IA-BATISTE - Discografía

Discografía - Chichonera's Cat (1975)

"Un disco excelente y de referencia, incomprensiblemente olvidado". Eso dice con toda la razón Alex Gómez - Font en su obligado libro, "Barcelona, del rock progresivo a la música layetana" (2011 / Editorial Milenio).

Qué mal se porta la historia con los genios. Ia Clua, que venía de un entorno folk con Dos + Un. Y Jordi Batiste, que también procedía de ése estilo desde los finales 60, pero había entrado en los 70 con los progresivos Maquina! Se conocen fortuitamente, y después de terminar la mili, Batiste no decide seguir en la banda del croissant. Hay demasiado en común con Clua. Un dúo que integra surrealismo, psych-folk, proto-prog, CSNY, Sisa y delirantes performances. Debutan en directo en 1972, y a final de año editan "Un Gran Día" (Diábolo - Als 4 Vents), uno de los secretos mejor guardados de la psicodelia underground de éste país. Aún a día de hoy. Y eso que fue reeditado lujosamente por Wah Wah Records  en 2003. Por allí andaban Max Sunyer, Manel Joseph o Albert Batiste.

Un grandioso álbum que pasó en su momento sin pena ni gloria. Y en éste,  porque nunca aparecen en las listas de indispensables del gremio. Acompañarán después a Sisa (buenas migas al instante), tanto como a Serrat. Éste último será el que detrás de su sello Oliba y con su producción,  les graba "Chichonera's Cat" en 1975. De nuevo con la importante aportación de Max Sunyer (guitarras), Jordi Clua (bajo), Francis Rabassa (batería,  percusión), Kitflus (piano, Moog, Elka,  órgano), e invitados al saxo, percusiones, coros.....

Su comienzo con "Bon Día,  Lluna" no puede ser más espectacular.  Como si "Iceberg" tuvieran un giro hacia "Yes". Poesía,  delicadeza, vocales cuidadísimas y una pirotécnica instrumentación  progresiva de primer nivel. Con sus acústicas y voces, Ia-Batiste exploran su interior a base de pequeñas gemas imperecederas. Vibración hippie del momento, paz y positividad, resuena en "Ocell". "Chichonera's Cat" sigue esos derroteros, días de bohemia,  candidez, investigación interior y felicidad, sin pensar en el día siguiente. Bucear en discos como éste,  te hace sentir como aquellos soñadores en tiempos oscuros, (acaso no tan lejanos), a poca sensibilidad que se tenga. También el círculo Ayers / Allen tiene aquí su eco influyente. Un Elka de cuerdas bien insertado hace maravillas, como pasa en "El Llarg i lluent Cami". Cantar en catalán aporta lirismo bucólico  difícil de expresar en letras. Son sentimientos plasmados en sonidos de una época. Su arropo progresivo es evidente y efectivo a más no poder. Qué bonito título es "Canço per a no sentir-se sol", donde la guitarra de Sunyer brilla bajo un mar de percusiones coloristas. Y Kitflus llena con sus sintetizadores,  unas letras intimistas, en un particular mundo para perderse bien a gusto.

El saxo de Pau Casares en "El Noi i la Canço" le da un aire Canterbury.....un no se qué, que conecta con la música de aquel lugar. La magia siempre presente de Ia-Batiste. Añade bonitos arreglos de guitarra y ritmo, y un solo de órgano de Kitflus que eleva la calidad inequívocamente. "Aeronaus" conecta con el universo pot head y sus pixie alumnos de Gong. Desmesurada belleza acústica en "El Gessami i La Rosa". Magia electrónica  para "Imatges de l'estiu", con desbordante fantasía sympho, casi paralela al sonido alemán del sello Sky. Que continúa sin silencios en "Villa Montserrat". Moogs en efervescencia Emerson. "Esqueix de Canço" es otro perfecto instante sonoro del pasado. Melancolía que parece Starcastle en catalán!  La final "Vida de pel-licula" tiene de nuevo olor a Iceberg con voces andersonianas.

La madurez de ésta obra es inmensa. Tal vez demasiado. Al finalizar el año y tras participar en  el recordado Canet Roc, deciden separarse por diferencias artísticas. 

El sueño de una noche de verano de 1975.

