en algún punto intermedio de ambos géneros.

Formación:

Steve Miller - Piano
Phil Miller - Guitarra
Roy Babbington - Bajo, Contrabajo
Pip Pyle - Batería
Carol Grimes - Voz, percusión

Músicos invitados:
Lol Coxhill - Saxofón soprano-tenor
Roddy Skeaping - Violín en "Miserable Man"
Richard Sinclair - Bajo en "One for You"

PISTAS:

A1. Blind To Your Light (5:05)

A2. Miserable Man (8:28)

A3. Home Made Ruin (3:23)

A4. Is It Really The Same (5:44)

B1. We Were Satisfied (4:02)

B2. The Wrong Time (7:50)

B3. Fighting It Out (5:48)

B4. Fools Meeting (5:27)

DELIVERY - FOOLS MEETING "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Nigel Camilleri en Rockasteria

Savoy Brown - Discografía

Discografía - Raw Sienna (1970)

"Savoy Brown" estuvo formado durante dos años por un dúo de amor-odio que eran Chris Youlden a la voz y Kim Simmonds a la guitarra (y ambos al piano). Juntos, aunque no siempre revueltos, editaron cuatro discos de blues rock lleno de psicodelia y salidas hard que les llevaron a la primera línea de festivales y escenarios con su característica mezcla de riffs aguerridos, ritmos percusivos con arreglos cercanos en ocasiones al funky e, incluso, al jazz más bravo, algunos brillantes solos, letras directas con estribillos facilones y mucha inspiración. Guitarras acústicas, bottleneck, arreglos orquestales, trompetas… Un disco que traspasa géneros. Compartían los créditos de este Raw Sienna tres monstruos que al año siguiente abandonarían la nave para formar "Foghat": Dave Peverett como segundo guitarrista, Tone Stevens al bajo y Roger Earl a la batería.

"Master hare" es el perfecto ejemplo, con el protagonismo de un inspiradísimo solo de Simmonds la banda al completo se luce. La línea de bajo te pone inquieto, los cambios de ritmo conjugando batería e instrumentos de viento y el arreglo de violines justo en el centro haciendo de contrapunto. Otra composición casi progresiva en su concepción, "Is that so", comienza con una larga introducción de ritmo latino, se detiene, y exprime un desarrollo jazz blues que vaga entre la improvisación de la guitarra y el contrapunto de batería y bajo.

Pero, además, en Raw Sienna escuchamos algunos de sus mayores aciertos, o, al menos, algunas de sus  composiciones más populares. La inicial "A hard way to go" pasa por ser su único tema de verdadero éxito en cuanto a ventas de singles se refiere. Marcado por el ritmo de bajo y guitarra sobre los que la línea de voz recrea una historia de redención y huida. De cercana y épica comercialidad, con el saxo y las trompetas como protagonistas, "That same feelin’" gira alrededor de un riff repetitivo sobre la voz más negra de Youlden. Quizá las dos canciones más accesibles para los oídos roqueros.

La mejor interpretación vocal la encontremos en "Needle and spoon" con un toque jazzy en las armonías y la batería. Letra polémica: “Don’t need no women don’t need no wine/’Cause life is sweet when you hit the main line/(…)/I feel alright with my needle and spoon”. El heroinómano que se justifica. Otro momento de gloria para Youlden se titula "Stay while the night is young". Ritmo sincopado, acústicas y seducción: “Just experience the moment/Instead of thinking what’s to come/Can’t have the fall before the summer/So stay while the night is young”. Y para que no falte ningún vicio, piden "A little more win"e con un soberbio puente-estribillo (“just got time for a little more wine”) y un buen bottleneck.

Pero como no todo es fiesta, devoran su pena y su continua búsqueda en "I’m crying", pelotazo soul cuyo gran valor es conseguir un ritmo oscuro y una melodía cadencial para recrear una sencilla historia de perdedor. El contrapunto a este tema, "When I was young", cierra Raw Sienna con unas sencillas acústicas y una reflexiva letra: “Yesterday’s illusions are tomorrow’s smiles/I’ll look back and laugh Baby, sometimes, in a while”.

