Iceberg - Discografía

Discografía - Tutankhamon (1975)

Todo el LP está constituido en realidad por una sola obra, dividida en nueve cuadros sonoros, de entre uno y cinco minutos de duración cada uno, más los añadidos al principio y al final del tema instrumental “Tebas”, a modo de preludio y epílogo.

Llama la atención en una primera escucha los abruptos cortes que marcan el final de cada cuadro sonoro para enseguida enlazar con el siguiente. Otra característica de todo el LP son los continuos diálogos, unas veces pausados y dulces y otras sumamente agresivos que mantienen la guitarra de Max Sunyer y las teclas de Kitflus, bien secundados por el bajo y las percusiones, que bastante tienen con seguir a los dos monstruos anteriores en las difíciles sendas tonales y rítmicas por las que transita toda la obra.

El punto más débil del grupo es sin duda el cantante, con escaso registro y con una voz demasiado impersonal para poder competir con sus compañeros instrumentistas. Aunque no sea culpa suya, tampoco ayuda a la coherencia interna de la obra el hecho de que unos temas estén cantados en inglés y otros en castellano.

El álbum, lejos del elitismo que se le presumía, resultó un bombazo y puso al grupo en los primeros puestos de las listas de ventas de LPs.

Podríamos elegir cualquier corte para ilustrar este comentario, pues ya digo que forman parte de un concepto unitario. Nos quedamos con “Tebas”, el brillante pasaje instrumental compuesto por el teclista Kitflus para dar comienzo y final al álbum.

“Prólogo” supone una explicación del concepto de la obra. Su letra mantiene un aire de rebeldía bien transmitido por el cantante. Es la parte más comercial y cañera de la obra y trata de llamar la atención del oyente y meterlo dentro del hilo argumental.

“Himno al sol”, un tema seminstrumental, intimista, cantado con la voz doblada. El piano eléctrico explora una serie de posibilidades sonoras y un pegadizo punteo de guitarra que se repite en varias ocasiones a modo de riff configuran uno de los mejores momentos del álbum.

Formación:

Primitivo Sancho - Bajo
Jordi Colomer - Batería
Josep Mas "Kitflus" - Piano, Órgano, Sintetizador, Mellotron
Max Sunyer - Guitarra
Ángel Riba - Voz, Saxo

PISTAS:

A1. Tebas (4.35)
A2. Prologo (4.19)
A3. Sacerdotes de Amon (4.08)
A4. Amarna (3.35)
A5. Lying on the Sand (1.49)
A6. Amenofis IV (1.16)
B1. Himno al Sol (3.08)
B2. La Muerte (2.53)
B3. Close to God (2.56)
B4. Too Young to be a Pharaoh (5.27)
B5. Tebas (3.05)

ICEBERG - TUTANKHAMON "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Lafonoteca

Canarios - Discografía

Discografía - Ciclos (1974)

Se trata sin duda de la obra más ambiciosa de Teddy Bautista y una de las más ambiciosas llevadas a cabo en la música española. Es la obra cumbre del rock sinfónico español y equiparable a las realizaciones de "Emerson, Lake and Palmer", el superteclista japonés Tomita o los grupos holandeses como "Ekseption" o "Focus". Se editó como un doble LP que incluía un tema completo en cada una de las caras, con una duración total de 73 minutos.

Basada en Las Cuatro Estaciones de Vivaldi, no se trata de tocar las Cuatro Estaciones con instrumentos electrónicos, sino de desarrollar las melodías que la forman. Aquí la primavera, el verano, el otoño y el invierno del año solar están sustituidas por cuatro actos o transmigraciones -así las denomina el álbum original- dedicados al nacimiento, juventud, madurez y vejez respectivamente.

De los "Canarios" sólo quedó el nombre, pues salvo Teddy Bautista (voz, mellotrón, sintetizadores Moog, etc) y el batería Alain Richard, los demás componentes son totalmente nuevos en la formación. Antonio García de Diego (guitarras y voz), Matías Sanveillan (piano y teclados varios) y Christian Mellies (bajo). Aunque no hay que olvidarse de numerosos invitados entre los que destacan por la cantidad y calidad de sus aportaciones la soprano Rudmini Sykmawati y el director de coro y arreglista de las partes vocales, Alfredo Carrión.

«Paraíso Remoto» se inicia con un caos de sintetizador que da paso a una melodía angustiada gritada más que cantada por la parturienta soprano que conduce al llanto de un niño. A partir de ahí, surge la Primavera de Vivaldi con su conocida melodía y un lujoso despliegue de teclados y punteos de guitarra.

