Graffiti - Discografía

Discografía - Graffiti (1968)

"Graffiti" fue la tercera banda que se formó a partir de las cenizas de la banda de garaje de mediados de los 60 "The Hangmen", originaria del área de Washington DC. La banda se había llamado anteriormente "Button" y contenía al ex cantante de "The Hangmen" Tony Taylor y al guitarrista George Strunz, quien había reemplazado a George Daly en "The Hangmen" a principios del 67 antes de que decidieran separarse. Taylor y Strunz se mudaron a se mudaron a Greenwich Village desde Washington DC y cambió su nombre a "Graffiti", siendo acompañados por el multiinstrumentista Steve Benderoth, el baterista Richie Blakin y el guitarrista rítmico Jon St. John. "Graffiti" lanzó un oscuro LP homónimo bajo el sello ABC en 1968 que fue coproducido por Bob Thiele (más conocido por su trabajo con muchos de los principales músicos de jazz), Eddie Kramer (más conocido por su ingeniería en los discos de Jimi Hendrix) y Jay Senter.

La inmediata impresión que deja este disco es que no se trata de un disco más del pop de su época, y esto es justamente por su propuesta tan variada y esmeradamente elaborada y pulida en detalles, arreglos y distintas partes y propuestas presentadas en un mismo sonido, es toda una aventura adentrarse en este sonido que rebosa de inventivas y propuestas que dirigen al escucha a tierras psicodélicas en un viaje insólitamente complejo para la época.

Aquí el sonido pop se diversifica en una serie de ideas pulidas puntillosamente que funcionan como un vergel de inventos que sorprenden por la diversidad en la búsqueda y por el cambio rotundo que suelen tener algunas piezas que comienzan bajo un lema pero que logran transformarse hacia estructuras que la mayor parte del tiempo avanzan en un continuo compositivo que denota la visión ambiciosa de la banda.

Debido al despliegue de elementos y diversos arreglos que caracterizan a las composiciones y a la producción, es muy tentador tildar a este sonido como proto-progresivo o incluso algunos tildan al disco como mismísimo prog, esa es una empresa algo exagerada para denominar a este disco que de todas formas es realmente aventurero en muchos aspectos y que demuestra una faceta exploratoria en gran parte del mismo, esa misma característica puede llevar a pensar que se trata de un estilo progresivo.

Lo cierto es que se trata de un disco raro y que no tuvo demasiada repercusión, pero eso se compensa con el despliegue de elementos, no solo en la variedad de la composición sino en otros detalles como pequeños temas conceptuales o tracks de diversas manufactura y duración, lo que convierte a este disco en un trabajo que se acerca al calibre de otras obras de esa era, de corte conceptual u operístico.

Finalmente el trabajo deja esa sensación de que se transitó por un sinfín de partes y rincones. El disco bien podría haber merecido más atención pública, así como también no, porque en las partes pop supuestamente más "fuertes" no termina de lograr melodías que alcancen el mote de "hit", y cuando el trabajo es realmente amplio lo es en un sinfín de piezas que son un deleite por su particular inventiva pero que no tienen un particular valor o interés comercial, el trabajo perteneció al under propio de una banda fugaz que surgió tan pronto como terminó, dejando esta joya perdida en el tiempo que será un deleite para quienes gocen con los sonidos por su creatividad y no por su pasajera popularidad o relativa respetabilidad. Para algunos esta es una obra maestra y para otros es un disco más del montón, lo cierto es que este trabajo deja algunos buenos momentos que valen la pena tener en la colección.

Formación:

George Stuntz - Guitarra
Jon St.John - Guitarra ritmica
Steve Benderoth - Bajo, teclados
Richie Blakan  - Batería, Percusión
Tony Taylor - Voz

PISTAS:

A1. Father protector

A2a. The capture of me

A2b. Lifeblood

A3a. Interlude #1

A3b. Jingle jangle woman

B1a. New life

B1b. Girl on fire

B1c. Interlude #2

B1d. Coldwater

B1e. Interlude #3

B1f. Love in Spite

B2. Ugly mascara

GRAFFITI - GRAFFITI "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas

Aguaturbia - Discografía

Discografía - Aguaturbia (1970)

"Aguaturbia" probablemente sea la mejor y más reconocida banda psicodélica de la escena rock chilena de su época, oriunda de Chile y formada en 1968 por la pareja de Carlos Corales y Denise, el baterista Willy Cavada y Ricardo Briones en el bajo. Ya formados, comenzaron a ensayar en septiembre de 1968, dejándose llevar por la influencia de los sonidos más psicodélicos como de bandas como "The Jimi Hendrix Experience" y "Jefferson Airplane", aunque también en sus orígenes y gustos había música de soul y blues el estilo de canto de Denise se inspiraba en Janis Joplin, Aretha Franklin y Billie Holiday.