Chris Youlden abandonó la nave a poco de editarse el disco para comenzar una poco exitosa carrera en solitario y el resto abandonó a Simmonds a su suerte tras otro álbum para formar "Foghat". Así que a disfrutar de un disco único.

Formación:

Chris Youlden - Voz, Piano

Kim Simmonds - Guitarra, Piano

Lonesome Dave Peverett - Guitarra

Tone Stevens - Bajo

Roger Earl - Batería

PISTAS:

A1. A Hard Way To Go

A2. That Same Feelin'

A3. Master Hare

A4. Needle And Spoon

A5. A Little More Wine

B1. I'm Crying

B2. Stay While The Night Is Young

B3. Is That So

B4. When I Was A Young Boy

SAVOY BROWN - RAW SIENNA "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Rockologia

TÍBET - Discografía

Discografía - Tíbet (1978)

Jürgen Krutszch formó "TIBET" en 1972 en Werdohl, Alemania, inspirado por la experimentación oriental de grupos como "The Beatles" y "Third Ear Band". Krutszch había pasado la última parte de los años sesenta en bandas de covers (Fine Art, Nostradamus), y estaba interesado en formar un grupo que tocara instrumentos tibetanos nativos como la tabla, el violín, la cítara y la flauta. Rápidamente abandonó esta idea después de reclutar a sus antiguos compañeros de banda Karl-Heinz Hamann (Fine Art, Teske) y Dieter Kumpakischkis (Nostradamus), así como al baterista Fred Teske y al vocalista Kalus Werthmann, pero la banda conservó un cierto sentimiento pseudo-místico en su música durante sus nueve años de existencia.

La banda realizó una extensa gira a lo largo de los años setenta, abriendo ocasionalmente para compatriotas y amigos de la banda "Kraan", pero solo logró lanzar un solo álbum, "Tíbet", su lanzamiento de estudio homónimo de 1979. Las pistas para el álbum se grabaron en tres sesiones separadas que datan de diciembre de 1976 a septiembre de 1978. El sonido de la banda era una compleja fusión de rock astral, jazz, música clásica y sonidos tibetanos, fuertemente impulsados por el teclado (Hammond, mellotron) y comparados con los gustos de "Eloy", Amenophis" e incluso "Uriah Heep", aunque la mayor parte de su lanzamiento de estudio consiste en pistas que son similares en estilo pero más reservadas que cualquiera de esas bandas.
Las letras (cuando estaban presentes) estaban principalmente en inglés cantado, pero la banda era conocida por tocar instrumentales más largos en concierto, y tres de esas pistas aparecen en su lanzamiento de estudio.

Como nota interesante al margen, Garden of Delight Records lanzó una serie de grabaciones de sampler de las primeras bandas psicodélicas y sinfónicas a principios de este siglo, y el volumen 5 de esa colección presenta dos canciones acreditadas a "TIBET". Si bien la membresía principal de la banda es la misma que la de su lanzamiento de estudio de 1979, la cantante figura como una chica de 16 años conocida simplemente como Maggie. Se cree que estas canciones fueron grabadas por la banda muy temprano en su carrera, y antes de firmar a Werthmann como su cantante permanente. No se sabe nada más de la chica.

Habiendo fracasado en su intento de causar una impresión comercial con su único disco, "TIBET" decidió dejarlo y se disolvió después de su última aparición en concierto el 22 de marzo de 1980.

"TIBET" merece reconocimiento por haber sido una pequeña parte de la escena de la música progresiva con su extensa historia de actuaciones en vivo a lo largo de los años setenta, y por el estilo ecléctico y ambicioso de música por el que eran conocidos por su pequeña pero persistente base de fans.