En «Abismo Próximo» brillan los coros en un principio con un apoyo de teclados algo desbocados. En la parte central, una de las más bellas y sencillas melodías del disco acompañada por piano eléctrico y vibráfono, rompe el barroquismo anterior recargado de instrumentación. Sigue un solo de guitarra de ascendencia progresiva muy bien ejecutado, pero que poco o nada tiene que ver con lo anterior… ni, por supuesto, con Vivaldi. Un secuenciador en obstinato y una batería a tiempo de marcha conduce a la más conocida melodía de "El verano", interpretando por los teclados, con la que Antonio Vivaldi quiso representar las tormentas veraniegas y el alocado zumbido de las moscas e insectos que la anuncian. Sorpresivamente, la tormenta escampa para convertirse en un bolero clásico, tipo "Los Panchos", interpretado por el Trío Porteño.

«Ciudad Perdida» es el acto más recargado del álbum. Al habitual despliegue electrónico y percusivo se unen gritos, toques de flamenco, música coral clásica, jazz y gregoriano con campanas de iglesia.

«El Eslabón Recobrado» se abre con un suave solo de piano en crescendo mezclándose con percusiones, bajo y una guitarra dislocada. Alain Milhaud intervino en las mezclas del corte «Crisis» donde hay una ruptura musical y la participación del coro que realizan un excelente y original juego de voces dándole un toque moderno, que da paso a un solo de bajo arreglado en el llamado «Ballet de las Sombras». El apocalíptico final, que ocupa los últimos cinco minutos, contiene una hiperactiva instrumentación de rock con una melodía «vivaldiana» interpretada por los teclados y respondida por la guitarra solista.

La primera vez que escuché Ciclos, hace ya muchos años, me pareció un rollo. Poco a poco he ido cogiéndole el gusto. Desde luego el trabajo de meses de grabación, el cuidado al detalle de todos los pasajes, la interpretación y el despliegue de medios técnicos de la época merecen al menos una segunda escucha. Baste como ejemplo de ese despliegue técnico decir que técnicos de la casa Moog se desplazaron a España para programar y afinar los sintetizadores.

En su momento fue el disco de mayor presupuesto grabado en nuestro país. Sólo la grabación costó 2,6 millones de pesetas (una fortuna para la época), que al no ser en un primer momento recuperada ni de lejos por la discográfica aceleró la desintegración del grupo.

Una música espesa, calificada por algún crítico como “un gran monumento a la nada”, que tiende a ganar con el tiempo, incomprendida y vituperada en su época, pero que a lo largo de los años se ha abierto un hueco como una de las cimas de rock sinfónico mundial.

Formación:

Eduardo "Teddy" Bautista - voz, Mellotrón, sintetizadores Moog

Alain Richard - Batería

Antonio García de Diego - Guitarras y voz

Matías Sanveillan - Piano y teclados varios

Christian Mellies - Bajo

PISTAS:

LP1:

A1. Primer Acto: Paraíso remoto
B1. Segundo Acto: Abismo próximo

LP2:
A1. Tercer Acto: Ciudad Futura
B1. Cuarto Acto: El eslabón recobrado

CANARIOS - CICLOS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Lafonoteca

Gila - Discografía

Discografía - Gila "Free electric Sound" (1971)

"Gila" fue una banda de rock progresivo-psicodélico alemana, que comúnmente es encasillada en la corriente del Krautrock, aunque personalmente nunca he podido hacer una real diferencia entre lo que es el Krautrock y el progresivo a secas, puesto que más allá de lo que se sabe sobre el nombre que se le dio a la corriente de grupos alemanes progresivos (krautrock), en el caso de "Gila", como que no encaja totalmente en este subgénero y más bien, retoma la dirección del progresivo tradicional, recordándome en grandes pasajes a lo que hizo "Pink Floyd" en su momento. Entonces más allá de reconocer que es una banda alemana, no me logra cuadrar su sonido con el del resto de bandas del Krautrock.

Este disco, lo considero una verdadera eminencia musical, con sonidos expropiados de otras dimensiones, quizás algún viaje astral que se pegaron o simplemente una alineación planetaria que iluminó a estos seres de luz llenos de creatividad y virtuosismo.