Influenciados claramente por el rock & roll y blues típico de finales de los 60s (Cream, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jefferson Airplane), y habiendo bebido directamente de esa fuente de contracultura, drogas y amor libre, lanzan su primer y homónima publicación en 1970, causando un revuelo en todo el país ya que en la portada del disco aparecían los integrantes de la banda posando desnudos. El  disco es pionero en sonidos psicodélicos tanto en su Chile natal como en Latinoamérica,  por su originalidad y su particular sonido que nada tiene que envidiarle a los grupos clásicos de la época.

A pesar de que el disco consiste en su gran mayoría de reinterpretaciones de canciones de otros artistas aun así presenta un sonido interesante de rock psicodélico que bebió  directamente de la contracutlura norteamericana para enriquecerse y fortalecerse con sus virtudes y tendencias típicas. En este disco homónimo se presenta un sonido de rock que hace un guiño directo a la contracultura, tomando de referencia a la misma y plasmándose en muchos de los estándares del género, apareciendo: un cover de un tema clásico del género como lo es "Somebody To Love" (original de Jefferson Airplane), un blues lento como lo es "Some Of These Days" (original de Shelton Brooks), la reversión de "Crimson and Clover" (original de Tommy James), la versión rock de "Baby It's You" (original de Burt Bacharach), un infaltable blues como es su reversión de "Rollin' and Tumblin'"(original de Muddy Waters) y la versión del tema "Baby" (original de CarlaThomas).

Aunque el disco consista en su mayoría en reinterpretaciones aun así cuenta con una originalidad que lo ubicó entre los mejores discos psicodélicos de su época en Chile y, según la Roling Stone, entre los mejores álbumes de la historia de dicho país. Se trata de una ingeniosa reunión de muy buenos temas reinterpretados según la visión de la banda que no replicó fielmente las versiones originales sino que se animó a dotarles de su estilo propio, reversionandolas dentro del estilo del rock contracultural de la época.

En el disco solo hay dos composiciones originales de la banda, "Erotica" y "Ah ah ah ay", y justamente se trata de dos de los momentos más lisérgicos del disco, consistiendo ambas piezas en sesiones eléctricas instrumentales que funcionan como las típicas incursiones blues-rock ácidas de la época, con pleno de guitarra eléctrica distorsionada y un estilo hippie de gran goce lisérgico y delirante.

Otro gran momento del disco es el que presentan para el tema "Crimson and Clover", una reversión en la que toman la interpretación original y la extienden, recreando una extensa sesión de improvisada que entre estribillos y solos alcanza una duración de diez minutos, una gran adición al repertorio del disco que en su mayoría consiste en temas de no más de tres minutos pero que en este caso rompen para volcarse en uno de los momentos más arriesgados del disco.

El disco fue grabado en tan solo tres días, compuesto de varias reversiones y cantado completamente en inglés. El tema más controversial de su primer trabajo es "Erótica", que es una total improvisación acompañada de gemidos provocados por la vocalista. El don que adquirió el grupo en su momento sirvió como bisagra para conectar la década de los 60s y 70s, trayendo riquezas de los movimientos extranjeros y reinterpertandolas a la chilena, lo que hizo que elevaran la vara muy alto en lo que respecta a un rock psicodélico de punta, con muchos momentos fundamentales en cuanto a la experimentación eléctricas y de blues-rock.

La carátula de "Aguaturbia" mostraba a los cuatro músicos desnudos, sentados en círculo y una expresión neutra en sus caras, idea inspirada del álbum Two virgins, que John Lennon y Yoko Ono habían publicado poco antes en Inglaterra. Pero en Chile, la fotografía les valió la esperable calificación de inmorales y sucios, llegando a publicarse en la portada del periódico conservador "La Segunda" el 13 de marzo de 1970; lo cual, a la larga, se tradujo en una excelente estrategia de marketing para atraer la atención. El disco, editado bajo la etiqueta de RCA, tuvo una venta aceptable y apenas unos meses después, se editó su sucesor: Aguaturbia II (o Aguaturbia, Volumen 2), que generó un nuevo revuelo, quizás más grave que el anterior; esta vez, por una fotografía en la que aparecía Denise crucificada (una imagen inspirada en la obra «Cristo de San Juan de la Cruz» de Salvador Dalí). La polémica se mezcló con las agitaciones político-sociales del tiempo de la Unidad Popular. El grupo emitió una disculpa y una aclaración a la Iglesia católica y a la religión por el malentendido de la portada. Este álbum, antes de ser llamado así, pensaba titularse «Crucificada», pero nuevamente se les censuró el nombre y decidieron llamarle con algo más acorde a la numeración del álbum anterior.