Formación:

Klaus Werthmann - Voz lider
Dieter Kumpakischkis - Teclados
Karl-Heinz Hamann - Bajo, percusión
Fred Teske - Batería, percusión, Guitarra, voz
Jürgen Krutzsch - Guitarra, percusión, productor

PISTAS:

A1. Fight Back

A2. City By The Sea

A3. White Ships And Icebergs

A4. Seaside Evening

B1. Take What's Yours

B2. Eagles

B3. No More Time

TÍBET - TÍBET "ÁLBUM COMPLETO"

KAIPA - Discografía

Discografía - Kaipa (1975)

"Kaipa" fueron una banda sueca que durante el periodo comprendido entre los años 1975 hasta principios de los 80, lideraron la escena progresiva de su país, con cinco álbumes que tomaban como referencias el folk escandinavo fusionado con un complejo estilo sinfónico.

Formados originalmente como "Ura Kaipa", su formación la comprendían el teclista Hans Lundin, Tomas Eriksson como bajista, Ingemar Bergman como batería y un jovencísimo Roine Stolt como guitarrista.

En 1975 hicieron su debut discográfico bajo el sello Decca, en el cual la banda mostraba una fluidez musical prodigiosa y unos ingeniosos cambios rítmicos con complejos arreglos y una sofisticación digna de los mejores grupos punteros del genero progresivo. Su único lastre es tal vez el cantante Lundin que canta en sueco, algo que para muchos en su momento les resultaba "extraño" acostumbrados a la "anglofonia" habitual.

En este primer álbum destacan la inicial y sinfónica "Musiken ÄR Ljuset", la hard rock progresiva "Shaker Har Tva Sidor", la compleja con aires folk "Ankaret", la progresiva con un sonido cercano a Yes "Se Var Morgon Gry" o la apoteósica "Oceaner Foder Liv".

Este fue un buen álbum debut que fue publicado cuando la mayoría de las grandes obras del progresivo habían sido ya expuestas, sin que esto sea ningún impedimento para que este disco se encuentre dentro de los parámetros del mejor rock progresivo de la época. Sus siguientes publicaciones seguirán teniendo un alto nivel, consolidando su estilo, aunque bastante alejados de sus coetáneos  británicos. Roine Stolt formaría años mas tarde parte de bandas como "The Flower Kings" o "Transatlantic", además de colaborar en múltiples proyectos con Jon Anderson o "The Tangent" y haber publicado varios discos en solitario muy valorados por la critica y los fans.

Formación:

Ingemar Bergman - Batería, percusión
Tomas Eriksson - Bajo
Hans Lundin - Órgano hammond, Piano,voz
Roine Stolt - Guitarras

PISTAS:
A1. Musiken Är Ljuset
A2. Saker Har Två Sidor
A3. Ankaret
A4. Skogspromenad
B1. Allting Har En Början
B2. Se Var Morgon Gry
B3. Förlorad I Istanbul
B4. Oceaner Föder Liv

Laghonia - Discografía

Discografía - Glue (1970)

La absurda versión oficial de que el rock latino se desarrolló únicamente en México, Argentina y España, debe ser derribada, ya que también, en diferentes países de habla hispana se desarrollaron propuestas que eran incluso superiores. Este fenómeno inició desde los sesentas y setentas, con bandas que hoy son de auténtico culto en el mundo, y cuya información acerca de ellas, es más predominante en sitios extranjeros y en idioma inglés.

En esta ocasión, nos toca irnos hasta Perú, país en donde en realidad nació el punk, y también en donde en 1965, nace, "New Juggler Sound", agrupación fundada por los hermanos Saúl y Manuel Cornejo, misma que cambiaría el nombre a "Laghonia", tras la llegada del organista Carlos Salom. De esta manera, la formación completa de la banda quedaba conformada por Saul Cornejo (guitarra, voz) y Manuel Cornejo (batería), a quienes se les unieron, David Levane (guitarra, voz), Carlos Salom (órgano Hammond), Eddy Zaraus (bajo) y Alex Abad (percusiones).