Ahora que lo estoy repasando mientras hago esta entrada, asimilo algunos pasajes marcados por la guitarra, muy similares a "The Doors" con su temón "The End" en la canción "Kollectivität" que es el quinto track del disco.

"Gila" del 71’ es su homónimo y primero que se sacó la banda, aunque tiene cono subtitulo "Free Electric Sound" pero solo subtitulo. Por lo que he encontrado navegando en la web, tiene 2 discos más, uno del 74’ y uno en vivo lanzado en 1999 pero de un recital del año 72’, aún no lo he escuchado, pero sería interesante saber cómo sonaban en vivo estos guachos.

Formación:

Daniel Alluno – Batería, percusión

Fritz Scheyhing – Guitarra, teclados

Conny Veit – Guitarra, Sintetizador, voz

Walter Wiederkehr – Bajo

PISTAS:

A1. Aggression (4:33) A
A2. Kommunikation (12:47)
B1. Kollaps (5:30)
B2. Kontakt (4:30)
B3. Kollektivität (6:40) 
B4. Individualität (3:36)

GILA - GILA "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: SÁCATEUNCÓMPAC

Brainticket - Discografía

Discografía - Cottonwoodhill (1971)

"Brainticket" fue la creación de Joel Vandroogenbroeck, un belga que vivió en Suiza y que comenzó a estudiar piano clásico antes de decidirse por el jazz. Recibió el premio Art Tatum como el pianista más joven de jazz a la edad de quince años y pronto salió de gira por Europa y África.

Mientras tocaba jazz encontró una gran inspiración en los sonidos que emanaban de los artistas alemanes de krautrock como "Can", "Amon Duul II" y "Tangerine Dream", y bajo la influencia de estos grupos, junto al guitarrista Ronn Byer, reclutó al batería Wolfgang Paap para formar el trío que se llamaría "Brainticket".

Su primer álbum fue "Cottonwood Hill", lanzado en 1971. Este debut pronto suscitó controversias al estar relacionado con las drogas psicodélicas, tanto que el álbum se vendió con una etiqueta que avisaba de que "solamente deberías escuchar una vez al día este disco porque tu cerebro puede destruirse". Esto llevó a que el álbum se prohibiera en muchos países incluyendo los Estados Unidos.

Para la grabación del disco la banda estuvo compuesta por Ron Bryer en guitarra, Werner Fröhlich en bajo, Helmuth Kolbe en teclados, Cosimo Lampis en batería, Dawn Muir en voz, Wolfgang Paap en percusión y Joel Vandroogenbroeck en teclados, flauta y voz.

En si el disco es relativamente simple y corto, basado en bases repetitivas previsibles… pero musicalmente muy atractivas, manejándose dentro de un rock psicodélico experimental, con onda medio funky, muy bien ornamentado. Aunque lo que hace de este disco algo tan llamativo, es la acidez que despide en cada momento. Se vuelve famoso por los 27 minutos de "Brainticket Pts 1 y 2", una mezcla de efectos de sonido lisérgicos extraños, loops de cinta, voces femeninas paranoides y orgásmicas, y la improvisación electrónica, todo ello frente a un insistente juego en el órgano Hammond que marca las bases de las sesiones. Esa sesión psicodélico-electronica, es a la vez espacial, cósmica, espiritual, introspectiva y poética, altamente cargada de una intensidad profunda que, en medio de un viaje acido, podría llevarte hacia lugares insospechados.

Al ver la cantidad de músicos que integraron la grabación del disco, me queda la sensación de que podrían haber hecho algo más, los sonidos que alcanzan son muy buenos y, de haber incluido más temas con el mismo tractivo, tal vez el disco hubiese cobrado más importancia dentro de la escena psych y kraut. Aun así, es un disco de alto calibre y ya en sí mismo es legendario y tiene su culto, creado por fieles seguidores de los sonidos freaks psicodélicos de la banda.

Desde entonces la reputación de "Brainticket" como una banda experimentadora del underground y de la música de vanguardia se solidificó. Tras la muerte de Bryer, Joel comenzó a explorar los sonidos electrónicos y se trasladó a Italia donde conoció a su mujer Carole Muriel. Con un par de músicos suizos, el guitarrista Rolf Hug y el bajista Martine Sacher, publicó el segundo trabajo del grupo, "Psychonaut". También participó en una ópera rock en colaboración con el compositor de cine Bill Conti y Joel comenzó a trabajar en nuevo álbum de "Brainticket" basado en el Libro de los Muertos egipcio. El nuevo álbum, "Celestial Ocean", contaba la experiencia del más allá en el tiempo y el espacio de los egipcios, una vez traspasada la línea de la vida, en un ambiente de desiertos y pirámides. Fue este álbum, publicado en 1973, el que llevó a "Brainticket" a la fama mundial.