Formación:
Denise - Voz

Carlos Corales - Guitarra

Willy Cavada - Batería

Ricardo Briones - Bajo

PISTAS:

A1. Baby

A2. Erotica

A3. Somebody to love

A4. Ah ah ah ay

B1. Rollin' and Tumblin'

B2. Some of these days

B3. Crimson and Clover

B4. Baby it's you

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas

Andromeda - Discografía

Discografía - Andromeda (1969)

Un power trío guitarrero predestinado a triunfar, que terminó haciéndolo con luces y sombras, con sus miembros desperdigados dentro de formaciones, que sí que dejaron su nombre impreso en el libro de los grandes del Rock, como "Atomic Rooster" ó "Alvin Lee" en solitario, componiendo para su propio grupo fuera de Ten Years After. "Amdromeda" como tal dejaría su firma en este homónimo trabajo, y luego desaparecería de la manera ya mencionada. John Du Cann se engancharía a las huestes de Vincent Crane y Mick Hawksworth entraría en la banda de Alvin Lee a finales de los 70, cuando la carrera del guitarra estaba en horas bajas, pero antes ya había participado en la banda de blues rock "Killing Floor", con una trayectoria errática y corta. En cuanto a Jack Collins nada más se supo, solo que fue miembro fundador y que luego fue sustituido rápidamente por Ian McLane.

Nuestros tres amigos grabaron un álbum que dejó huella y que serviría como guía a muchos grupos que más adelante se internarían por la senda del hard rock y blues rock, aunque siempre se les incluye como pioneros del progresivo o como distinguen "proto-prog". Lo cierto es que su fórmula es explosiva y conlleva muchos elementos que innovaban en el terreno del power rock. Lo primero que llama la atención es su base rítmica, un dúo brutal de batería y bajo, este último hace un trabajo descomunal dotando a los temas de un vigor que ya no desaparecerá, su presencia es envolvente y palpitante. La guitarra de Du Cann es el componente esencial, poderosa y salvaje en ocasiones se torna suave en otros pasajes, pasando de una situación a otra de forma instantánea, ofreciendo contrastes marcados (Now the sun shines, When to stop), con distorsión y fuzz a puñados se encarga de establecer una textura que rellenará todos los huecos de manera que el sonido es compacto y potente. Sus guitarrazos son hirientes, con arranques inesperados que se traducen en punteos agudos y de una velocidad endiablada.

El contenido del disco es heterogéneo y permite descubrir todas las posibilidades del tridente. El abanico de estilos es amplio dentro de su música, hard rock, blues, garaje, psicodélia, progresivo, hace que no haya una definición clara por la que se encaminen y está muy empapado de las tendencias del momento. En concreto la guitarra muestra pasión por un Hendrix que había emergido hacía poco menos de 2 años o un Alvin Lee de los mejores TYA, recordando en otros fragmentos a unos "Zeppelin" de su primer álbum.

Las melodías se revelan ásperas, rabiosas, rock en estado natural, sin aderezo, sin arreglos, salvo momentos puntuales en que insertan coros que suavizan las rugientes atmósferas. When to stop o Return to sanity destapan la faceta más progresiva de la banda, en una 2ª cara más inclinada a esta disciplina.

Formación:
John Du Cann - Voz y guitarra
Mick Hawksworth - Bajo
Jack Collins - Batería

1ª cara:
- Too old
- The day of the chance
- Now the sun shines
- Turns to dust
- The reason
- I can stop the song

2ª cara:
- Return to sanity
- When to stop
- Go your way
- Keep out'cos I'm dying

ANDROMEDA - ANDROMEDA "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Las Tierras altas del Progresivo

Julian Jay Savarin - Discografía

Discografía - Waiters on  the Dance (1973)

Este disco forma parte de una trilogía fallida planeada originalmente por el compositor Julian Jay Savarin, un músico y escritor de ciencia ficción proveniente de Dominica y radicado en Gran Bretaña en 1962, el cual comienza a idear un concepto musical propio inspirado por la activa escena de rock local. Julian Jay Savarin, nacido en 1950, un artista polifacético, músico, compositor, poeta y autor de ciencia ficción.

Se trata de una música con considerables miras progresivas, por lo que muchas  pistas cuentan con pasajes de exploración compositiva, habiendo encontrado los músicos un sonido propio dentro del cual funcionar, continuando de alguna manera con la línea que habían trabajado desde el primer lanzamiento discográfico que presentaron, "A Time Before This", publicado en 1970 bajo el nombre de "Julian's Treatment". Debido a problemas de gestión, promoción y dinero, "Julian's Treatment" desapareció rápidamente.