Y es esta alineación la que en 1968, edita el álbum debut de la banda, titulado Glue, mismo que fue pionero en el rock latino, en presentar el uso del órgano Hammond. Las bondades sonoras de este instrumento, se sumaban a las influencias de la banda, que iban de actos como "The Jimi Hendrix Experience", "Cream" y "Santana", pasando por el beat. Se dice que el álbum fue grabado en carretera, en estudios portátiles, aunque no sabemos que tan cierta y factible pueda ser esta historia, ya que grabar en carretera, considerando el tamaño de un órgano Hammond, suena poco creíble, pero en fin, mitos aparte, vayamos a lo principal: la música.

En el primer track, "Neighbor", el órgano Hammond hace gala de dominio. Los acordes distorsionados también aparecen, mientras que la base rítmica es reforzada con percusiones. La línea de bajo presentada en "The Sand Man", es excelente, aunque también el trabajo en la guitarra es digno de destacar. Los arreglos psicodélicos del órgano son la cereza en el pastel.

"Billy Morsa" es excelente en sus estribillos, mientras que presenta ese sonido psicodélico lleno de acordes acerados. Las percusiones funcionan perfecto, dando ese toque latino. Aquí el órgano pasa inadvertido. La excelente "Trouble Child" abre con unos arreglos de guitarra eléctrica, para dar paso a una base rítmica concisa y precisa, que no da concesiones de calma. Las riffs y solos presentados en este track, son excelentes.

"My Love" es otra joya, y su sonido contrasta con el del track anterior, para embarcarse en una balada psicodélica, en donde la parte vocal es excelentemente ejecutada. El órgano va formando una exquisita cama de sonidos ácidos, mientras que la batería es ejecutada de forma muy tenue. En "And I Saw Her Walking", las voces se unen para complementar y también para hacer armonías, muy al estilo de las bandas norteamericanas de la época. Destaca también la dirección tomada por la base rítmica y el excelente complemento de la guitarra, que ejecuta solos bastante acertados.

"Glue" es un corte estructurado en el sonido de las guitarras. Una fusión de acordes acerados y otros más distorsionados. El órgano hace apariciones esporádicas, pero da justo en el punto exacto. Tras el gran momento anterior, llega el maravilloso track final: "Bahia", con ciertas reminiscencias latinas, sobre todo en las percusiones que acompañan a la batería. Con todo y ese sonido medio latino, también se percibe cierto sonido de tendencias beat. Y obviamente, sería imperdonable el no hacer énfasis en el maravilloso trabajo en las seis cuerdas, que se convierte en lo más destacado de la canción.

Así llega a su fin una auténtica joya del rock latino, que ha sido objeto de diferentes reediciónes en diferentes países, entre las que destacan las realizadas por el sello World In Sound (Alemania), y Lazarus Audio Products (Estados Unidos), etc. También se han editado diferentes reediciónes en países de habla hispana, lo que es un reflejo de la valía de esta piedra angular para entender el desarrollo del rock en Sudamérica.

Formación:
Saúl Cornejo - Voz, Guitarra
Manuel Cornejo - Batería
David Levene - Guitarra, Voz
Carlos Salom - Órgano Hammond
Alex Abad - Percusiones
Eddy Zarauz - Bajo

PISTAS:

A1. Neighbor

A2. The Sand Man

A3. Billy Morsa

A4. Trouble Child

B1. My Love

B2. And I Saw Her Walking

B3. Glue

B4. Bahia

Gravy Train - Discografía

Discografía - Second Birth (1973)

La banda de St. Helens, "Gravy Train", fue una de las cientos en la cartelera de la naciente escena del rock progresivo a principios de los años 60 y 70, e hicieron sus dos primeros LP para la subsidiaria underground de Philips, Vertigo. Ambos lanzamientos desaparecieron sin apenas promoción, por lo que la banda cambió de sello a la subsidiaria de moda de Pye Records, Dawn, con la esperanza de una mayor promoción, algo ingenuamente como resultó.