Joel continuó con nuevas creaciones, llegando a publicar un par de álbumes más bajo el nombre de "Brainticket", incluyendo la grabación de Alchemic Universe en 2000.

En una reciente entrevista con el escritor Dave Thompson, Joel afirmaba que: "No éramos un grupo, éramos un lugar donde se realizó la creación y este lugar era Cottonwoodhill, aunque nunca se mencionó en los álbumes posteriores. Además de tratar que existiera una unión, cada grabación incluía a gente distinta. En general todo fue a nuestro favor. Hubo un encuentro, una inspiración, una producción y después, todo el mundo siguió su camino. Creo que esto es lo que hizo a "Brainticket" un grupo original que se alejaba del concepto de una banda convencional. Teníamos algo diferente que ofrecer.

Formación:

Ron Bryer - Guitarras
Werner Fröhlich - Bajo

Helmuth Kolbe - Teclados

Cosimo Lampis - Batería

Dawn Muir - Voz

Wolfgang Paap - Percusión

Joel Vandroogenbroeck - Teclados, Flauta y voz

PISTAS:

A1. Black Sand

A2. Places of Light

A3. Brainticket (Part 1)

B1. Brainticket (Conclusion)

B2. Brainticket (Part 2)

BRAINTICKET - COTTONWOODHILL "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas

Virus - Discografía

Discografía - Revelation (1971)

No mucha información he encontrado sobre "Virus", se trata de una banda psicodélica alemana, nacida en 1970, en la ciudad de Bielefeld, la cual tuvo una corta carrera desarrollada alrededor de entre principio de los 70s. Lanzaron dos únicos álbumes el mismo año, y al parecer se trató de una experiencia musical esporádica, creada en el momento, pero con poca repercusión, por lo que no duraron mucho tiempo juntos.

"Revelation" es su primer trabajo, de 1971, grabado en Star Studios, Hamburgo y producido por Konrad Plank. La alineación de la banda para este primer álbum es: Werner Monka (guitarra), Jorg-Dieter Krahe (órgano), Bernd "Molle" Hohmann (voz, flauta), Reinhold Spiegelfeld (bajo) y Wolfgang Rieke (batería). Se trata de un trabajo de rock psicodélico un tanto pesado, con texturas progresivas, pasajes espaciales, presentado todo en un claro sonido krautrock. Su música incorpora distintos elementos los cuales se hayan incluidos dentro de las largas piezas que componen el disco. Tres de las cinco piezas del disco duran alrededor de 10 min., tiempo suficiente para que la banda despliegue sus potencialidades, piezas en gran parte duras, con un rock heavy en guitarras y bases potentes.

Dejan bien en claro que influencias tenían, marcan bien un sonido que se acerca por momentos a "Deep Purple", especialmente por los teclados, también resaltan algún pasaje muy a lo "Pink Floyd", con efectos de sonido tipo "Set the Controls for the Heart of the Sun" y/o partes bien rockeras con melodías en guitarra. Por otra parte, interpretan en medio de la primera pista, el tema "Paint in black" de los Rolling Stones. Tanto acercamiento hacia sonidos ajenos, hace que no sean tan tomados en serio por quien los pueda escuchar, pero lo cierto es que tienen su personalidad y, por ejemplo, logran sonidos floydeanos muy buenos como para tratarse de una banda totalmente desconocida.

Por otro lado, también es destacable la estructura del disco, con varios temas de sesión, largos, repletos de atascos, una parte solo del bajo, pasajes psicodélicos muy agradables y medio oscuros, por un momento también se escuchan efectos de sonido, tal vez si se hubiesen animado a más, hubiesen podido hacer algo netamente experimental, propio y más jugado aun, como lo que hicieron los suizos de "McChurch Soundroom" en su disco de 1971, pero aun así, por supuesto que vale la pena destacarlos.

Es un álbum underground difícil de describir, de gran inventiva, oscuro, misterioso e impredecible, que contiene muchas sorpresas a lo largo de las diferentes pistas. Los temas demuestran una gran musicalidad, mucho juego de guitarra y órganos para armar las sesiones psicodélicas que se desarrollan con gran nivel y potencia, con cierto acercamiento a sonidos de bandas como "Guru Guru" o "Gila".