Julian volvió a escribir, concentrándose en la segunda parte de su trilogía que tenía en mente. Dos años más tarde, Birth records se acercó a Julian para hacer un nuevo álbum. Solo el bajista John Dover se mantenía de la formación anterior, otros músicos de la nueva banda de Julian eran Nigel Jenkins (guitarra), Roger Odell (batería) y Jo Meek (voz). En el 1973 salió el segundo álbum "Waiters On The Dance".

En esta oportunidad continuarían por esa senda conceptual, progresiva, con aires psicodélicos, con el segundo trabajo de una trilogía que no fue pero que dejó dos discos de antología dentro del sonido de la época. "Waiters On The Dance" otro gran trabajo plagado de interesantes ideas que funcionan dentro de una música rock bien elaborada, bien ornamentada, y que pretendían extender un relato que reflejaba la poética, lírica y literatura desarrollada por el compositor Julian Jay Savarin en sus publicaciones bibliográficas personales.

Consiste en una obra conceptual basada en una trilogía de libros de ciencia ficción escrita precisamente por el mismo autor, el concepto de la trilogía de libros y la posterior idea de la creación conceptual de una música basada en cada uno de los libros, que daría como resultado, en principio, la aparición de un par de trabajos discográficos, demuestran que el autor se había comprometido en una búsqueda artística (literaria y musical) y que se había tomado el tiempo necesario para procesar y madurar en él mismo el concepto buscado, siendo esta música el fruto de un arduo y esmerado trabajo que refleja los conceptos literarios, poéticos y filosóficos propios del autor.

Las composiciones varían en su complejidad progresiva, desde las composiciones más simples como "Stranger" o "Soldiers Of Time", hasta la primera pieza del disco, "Child of the Night" que se revela con pasajes épicos con una construcción considerablemente extensa, plagada de buenas improvisaciones y algunas partes de esmerada composición que se extienden en el tiempo y el espacio especialmente en forma de sesión, o también aparece la pieza "Dances of the Golden Flamingoes" que consiste en una pieza progresiva sofisticada propiamente dicha.

De alguna manera "Waiters on the Dance" es una continuación conceptual y artística del primer disco publicado por el autor, "A Time Before This", donde se aprecia una clara evolución musical, pasando primeramente por sonidos más psicodélicos y con visiones progresivas prototípicas, hasta llegar al segundo disco donde se presentan visiones progresivas más acabadas y complejas.

En este sonido repercuten los ecos artísticos de su época, con visiones conceptuales típicas, búsquedas ambiciosas de crear obras gigantescas, la ambición para buscar y fusionar estilos y tratar de crear algo nuevo, y la forma de relacionar conceptualmente la literatura con la música tratando de tender puentes hacia estructuras plagadas de simbolismos.

Formación:

Julian Jay Savarin - Órgano 

Nigel Jenkins - Guitarra

John Dover - Bajo

Roger Odell - Batería

Jo Meek - Voz

PISTAS:

A1. Child of Night 1 & 2

A2. Stranger

A3. The Death Of Alda

B1. Dances of the Golden Flamingoes

B2. Cycle

B3. Soldiers of Time

JULIAN J. SAVARIN - WAITERS ON THE DANCE "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas

The Medium - Discografía

Discografía - The Medium (1969)

Grabado en Montreal en 1969 y publicado simultáneamente en Gamma con el álbum de "Anthony Green & Barry Stagg", el único álbum del grupo de habla inglesa "The Medium" bien podría ser citado como uno de los primeros en Quebec en aventurarse en el mundo. El medio, el material; este sólido apodo parece aprovechar el popular dixit que acuñó Marshall McLuhan en 1964: El medio es el mensaje. No habría habido ningún daño en usarlo como un truco, publicidad: este eslogan habría sido en su mérito. El grupo estaba compuesto por Steve Blackwell (percusiones), Robert Ellis (voz, armónica), Pierre Latreille (guitarra), Neil Mallot (bajo) y James "Jim" Solkin (órgano, piano), quien firma todos los títulos del álbum. También es este talentoso teclista quien al mismo tiempo compuso principalmente la banda sonora de la película de culto de Claude Jutra, "Wow". Esta banda sonora (que lamentablemente no fue lanzada como álbum) hará las delicias de los conocedores, ofreciendo tantos extractos del álbum como pistas inéditas del grupo. La película es un testimonio franco y hábilmente farsante de la juventud de Quebec a principios de la década de 1960: visualización esencial, cortesía de la NFB. Vea además una actuación mimetizada de los actores en un nuevo título a 37m00s. ¿Podría ser este también el verdadero cantante del grupo? No lo creo. Los créditos de la película lo nombran Dave; su retrato no aparece en la portada del álbum, pero su interpretación, incluso en lipsync, sigue siendo bastante convincente.