Su álbum de 1973 para Dawn, el apropiada y optimistamente titulado "Second Birth". A diferencia de muchos de sus contemporáneos del rock progresivo, "Gravy Train" no tuvo miedo de resaltar las preocupaciones sociales y ambientales en sus letras, insinuadas directamente en algunos de los títulos de las canciones. De vez en cuando, hay que decirlo con demasiada seriedad. Casi se puede escuchar la conciencia del compositor principal, Norman Barratt, así como su voz quebrada que se esfuerza hasta casi el punto de ruptura en la apertura de "Morning Coming".

Esta banda también podía rockear, con más de una pizca de funk, como atestigua el siguiente pista, "Peter", con un buen saxo soplando de Hughes, la voz de Barratt tiene cierta similitud con la de Roger Chapman en este tema. Como casi todas las demás bandas de la época que alguna vez tomaron una guitarra acústica, la influencia de "Crosby", "Stills y Nash" se siente, esta vez en "September Morning News". Otra influencia omnipresente e inevitable a principios de los 70 fue "The Beatles", en "Fields And Factories", toman descaradamente parte de su melodía vocal al por mayor de Lucy In The Sky With Diamonds, pero el resto de la melodía de casi nueve minutos tiene suficiente carácter propio para que eso sea excusable, con más saxo improvisado y una fina guitarra ácida de Norman.

La canción que da título al disco es un buen ejemplo del rock progresivo de la época, y se puede comparar con cualquiera de sus contemporáneos más conocidos. Es otro himno al abuso de la naturaleza por parte del hombre, y con sus armonías de guitarra y flauta a tres voces, y sus secciones rápidas y técnicamente exigentes, se erige como evidencia de una banda que se deleita en su competencia cada vez mayor.

Formación:

Norman Barrett - Guitarra, voz principal

George Lynon - Guitarra

J.D. Hughes - Teclados, Voz, Flauta, Saxos

Les Williams - Bajo, voz

Barry Davenport - Batería, Percusión

PISTAS:

A1. Morning Coming

A2. Peter

A3. September Morning News

A4. Motorway

B1. Fields And Factories

B2. Strength Of A Dream

B3. Tolpuddle Episode

B4. Second Birth

GRAVY TRAIN - SECOND BIRTH "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: The Rockasteria

RAMSES -Discografía

Discografía - La Leyla (1976)

Banda alemana de rock sinfónico con tintes de progresivo comandada por los hermanos Langhorst  a las guitarras y los teclados de tal manera que el peso completo recae sobre ellos demostrando una compenetración que está a la altura de los lazos naturales que los unen.

Nacen en 1972 pero no será hasta 1976 que aparezca su primer y mejor trabajo cuando el progresivo ha rebasado sus mejores años. Una obra claramente influenciada por el progresivo y sinfónico de otros grupos alemanes muy importantes en ese momento como son "ELOY" o "NOVALIS".

Como ya he dicho, el núcleo de su música esta formado por las creaciones de la guitarra y el teclado que generan y sostienen las melodías de todos los temas que aunque son de algún modo lineales en sus desarrollos sin percibirse drásticos cambios, giros ni saltos en las tramas, ni tampoco arriesgadas incursiones en improvisaciones de algún tipo mantienen una frescura que el oyente percibe. Tal vez la voz está por debajo del resto, algo carente de tonalidad y fuerza.

Estamos ante un disco de buenas composiciones que no son apabullantes ni tampoco muestran alardes en las interpretaciones. No se trata de un álbum pretencioso.  Es un disco ágil, melódico, para disfrutar sin más.