Para el segundo disco, la formación de la banda cambia, al igual que el sonido, abandonaron su pistas largas y psicodélicas he hicieron algo más convencional dentro de lo que es el blues rock. Poco se sabe de la banda en cuestión, después del lanzamiento de sus únicos dos discos. Tres de los músicos de Virus participaron de la grabación del disco "Weed", de 1971, junto a Ken Hensley, miembro de Uriah Heep. En 2004 fue lanzado en cd bajo el nombre de "Remember", con un show en vivo que dieron en 1973.

Formación:

Reinhold Spiegelfeld - Bajo

Bernd "Molle" Hohmann - Flauta, voz

J. Dieter Krahe - Órgano

Wolfgang Rieke - Batería

Werner Monka - Guitarra

PISTAS:

A1. Revelation (Nach Dem Thema "Paint It Black") (12:11)

A2. Endless Game (12:15)

B1. Burning Candle (5:24)

B2. Hungry Looser (10:26)

B3. Nur Noch Zwei Lichtjahre (7:50)

VIRUS - REVELATION "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas

Kahvas Jute - Discografía

Discografía - Wide Open (1971)

Kahvas fue un grupo australiano que tuvo en sus filas al bajista Bob Daisley, famoso por formar parte de grupos de la talla de "Chicken Shack", "Mungo Jerry", "Widowmaker", "Rainbow," "The Blizzard of Ozz", "The Ozzy Osbourne Band", "Uriah Heep" y "The Gary Moore Band", entre otros. ¡Menuda trayectoria!

"Kahvas Jute" se formó en 1970 con Bob Daisley (bajo), Tim Gaze (guitarra), Dannie Davidson (batería) y Dennis Wilson (guitarra, voz). Firman con el sello Festival Records y debutan en enero de 1971 con su primer disco, "Wide Open".  Tim Gaze decide abandonar la formación quedándose reducida a un trío. El siguiente en abandonar el barco sería Bob Dasley quién entraría a formar parte de "Chicken Shack". Cambios continuos en la formación originan el cambio de nombre, "Chariot". Posteriormente se reunieron en diversas ocasiones, la última en 2005 quedando inmortalizada en el CD/DVD, "Then Again: Live at The Basement".

La grabación consta de nueve temas donde podemos encontrar sonidos psicodélicos, "Free", "Up there" que gran riff de guitarra, "Vikings" o incluso "Steps of Time". Temas tranquilos con buenas voces e instrumentación con solos justos y medidos. La otra cara de la moneda la encontramos en composiciones como "Odyssey", "She's So Hard To Shake" y por supuesto el tema más destacado, "Parade of Fols", donde los sonidos se vuelven más hard rock en la onda de Cream. A buen seguro que Jack Bruce se hubiera sentido como pez en el agua en esta formación. El disco está muy valorado por los coleccionistas llegando a pagar hasta 1.000 dólares. En una edición posterior se adicionaron seis temas en directo incluyendo el Politician de los "Cream".

Formación:

Bob Daisley - Bajo

Dannie Davidson - Batería

Dennis Wilson - Guitarra, voz

Tim Gaze - Guitarra

PISTAS:

A1. Free (5:12)

A2. Odyssey (4:01)

A3. Up there (2:50)

A4 She's so hard to shake (4:19)

A5. Vikings (4:32)

B1. Steps of time (3:20)

B2. 23 (4:32)

B3. Ascend (3:10)

B4. Parade of fools (9:06)

KAHVAS JUTE - WIDE OPEN "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: J.C. MIÑANA para Rockliquias

Fields - Discografía

Discografía - Fields (1971)

"Fields" fue un grupo de vida muy corta, tan corta que solo grabaron este disco, y probablemente nos hemos perdido alguna buena grabación.

Tenían muchas cosas a favor, la primera, los músicos que lo formaron, todos ellos con suficiente solvencia en su trayectoria. El nombre viene tomado de su presunto líder, Graham Field, que fue el alma y el sonido de "Rare Bird", y la prueba es que cuando se marchó de Rare, para formar Fields, ya no levantaron cabeza. Los otros dos componentes fueron, Alan Barry, cantante, bajista y guitarrista, procedente de "King Crimson", y completando el trio, Andrew McCullogh, baterista, y también procedente de "King Crimson", con los que había grabado el álbum "Lizard", y que más tarde formaría parte de "Greenslade". Como podéis observar, el potencial de músicos era bueno, y el planteamiento tampoco podia fallar, ya que sonaban a "Procol Harum", "E L&P", "King Crimson".