Según el libro de referencia La Merveilleuse Époque... de Léo Roy, el baterista Luc Robert del grupo "La 5e Dimension" habría sido miembro de "Médium" tras la disolución de su primer grupo. Lo mismo ocurre con el cantante de "Benjamin & the Incas", Laurent "Benjamin" Bégin. ¿Habrían sido miembros antes o después del registro o utilizaron seudónimos?, ¿Estábamos hablando de otro grupo llamado Médium de manera similar?. Por el momento, no puedo confirmar nada. A seguir...

De vuelta a la música. El quinteto orbita alrededor de las vibraciones que emanan del Hammond y una panoplia de órganos combinados, siguiendo la fiera cadencia impuesta por la digitación de Solkin. Por el momento, no puedo proponer equivalentes de Quebec, y mucho menos de habla francesa; después de todo, la ola emergente del rock progresivo PQ no comenzaría hasta más tarde, con entre otros el álbum "VEBB" o "Dimension M" de Franck Dervieux en 1972. Con sus atmósferas dramáticas que revelan melodías pegadizas, casi circenses, el álbum se sitúa bien en un movimiento de jazz luego tomado prestado por artistas psicodélicos estadounidenses. Bandas como "Phluph" y "Mandrake Memorial", apoyados por organistas tan fragmentados como minuciosos, no dudaron en poner los teclados a la vanguardia para situar mejor su fusión de jazz con ambientes rockeros, barrocos y lisérgicos como plus. Estéticamente, se podría trazar un paralelo con el oscuro grupo "Aggregation" que publicó en 1969 un álbum de extrañas canciones atmosféricas... casi de circo, precisamente, donde una reciente serie de shows en residencia en Disneyland inspiró un cruce entre su banda sonora para el pabellón de Tomorrowland y la experiencia lisérgica. ¡Qué viaje!.

Las influencias del jazz están más presentes en "The Medium", la voz queda relegada a un segundo plano detrás de la destreza del organista y los vuelos de contrapunto de Latreille, tan corrosivos como minuciosos. El juego de ese insuflar además de sabor a costa oeste en absoluto. Se requieren pausas instrumentales prolongadas, pero desarrollan atmósferas que son a la vez dramáticas y lúdicas.

En su libro, el colectivo estadounidense "Acid Archive" elogió la inventiva del grupo y el aspecto no lineal de las estructuras musicales, pero al mismo tiempo criticó la destreza vocal de Ellis. Si es cierto que el cantante no duda en dramatizar por momentos su interpretación, su canto está lejos de ser tan falso como lo critican. Ciertamente hay algunas diferencias en "In Between", pero en última instancia, su interpretación se une al delirio impuesto por la melodía "New Thing", un título apropiado para esta pieza instrumental, ya anuncia grandes cosas en la introducción: un baterista de jazz habilidoso, un órgano pesado, un solo de guitarra incisivo.

La melancolía de "My lady lies forever" calma la cadencia y revela un Ellis que es lo suficientemente lírico. En mi opinión, es este aspecto de su canto el que debería recordarse; Sin inflar su interpretación hasta el punto de personificar al "Rey Lagarto", Ellis navega con cierta moderación, consciente de sus límites vocales. Más adelante, el grupo adoptará un enfoque aún más íntimo sobre el frágil "Two by two" (voz, piano, maracas), donde el cantante, más desenfadado, hace una pausa breve con el estilo más explosivo que ofrece en el resto de los temas. "Give me a Peace" también comienza con suavidad antes de evolucionar hacia un barroquismo roll, rifle y fuzzy suite. Puedes sentir toda la energía de una actuación grabada en directo. Mientras que "The Mouse" o "Melon" parecen posponer las cosas sin desarrollar estructuras sólidas o melodías memorables, el grupo se une porque por fin con "I'll Love Everyone At Last". La canción está basada en diferentes estilos que Roy Wood (The Move) o Keith Ermerson (The Nice) habrían apreciado, pasando de un vals barroco a impulsos más fogosos y espasmódicos. Junto con "My Lady Lies Forever", este título tenía potencial y podría haber sido lanzado en 45 rpm, pero Gamma optó por apostar solo por el LP; que yo sepa, ningún single fue tomado del álbum. "In Between" con sus melodías inquietantes y su interpretación bulliciosa intensifica el efecto circense descrito anteriormente. ¡Traigan a los acróbatas!. "Stars" concluye todo con una nota bastante feliz; una composición laboriosa e inquieta, intercalada con una melódica encantadora (¿o es un acordeón?) y puntuado por cánticos en la confusión. Esta canción recordará la interpretación imitada de la película de Jutra.