Formación:

Hans D. Klinkhammer - Bajo

Norbert Langhorst - Guitarras

Winfried Langhorst - Voz y teclados

Herbert Natho - Voz

Reinhard Schröter - Percusión y Batería

PISTAS:

A1. Devil inside

A2. La Leyla

A3. Garden

B1. War

B2. Someone Like You

B3. American Dream

RAMSES - LA LEYLA "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Las Tierras Altas del Progresivo

Arco iris - Discografía

Discografía - Arco Iris (1970)

Primer album oficial de "Arco Iris", publicado en 1970. El grupo comenzaba aquí a vislumbrar toda su capacidad lirica, fusionando elementos de diversas corrientes musicales que luego desarrollarian progresivamente en discos posteriores. Canciones como "Quiero llegar", "Camino","Y ahora soy", o la psicodélica "Cancion de cuna para un niño astronauta", son muestras de la creatividad compositiva que "Arco Iris" ya demostraba en este primer trabajo.

Hacia el año 1968, Gustavo Santaolalla intentaba infructuosamente conseguir algún contrato para su banda, "The Crows", hasta que dio con Ricardo Kleiman, quien le aconseja comenzar a cantar en castellano. Así, cambio de nombre de por medio, "Arco Iris" entra en un estudio de grabacion.

Con el tema "Blues de Dana" ganan en el Festival Beat de la Canción Internacional que se realiza en Mar del Plata en 1970. Con el nombre de ese tema, el sello RCA saca un disco recopilación de los simples editados hasta ese momento, casi simultáneamente con la aparición del primer LP de la banda: "Arco Iris" (1970).

En este primer trabajo ya se vislumbran los elementos que posteriormente desarrollarán: blues, rock, jazz, con canciones pop y un recurrente aire pastoral. Incluso se vislumbran ya algunos aires folclóricos. 

Todavía sin Gianello, con la colaboración de Alberto Cascino en la batería, los habituales integrantes del grupo utilizan flautas, saxos, cellos y diversos instrumentos de percusión no habituales en ese momento en el rock argentino. El tango que ya estaba presente en el primer álbum de Almendra aparece aquí con una nueva modalidad. "Arco Iris" son los primeros en citar a Piazzola en el tema "Quiero Llegar". Gran parte del material compuesto queda fuera del álbum pero aparecería años más tarde en recopilaciones. Aparece ya en la portada el símbolo que identifica a "Arco Iris": la llave de Dana.

"Arco Iris" era ya mucho más que un grupo de rock. Con la guía espiritual de la modelo ucraniana Danais Winnycka (Dana), conformaron una comunidad en El Palomar, en el Oeste del Gran Buenos Aires, que se regía por estrictas normas naturistas: estaba prohibido el consumo de carne, alcohol, drogas y también el sexo.

"A partir del ingreso de Dana como guia espiritual, que los introduce en las filosofías orientales y en el yoga, "Arco Iris" modifica su música y su forma de pensar. Las composiciones de Gustavo Santaolalla se modifican en consecuencia. Comienza todo el grupo a trabajar con otras metas. El sonido del conjunto, que ya era cálido, se vuelve más intimista, mas terso. Eso no implica un vuelco hacia la música hindú, como podría suponerse. Los cuatro evolucionan sobre las bases características del rock y el blues, también se introducen en el jazz. Precisamente en septiembre de 1969 la productora les da campo libre para que graben un long play con la música que ellos quieren. Por diferentes motivos las grabaciones se extienden hasta diciembre. En esa época registran también el "Blues de Dana'', el tema que triunfa en Mar del Plata. Luego el grupo se encierra en los estudios para grabar esos benditos temas destinados a un difuso viaje a Los Angeles. Una semana antes de que las máquinas de RCA se dispusieran a prensar el disco, a fines de febrero, "Arco Iris" modifica el lado dos del disco: deja sólo un tema de los viejos "Y una flor", y agrega dos nuevos muy extensos: "Y ahora soy" y "Tiempo", dos de las composiciones que habían estado destinadas a los Estados Unidos; tenían una diferencia: se grabó una nueva banda de voces en castellano. Estos dos temas quizás no sean lo suficientemente transparentes como para advertir la música de total de "Arco Iris", pero demuestran la capacidad del conjunto para crear situaciones rítmicas de mucha intensidad sin usar las mayores potencias de los equipos. Todo el long play de "Arco Iris" está registrado en volúmenes muy bajos, aún cuando los temas requerían fuerza ellos no subieron los amplificadores de sus equipos. Esto es muy importante por dos causas: 1) La grabación adquirió de esa manera frescura y sutileza. 2) Demostró definitivamente que para sonar con todo no hace falta subir los volúmenes al máximo sino algo mucho mas simple: saber tocar. Lógicamente la música de "Arco Iris" se presta para interpretar los instrumentos suavemente, pero cuando la potencia se hizo necesaria la lograron musicalmente.