Además, utilizaban algunos conocidos pasajes de música clásica en algún momento de las canciones. Yo destacaré la canción Nº 10, de nombre "The Eagle", en la que al poco de comenzar, el ritmo se ralentiza, y suena un órgano muy suave con una tonada que algunos de los que me han leído en varios sitios saben que me fascinan esas sencillas notas, y que he nombrado hasta la exasperación, pero es que aquí aparecen una vez más....estoy hablando del Canon de Pachelbel..je, je, si, ahi está......gozadlo en su escucha una vez más. También me suena algo de Mendelsson en la primera pista....pero, tranquis, que hay buen Rock Progresivo en este disco. Por cierto, que no es muy fácil de encontrar, ni en vinilo, ni en cd...pero ahora lo podemos compartir.

Formación:

Graham Field - Órgano, piano, piano eléctrico
Andrew McCulloch - Batería y percusión
Alan Barry - Bajo, guitarra, mellotrón, voz

PISTAS:
A1. A friend of mine
A2. When the sun still shines
A3. Not so good
A4. Three minstrels
A5. Slow Susan
B1. Over and over again
B2. Feeling free
B3. Fair-haired lady
B4. A place to lay my head
B5. The eagle

FIELDS - A FRIEND OF MINE

FIELDS - THE EAGLE

FUENTES: Las Galletas de Maria

Blast Furnace - Discografía

Discografía - Blast Furnace (1971)

La escena musical danesa a menudo se subestima, pero el Rock 'n' Roll, el Rhythm and Blues y los Beatles también habían llegado a Dinamarca. Aparte de esto, había una pequeña pero buena escena de Jazz y Folk. A finales de los 60, las bandas de rock progresivo y psicodélico se desarrollaron a partir de estos diferentes estilos con una individualidad inconfundible. Las bandas danesas también fueron lo suficientemente valientes como para cantar en su propio idioma además del inglés. El libro de Dag Erik Asbjornsen "Scented Gardens Of The Mind" ofrece una descripción general de la escena danesa Beat & Rock y es una lectura recomendada para los fanáticos de la música.

El interés generalizado por la música progresiva y psicodélica danesa y escandinava llevó a LONG HAIR a lanzar una nueva serie de estas bandas cuya música merece una segunda escucha. El álbum debut homónimo de "Blast Furnace" fue lanzado en 1971 en Polydor/Dinamarca y es el primero de la serie con el álbum original en CD más su sencillo de 1971 "Lister Du Omkring Hjorner" como pista extra "Blast Furnace" eran 3 muchachos de Copenhague y un baterista cantante de Gran Bretaña llamado Tom McEwan que terminó en la capital danesa.

Arne Wiirgler (Bajo, Violonchelo) tocó anteriormente en formaciones de Jazz y también, interesante para los fanáticos del Rock Progresivo, con "Pan" que lanzó un maravilloso LP en Sonet en 1970, Thor Backhausen (Órgano, Piano, Flauta) un músico de múltiples talentos y el entonces joven de 18 años Niels Vangkilde (Guitarra), completa el trío "Blast Furnace". Esta fue la formación de 1971 que grabó el álbum homónimo del mismo nobre que el grupo en los estudios Rosenberg de Copenhague para Polydor/Denrnark. "Lister Du Omkring Hjorner" también se grabó para el lanzamiento de un sencillo planificado.

Las ventas de álbumes no coincidieron con la alta calidad musical del disco y el hecho de que todos en la pequeña escena musical de Copenhague tocaran e improvisaran con todos los demás significó que la vida de la banda fue efímera. Las bandas iban y venían y los músicos se encontraban en otros grupos. Tom McEvvan y Niels Vangkilde se unieron a la banda de culto "Culpeper's Orchard" y tocaron en su tercer LP, ''Going for a Song" de 1972 en Polydor/Dinamarca; también un buen y recomendable álbum. Arne Wurgler trabajó con Benny Hoist y Thor Backhausen continuó con "Delta Blues Band" y "Culpeper's Orchard". La música de "Blast Furnace" brilla a través de una excelente escritura de canciones y competencia musical.