A través de sus atmósferas psicodélicas, sus estructuras atípicas y su toque de teclado bordeando las demostraciones hipertrofiadas que pronto impondría el rock progresivo, el único legado del grupo The Medium ya estaba allanando el camino que pronto tomarían muchos artistas quebequenses. Al notar toda la inventiva de este quinteto, resulta más que tentador imaginar una secuela de este largo juego. El grupo tenía mucho potencial; podría haber evolucionado y ganado sin demasiadas dificultades en la década siguiente. Lástima que la aventura no fuera de tan corta duración... Unos años más tarde Solkin produciría la banda sonora del documental sobre animales "La volée des neiges" (1976) y al mismo tiempo cofundó "Café Santropol" (Montreal), pero ¿qué pasó con los otros miembros talentosos de este grupo?. A saber.

En definitiva, buen álbum en el que aunque no hay momentos progresivos de gran tamaño aquí, pero sin embargo, grandes y extensos solos.

Formación:

• Neil Malott - Bajo
• Pierre Latreille - Guitarra
• James Solkin - Órgano, Piano
• Steve Blackwell - Percusiones
• Robert Ellis - Voz, Harmonica

PISTAS:

A1. New Thing

A2. My Lady Lies Forever

A3. Give Me A Peace

A4. Two By Two

B1. The Mouse

B2. I'll Love Everyone At Last

B3. In Between

B4. Melon

B5. Stars

THE MEDIUM - THE MEDIUM "ÁLBUM COMPLETO"

Reign Ghost - Discografía

Discografía - Reign Ghost (1969)

Hacia finales de los 60's en Oshawa, Canadá, había un par de grupos que eran los más importantes del lugar: "Christopher Columbus Discovery of New Lands Band" y "Reign Ghost", ambos solían ser competencia directa en hacer refritos de los éxitos psicodélicos del momento, sin embargo, el vocalista de Reign Ghost se retiró del grupo a principios del 68, dejando el lugar abierto a los adolescentes Bob Bryden (quien fungía como baterista de Christopher Columbus) en la guitarra y a su novia Lynda Squires (quien era cantante del mismo grupo y poseía una voz bellísima), de ahí el grupo prescindió de los covers para comenzar a componer material original, mayormente compuesto por Bryden quien ahora era guitarrista rítmico.

 A fines de 1968, el grupo logra grabar su primer disco, el cual estuvo compuesto en su totalidad por material original y salió a principios de 1969, lo que llevó al grupo a tener giras los fines de semana y finalmente disolverse en ese mismo año, aunque al final Bob Bryden y Lynda Squires lo reformaron con nuevos miembros, grabando así su segundo disco que saldría hasta 1970.

El grupo se volvió a separar, ya que Lynda Squires terminó audicionando para el musical "Hair" y Bob Bryden formó a "Christmas", un grupo de psicodélia y progresivo que sacó tres discos durante su existencia.

La música de Reign Ghost a pesar de tomar mayormente influencias gringas, sigue siendo muy original y peculiar, ya que si bien, sus composiciones desprenden una insólita finura pocas veces vista en un grupo de su estilo, al mismo tiempo podían sonar tan crudos y directos como un grupo de garage de mediados de los 60's, por lo que sus canciones pueden ir de lo íntimo, romántico, gótico y sublime a lo naif, circense, inocentón y chistoso sin sonar en lo más mínimo kitsch, bobalicones, toscos o incluso vampíricos, creando así una música que de alguna manera está basada en los contrastes pero que nunca pierde el ingenio, la creatividad y la honestidad, y para que esto haya sido hecho por un grupo conformado por adolescentes que no pasaban los 16-18 años de edad es un GRAN logro, ya que además de que la música ya presenta rasgos de genialidad, la instrumentación es impecable, los arreglos son extraordinarios, la mezcla de influencias es impresionante, pues hay rasgos de folk, sunshine pop, blues, música medieval, música clásica de la India, música clásica occidental, jazz, waltz e incluso algo de bubblegum, todo ello empacado en una psicodélia de altos vuelos y tampoco hay que olvidarnos de la performance de Lynda Squires quien con solo 17 años de edad ya poseía una cualidad casi operática en su voz y eso era porque desde niña comenzó a cantar en los coros infantiles de las iglesias locales de Oshawa, por lo que se podría decir que su entrenamiento vocal vino de la música clásica y al haberle tocado la época de la psicodélia, terminó cantando rock, sin embargo, esto no la colocaría realmente en la misma categoría de Grace Slick y Janis Joplin, sino en la de cantantes como Mary Travers, Judy Collins, Joan Baez o incluso Mercedes Sosa y Violeta Parra, sin embargo en el rock también existieron cantantes que llegaban a esa cualidad operática en el rock como Conny Devanney de "Ill Wind", Barbara Hudson de "Ultimate Spinach", Patty MacKenzie de "la Comuna", Gloria Lambert de "Haymarket Square", Patti Curtis de "These Vizitors", entre otras, por lo que podríamos decir que Lynda comparte rasgos musicales muy importantes con estas últimas, que además de todo, son cantantes muy olvidadas o desconocidas para el público general, sin embargo son de las mejores cantantes de rock de los 60's.