Es muy lindo ver el nacimiento de un buen conjunto, va a ser intersante comprobar como se irá creando el mito, la leyenda, alrededor de ellos, pero no hay que engañarse: la música de "Arco Iris" es una de las más difíciles que se producen en la argentina. Y en consecuencia, discográficamente no van a tener un impacto masivo. Lamentablemente no todos los disc-jockeys serán capaces de pasar sus temas en los programas radiales, no todas las revistas estarán seguras de que se merecen una nota, no todos los públicos querrán asistir a sus recitales: La música de "Arco Iris" lleva implícita un desafío de imaginación."

Revista Pelo (1970)

Formación:

Gustavo Santaolalla - Voz, Guitarra
Ara Tokatlian - Vientos, teclados
Guillermo Bordarampe - Bajo
Alberto Cascino - Batería

PISTAS:

A1. Quiero Llegar
A2. Hoy Te Mire
A3. Camino
A4. Coral
A5. Te Quiero , Te Espero
A6. Luli
A7. Cancion de Cuna para el Niño Astronauta
B1. Y Una Flor
B2. Tiempo
B3. Y Ahora Soy

ARCOS IRIS - ARCO IRIS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: La Nave del Rock Argento

KAIPA - Discografía

Discografía - Solo (1978)

Tercer disco de "KAIPA", y para los seguidores de la Banda, su trabajo mas completo. Se trata de un disco con mucho colorido que recuerda la brillantez de sus trabajos anteriores, con un tono mas cálido. En el disco se aprecia un trabajo excelente del guitarrista Roine Stolt. El guitarrista, Mats Lofgren, que para entonces era el nuevo miembro de la Banda, añade una nueva dimensión a la música de "KAIPA".

En este álbum, "KAIPA" ha creado un sonido cálido interpretado por unos músicos de gran calidad. Quizás el mejor tema del disco, en mi opinión, sea el primero "Den Skrattande Grevinnan" en el cual, igual que en otros como "En Igelkotts", notamos una marcada influencia de la Banda "Yes".

En la música de "KAIPA" también notamos influencias de otras bandas importantes, como "Camel", especialmente en los temas "Frog Funk", "Respektera Min Varld" o "Sist Pa Plan".

Cerca del final del disco encontramos el tema "Total Forvirring", una canción con un poco mas de energía que las demás y en el que las guitarras sintetizadas lo acercan bastante al sonido neo progresivo que llegaría tiempo después, en los años ochenta.