Pasajes instrumentales equilibrados con guitarras afiladas, Órgano Hammond armonioso y Flauta con un toque de canto agresivo son los ingredientes para una experiencia auditiva impresionante y placentera. Al contrario de sus contrapartes, "Blast Furnace" optó por no permitirse largas improvisaciones instrumentales o prolongadas. Las canciones están claramente estructuradas, son vivaces y se completan con letras inteligentes y críticas.

Son un producto de su tiempo y aún así, incluso con su clara estructuración, definitivamente deben clasificarse bajo la etiqueta "Progressive-Rock''. Dag Erik Asbjornsen elogió el LP como una de las mejores producciones danesas, un álbum clásico en la tradición de los Beatles, Traffic y Jethro Tull.

Formación:

Thor Backhausen - Órgano, piano, flauta, voz
Tom McEwan - Batería, congas, percusión, piano, voz principal
Niels Vangkilde - Acústica, guitarras eléctricas, coros 

Arne Wurgler - Bajo , violonchelo, guitarra acústica, armónica, voz
Terese Damsholt - coros
Anne-Lise Rosberg - coros

PISTAS:

A1. First And Last

A2. Ginger Cake

A3. Jaywalker

A4. B-Major Blast

A5. This Time Of Year

B1. Toytown

B2. Man Bites Dog

B3. Long Distance

B4. Goodbye Mr. Bobo

B5. Dr. Night

B6. Bye Bye Bobo

BLAST FURNACE - BLAST FURNACE "ÁLBUM COMPLETO"

Beach Boys - Biografía

Beach Boys - Biografía (1961-presente)

"The Beach Boys" es un grupo que se forma en Hawthorne, California en 1960. La banda se consolidó en un inicio por los hermanos Wilson: Brian, Carl y Dennos Wilson, junto a Mike Love y Al Jardine, muchachos también cercanos a la familia.

Inicialmente, la banda toma el nombre de "The Pendletones". El "look" del grupo, así como sus canciones reflejaron desde el comienzo el estilo de vida de los jóvenes surfistas de los años 60s.

A finales de 1961, graban su primer demo para Candix Records, bajo el nombre de "Beach Boys". De esta producción se desprende el sencillo "Surfin´" y "Surfin´ Safari". Este último poco tiempo después se convirtió en un hit y pudo acceder a los rankings de música pop.

En 1962, editan al álbum "Surfin Safari" y en 1963 logran colocar 3 discos en el mercado: "Surfin´USA", "Surfer Girl" y "Little Deuce Coupe".

El hecho de mantener el éxito alcanzado por la banda, genera en Brian Wilson un ataque de ansiedad. Por esta razón, decide alejarse temporalmente de las giras que estaba realizando la banda para dedicarse a componer y grabar la próxima producción. El lugar de Wilson es ocupado por Glen Campbell en un inicio, y posteriormente ingresa a la agrupación Bruce Johnston, quien se queda como miembro permanente desde entonces.

El dúo musical "Jan & Dean", se volvieron amigos cercanos de la banda, es por eso que fueron los teloneros de algunos de sus conciertos durante 1963 y 1964. El hecho de que Wilson estuviera temporalmente fuera de actividad, le permitió llevar a cabo con total libertad su papel de productor musical, en especial para el dúo "Jan & Dean". La canción "Surf City" (escrita por Wilson) se convirtió en "Top 1" en los charts de los Estados Unidos.

En 1964, aparecen dos álbumes: primero "All Summer Long", el cual logra la aceptación del público, gracias a canciones como "Drive-In" y "I Get Around". En Segundo lugar, es lanzado el LP "Shut Down, Vol. II", logrando el éxito comercial con el tema: "Denny's Drums".

A partir de 1965 el estilo musical de los Beach Boys da un giro más experimental (debido al consumo de alucinógenos por parte de Wilson). El álbum "Today" ofrece menos énfasis en las guitarras, y se enfoca por el contrario en los teclados y la percusión, asimismo se nota claramente una madurez lírica en el contenido general.

También en 1965, lanzan al mercado el disco "Summer Days" y merecidamente, consiguen colocarse en el puesto #3 de los rankings con el tema "California Girls". y logra escalar el top 20 con el single "The Little Girl I Once Knew".

El ingenio de Wilson en el estudio de grabación, junto a sus arreglos cada vez más sofisticados dan como resultado el disco más controversial de la banda: "Pet Sounds" de 1966. Las pistas "Wouldn't It Be Nice" y "God Only Knows" muestran de manera clara la habilidad de Wilson en sus facetas de compositor, adaptador y productor.