El disco comienza con Travels of Blue Paradox, que tiene un comienzo un tanto oscuro influenciado por la música de la película "2001: Odisea en el Espacio" en donde Bob Bryden va recitando unas palabras en modo muy a la "Ultimate Spinach" para pronto convertirse en un tema con reminiscencias tanto medievalistas como de la música clásica de la India, es una psicodélia muy viajada pero que raya con lo gótico y lo etéreo mientras que la voz de Lynda Squires realmente brilla, de alguna manera este tema los podría convertir en el equivalente canadiense de "Ill Wind", "la Comuna" o incluso de los "Music Emporium". Una de sus mayores obras maestras.

Long Day Journey, es una canción romántica que tan solo está acompañada de 2 guitarras -una eléctrica y otra acústica- y un bajo con un arreglo casi folk y otra vez Lynda se encarga de darle ese aspecto angelical con su interpretación. Obra maestra.

Standing Room Only, Mr. Mars, se supone que fue la primera canción que compuso Bob Bryden cuando tenía 16 y según su autor, toca temas un tanto escabrosos para la época como la alienación juvenil ante la sociedad. Por otro lado, la canción es bellísima, una de las mayores obras maestras del álbum y la interpretación es verdaderamente sublime.

Eyes Know, So Does Ears and Carolina, es psicodélia con bastantes cambios que de alguna manera vuelve a recordar a Ultimate Spinach, aunque con una composición más elaborada, aquí hay una mezcla de partes pausadas con otras más alegres que rayan con el pop psicodélico al igual que en los dos primeros discos del grupo bostoniano. Obra maestra.

Curio Shop, es un waltz psicodélico bellísimo que va en el mismo tono que The Masquered Murderer y Janis de "Country Joe & The Fish" o incluso de Baroque #1 de "Ultimate Spinach", pero con la voz de Lynda se vuelve otra obra maestra.

Black Ode, ya muestra cierta influencia del blues, que según Bob Bryden suele despreciar por monótono, sin embargo, este tema no es de su autoría, sino del tecladista Dave Hare, aquí también se puede apreciar cierta influencia doorsiana y un fuzz asesino por parte del guitarrista Jim Stright. Temazo.

Gum Wrapper Song, es una parodia al bubblegum, por lo que se trata de un tema un tanto bobalicón y naif, pero esa era la intención y es una canción divertida de escuchar si uno tiene la suficiente madurez para aceptar el humor y el sarcasmo en la música, de otra manera, pueden evitarlo si gustan. Por otro lado, este tema muestra también la forma magistral de la banda de contrastar los otros temas que rayan en lo hermoso con algo que suena cursi, infantiloide y hasta manso si ustedes quieren, sin caer en un kitsch fastidioso o en una mofa grosera e insoportable.

Southern Hemisphere Blues Legacy, es rock ácido con cierta influencia sanfranciscana y bostoniana, pues se escuchan ecos tanto de "Jefferson Airplane", "Country Joe & The Fish", "Quicksilver Messenger Service" y los "Animals" como de "Ultimate Spinach".

Para cerrar con broche de oro tenemos Reaching, que de alguna manera vuelve al mismo tipo de composición que Eyes Know pero esta vez con un aspecto menos romántico y más viajado que el anterior, además de que tiene más cambios, en los cuales podremos notar influenciar una especie de deconstrucción estilística en la que encontramos rock ácido, raga rock, blues, música circense y pop psicodélico, además del final con trémolo completamente cipollinesco. Obra maestra.

PISTAS:

A1. Travels of Blue Paradox
A2. Long Day Journey
A3. Standing Room Only, Mr. Mars
A4. Eyes Knows, So Does Ears and Carolina
B1. Curio Shop
B2. Black Ode
B3. Gum Wrapper Song
B4. Southern Hemisphere Blues Legacy
B5. Reaching

REIGN GHOST - REIGN GHOST "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas

Discografía - Stud

Discografía - Goodbye: Live at Command (1973)

Cuando Taste se disolvió en 1970 Rory Gallagher comenzó una fulgurante y fructífera carrera en solitario. Pero ¿que pasó con el batería John Wilson y el bajista  Richard  McCracken compañeros de Rory en dicha formación?. Hoy desvelaremos el enigma.