Formación:

Ingemar Bergman - Batería, percusión
Mats Lindberg - Bajo
Hans Lundin - Órgano hammond, Piano
Roine Stolt - Guitarras
Mats Löfgren - Voz

PISTAS:
01. Den Skrattande Grevinnan
02. Sen Repris
03. Flytet
04. Anar Dig
05. Frog Funk
06. Visan I Sommaren
07. Taijgan
08. Respektera Min Värld
09. En Igelkotts Död
10. Total Förvirring
11. Sist På Plan

KAIPA - SOLO "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Rockinspain

Jamul - Discografía

Discografía - Jamul (1970)

A finales de los sesenta y principios de los setenta surgieron multitud de grupos a la sombra de las bandas que triunfaban en los grandes festivales, muchos de esos grupos no llegaron a grabar ni un solo disco y no quedó ninguna constancia de ellos, pero por suerte "Jamul" consiguió hacerlo.

El único álbum de la banda de San Diego, California, anteriormente conocida como "Jamul y Funk Marching Band", pronto cambiaron a "The Jamul City Funk Band" y por exigencias de su discográfica tuvieron que acortar el nombre.

Ron Armstrong actuó anteriormente en "The Misfits", Bob Desnoyers, "The Friendly Grin" y Steve Williams con "Puzzle" y "The Voxmen".

"The Jamul City Funk Band" era un trío unos meses antes de grabar, pero luego Williams se unió a ellos. Esto permitió al grupo utilizar varios vocalistas tanto en polifonía como en cada pista individual. Cuando el grupo firmó un contrato con Gabriel Mekler, quien produjo también a "Steppenwolf", acortaron su nombre a "Jamul". El disco vendió 75.000 copias en 1970, pero este éxito no siguió ningún gran avance. El grupo perdió su dirección en 1971 y la separación no se hizo esperar. El segundo álbum, "Jamul II", se grabó en 1972, pero según dicen aún permanece inédito...

Formación:

Ron Amstrong - Bateria, voz

Bob Desnoyers - Guitarra,voz

Steve Willians - Voz, Harmónica

John Fergus - Bajo,voz

PISTAS:

A1. Tobbaco Road

A2. Long Tall Saly

A3. Sunrise Over Jamul

A4. Movin' to the Country

A5. Hold the Line

A6. Jumpin' Jack Flash

B1. All You Have Left is Me

B2. Nickel Thimble

B3. I Can't Complain

B4. Ramblin' Man

B5. Valley Thunder

JAMUL - JAMUL "ÁLBUM COMPLETO"

Edelberry Jak - Discografía

Discografía - Long Overdue (1970)

La banda fue formada en 1969 por el bajista Dave Coombs y el vocalista Joe Cerisano, ex miembros de "JB And The Bonnevilles".

Primero trabajaron como dúo, con el nombre de "Kaboose", y después de la incorporación del baterista Joe Hartman y el guitarrista Tom Nicholas, adoptaron el nombre de "Elderberry Jak".

Rápidamente se hicieron populares en Virginia Occidental y realizaron una gira por el estado, así como por Ohio y Pensilvania durante un año. En 1970, el grupo firmó un contrato de grabación con Leland Rogers y el pequeño sello de Memphis Electric Fox Records, debutando a finales de año con el álbum "Long Overdue".

El álbum resultó estar en las mejores posiciones de la música hard-rock estadounidense con elementos de funk y ganó una enorme popularidad, pero solo a escala regional: durante casi un año "Long Overdue" permaneció entre los diez primeros de las listas de Virginia Occidental, pero Realmente no irrumpió en el mercado exclusivamente estadounidense.

El grupo se disolvió a principios de 1971 y fue incluido en el Salón de la Fama del Rock y Pop de Virginia Occidental en 1988. El líder de la banda Dave Coombs murió en 1999.

Formación:

Joe Cerisano - Voz, letra
Tom Nicholas - Guitarra,voz

Dave Coombs - Bajo, voz

Joe Hartman - Batería, voz

PISTAS:

A1. Going back home

A2. Forrest on the mountain

A3. Vance's blues

A4. Inspired

A5. Restless feeling

B1. Wish me well

B2. Mr. Sun

B3. My lady

B4. Changes

B5. You're the one

EDELBERRY JAK - LONG OVERDUE "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Rock Archeologia 60 - 70