A fines del 66, Wilson conoce al compositor Van Dyke Parks, y comienzan a trabajar en la producción del disco "Smile", pero debido a problemas internos con la banda y la casa disquera, el álbum no se culminó; aun así muchas de las canciones preparadas para aquel disco se editaron posteriormente en los LPs: "Smiley Smile" y "Surf's Up".

Ya en 1967, bajo un ambiente más estable, el grupo lanza el LP "Smiley Smile". Ese mismo año, producen el disco "Wild Honey" que incluyen canciones de gran popularidad como "Darlin'", y un cover de la canción "I Was Made to Love Her" de Stevie Wonder.

"Friends", un album acústico, influenciado por la práctica de la meditación por parte de la banda, sale a la venta en 1968.

Seguidamente, en 1968, aparece "Stack-O-Tracks", un disco que no pudo ingresar a los charts, y en 1969, nace el LP "20/20", el cual logra posicionarse en las listas americanas en el puesto 68, y en el puesto número 3 en el Reino Unido.

En 1970 cambian de compañía disquera a Reprise Records y nace pocos meses después el disco "Sunflower" y un año más tarde, "Surf's Up". Poco tiempo después aparece "Holland", un disco que tuvo más éxito que el anterior. Este material contiene una de las canciones más emblemáticas de los Beach Boys: "Sail on Sailor", la cual les dio la oportunidad de llegar al puesto #37 en la lista Billboard.

En 1974, la casa disquera Capitol, con quien habían trabajado anteriormente, lanza una recopilación del trabajo de la banda, anterior al disco Pet Sounds, bajo la portada de un disco doble: "Endless Summer”. Con este disco lograron establecerse en la lista Billboard durante varias semanas y a su vez pudieron alcanzar el reconocimiento de disco de oro. Al año siguiente, sale a la luz un nuevo álbum recopilatorio, esta vez bajo el nombre de "Spirit of America". Estas dos producciones colaboraron en la imagen del grupo, reviviendo el interés del público por ellos.

"15 Big Ones" marcó el regreso de Brian Wilson como una parte importante de la agrupación. Este álbum incluye nuevas canciones compuestas por Brian, así como nuevos arreglos de temas antiguos de otras bandas tales como: "Rock and Roll Music", "Blueberry Hill" y "In The Still of The Night".

En 1977, los Beach Boys crean "Love You”, una colección de 14 temas que no tuvo éxito comercial.

A fines de los setenta, Dennis Wilson vuelve a recaer en el consumo de drogas y alcohol, presentándose en estados deplorables durante algunos conciertos. A raíz de estos sucesos, la banda se ve obligada a disculparse públicamente después de una presentación en Sydney en 1979.

Los Beach Boys inician la década de los 80´s con un concierto en Washington, D.C., ante una gran audiencia. Este concierto resultó en una gira que duró dos años.

Los problemas de Dennis Wilson continuaron extendiéndose hasta ocasionarle la muerte el 28 de diciembre de 1983, cuando se ahogó accidentalmente mientras realizaba una travesía en el barco de un amigo.
A pesar de la pérdida de Dennis, los Beach Boys mantuvieron la banda, realizando más conciertos exitosos, como es el caso del que se produjo el 4 de julio de 1985, donde lograron reunir a una muchedumbre que rebasada las 750,000 personas (hecho por el cual fueron inscritos en el "Libro de Records Guinness"). A nueve días de este suceso, también se presentaron en el concierto "Live Aid".

Inesperadamente, en 1988, los Beach Boys, anotaron su primer #1 en 22 años de carrera con la canción "Kokomo" y por ello fueron inscritos en el Paseo de la Fama del Rock & Roll ese mismo año.

El 6 de febrero de 1998, Carl Wilson muere de cáncer de pulmón. Sin embargo, Love y Johnston continuaron haciendo giras, pero ninguno de los otros miembros originales los acompañaron. Brian Wilson y Alan Jardine siguieron por separado sus carreras a solas con bandas nuevas.

En el 2001, el grupo recibió un premio Grammy por su carrera artística. Así mismo, en el 2004, la revista especializada "Rolling Stone" les atribuyó el puesto número 12 en su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.

El 13 de noviembre del 2006 marcó el regreso de los Beach Boys con la reunión de todos los miembros originales (Brian Wilson, Mike Love, Al Jardine, Bruce Johnston, y David Marks) para la conmemoración del aniversario número 40 del álbum Pet Sounds.

FUENTES: Todomusica

Discografía comentada:

• Pet Sounds