Stud se creó en 1970 teniendo en su formación a John Wilson (batería), Richard  McCracken (bajo) y  Jim Creagan que había estado con los "Blossom Toes". Su primer disco, "Stud", lo edita Deram en 1971 con escaso éxito excepto en Alemanía donde realizan una  gira. Al año siguiente prueban suerte en otra discográfica, BASF, y publican "September" con la incorporación de John Weider (Family, The Animals). El resultado fue el mismo, fracaso absoluto. Un año más duró el proyecto.  BASF publicó posteriormente "Goodbye" (1973).

Esta grabación editada cuando Stud ya se habían separado es considerada con el tercer disco de la banda. El concierto se celebró en los estudios Commond de Londres en mayo de 1972 ante un reducido número de personas. Musicalmente podemos encontrar casi de todo. Tiernas baladas como "Samurai" y "Ocean Boogie". La curiosa "Big Bill's Banjo Band" donde el protagonista es el banjo. Y por fin los dos platos fuertes. "Horizon No.2", composición de algo más de 18 minutos donde los protagonistas dan rienda suelta a sus instintos rockeros con los correspondientes solos de cada uno de ellos. Improvisación, jam, todo en uno. Finalizan con "Harpo's Head", un experimento jazz rockero donde el violín de John Weider nos puede recordar a lo que hacía Jerry Goodman en la Mahavishnu Orchestra.

Formación:

Richard "Charlie" McCracken: bajo

John Wilson: batería

John Weider: guitarra, teclados, violín, voz

Jim Cregan: guitarra, voz

PISTAS:

A1. Samurai - 2:45

A2. Big Bill's Banjo Band - 1:07

A3. Horizon No.2 - 19:48

B1. Ocean Boogie - 3:27

B1. Harpo's Head - 16:52

STUD - GOODBYE: LIVE AT COMMAND "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Rockliquias

From - Discografía

Discografía - Power On! (1972)

From fue una banda del sur de Alemania de la década de los 70 que para el resto del mundo pasó totalmente desapercibida. Excelentes músicos que nos dejaron como legado dos discos. Hoy analizaremos su segundo trabajo "Power On!

No se tienen muchos datos sobre este grupo pero todo parece indicar que se formaron en 1970 teniendo en sus filas a Kurt Bong (batería), Dieter Von Goetze (bajo), reputado bajista que llegó a tocar junto a Dizzy Gillespie, Klaus Göbel (teclados) y Gustl Mayr (saxo). En el 13º Festival de Jazz de Frankfurt causan sensación. Su primer disco llega en 1971 "0611 Cat Quarter" y el segundo llegaría al año siguiente "Power On!".

Este segundo disco de los alemanes FROM es una joya perdida de las que aparecen de vez en cuando. La grabación contiene tan sólo tres temas, prácticamente instrumentales, que se mueven por la senda del jazz rock aunque sinceramente pienso que están más cercanos al primero que al segundo. El primer tema, "Festival Rock / Use The Bridge", ocupa toda la primera cara y ya podemos darnos cuenta del virtuosismo de los músicos de esta banda. Por una parte tenemos a un saxofonista, Gustl Mayr, que sigue fielmente los parámetros marcados por Miles Davis. En las teclas tenemos a Klaus Göbel, una mezcla entre Joe Zawinul-Brian Auger-Keith Emerson, su uso del piano eléctrico y del Hammond es espectacular. Al bajo, Dieter Von Goetze, con una líneas rítmicas que van más allá de un mero acompañamiento. Por último tenemos al batería Kurt Bong, con una forma de percusionar muy cercana al jazz extrayendo nuevas sonoridades con sus baquetas. En el segundo tema "Catalyst" podemos escuchar las percusiones latinas-africanas del invitado Viktor F. Belgrove. Atentos a la parte final de este tema. Sublime. El disco finaliza con "Fog In Rossert " que incluso nos puede sonar a los primeros Colosseum pero mucho más jazz.

Formación:

Kurt Bong - Batería

Dieter Von Goetze - Bajo

Klaus Göbel - Teclados

Gustl Mayr - Saxo

PISTAS:

A1. Festival Rock / Use the Bridge (17:30)
B1. Catalyst (9:18)
B2. Fog in Rossert (7:11)

FROM - POWER ON! "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Rockliquias