FUENTES: J.J.IGLESIAS para Rockliquias

Formación:

Ia Clua - Guitarra acústica, voz

Jordi Batiste - Guitarra acústica, voz

Max Sunyer - Guitarra

Jordi Clua - Bajo

Francis Rabassa - Batería, Percusión, Gong

Kitflus - Elka, Órgano, Moog, Piano

Pau Casares - Saxo

PISTAS:

A1. Bon Dia, Lluna

A2. Ocell

A3. Chichonera's Cat

A4. El Llarg I Lluent Cami

A5. Canco Per A No Sentir-Se Sol

A6. El Noi I La Canco

B1. Aeronaus

B2. El Gessami I La Rosa

B3. Imatges De L'Estiu

B4. Villa Montserrat

B5. Esqueix De Canco

B6. Vida De Pel-Licula

IA-BATISTE - CHICHONERA'S CAT "ÁLBUM COMPLETO"

Peggy's Leg - Discografía

Discografía - Grinilla (1973)

El buscado álbum de Peggy`s Leg titulado; "Grinilla", cuenta íntegramente con una porción de Prog Rock de cosecha del año 1973. El disco fue publicado de forma privada mediante el sello The Bunch Label, lo que desde hace largas décadas esta obra sea un valioso tesoro para el coleccionista que porta carbonilla en la yema de sus dedos.

Formados por el guitarrsita Jimmy Slevin, ex miembro de "Alice/Brogue" a finales de 1972, "Peggy's Leg", popularizaron en Irlanda sus adaptaciones de música clásica a su peculiar visión de expresión en su concepto sonoro y aplicación de su lenguaje. En sus directos, sumado a temas de cosecha propia incluían versiones de "Yes" y "Emerson Lake & Palmer", sumadas a discursos de música de Bach (en una interpretación vertiginosa de la Sinfonia de Bach de la Cantata Nr. 29), Katchaturian (Sabre Dance), Rossini (William Tell Overture) y Handel.

Este álbum prácticamente autoeditado, fue puesto en circulación a finales del año 1973. Contaron con el apoyo de John Donohue (Mushroom), a quien se le atribuye la organización de la grabación de la obra.

"Peggy's Leg" era un grupo de rock clásico irlandés y ésta, su única carta de presentación que fue grabada en veinticuatro horas. Originalmente se imprimieron 500 copias y como la mayoría se ellas fueron vendidas en diversos locales, acceder a las originales es una labor para que probablemente se precise de la ayuda de Lourdes, o la Virgen de la Macarena.

El disco constaba de seis pistas y una versión poco aventurera de Sabre Dance de Love Sculpture, comprendía composiciones escritas por la banda desempolvando añejas armonías y melodías que en su carácter suave y onírico revelaban a groso modo canciones bien estructuradas. También grabaron una versión bastante frenética y de hecho demente de la obertura de William Tell, que se publicó en un single.

La portada distintiva de "Grinilla" fue diseñada por Bad Taste Productions, es decir, Tim Booth de Dr.Strangely Strange. El lanzamiento del álbum estuvo precedido por un concierto principal en Liberty Hall en Dublín el 24 de Octubre de aquel mismo año 1973.

Formación:

Jimmy Slevin - Guitarra, voz

Don Harris - Batería, percusión

Jimmy Gibson - Guitarra, voz

Vincent Duffy - Bajo

PISTAS:

A1. History Tells

A2. Think For Yourself

A3. Variations For Huxley

B1. Into The Nightmare

B2. Just Another Journey

B3. Sabre Dance

PEGGY'S LEG - GRINILLA "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Luis Arnaldo Álvarez (Baterista  y Locutor profesional independiente)

Heart - Discografía

Discografía - Dreamboat Annie (1975)

Es difícil imaginar en estos momentos lo revolucionario que fue el disco de debut de "Heart", Dreamboat Annie, en su época.

Aparte de Janis Joplin, Suzy Quatro, y tal vez Stevie Nicks y Christine McVie de "Fleetwood Mac", era difícil pensar en muchas mujeres que realmente estuvieran tocando rock en ese momento. Conocidas como "las Led Zeppelin femeninas", la cantante principal de Heart, Ann Wilson, y su hermana menor, la guitarrista Nancy Wilson, mezclaron baladas y canciones con influencias folk con interesantes 'jams' de rock duro. "Hay un enfoque instantáneo en la fuerza y ​​la dulzura femeninas", dijo un crítico sobre ese momento.

"Fue realmente la primera vez que se veía a dos mujeres que no eran solo adornos, sino también escritoras, cantantes y músicas", dijo Nancy Wilson. "Creo que, en todo caso, dio [a las mujeres en el negocio] mucho aliento y esperanza".

Producido por Mike Flicker, el disco fue lanzado por Mushroom Records en Canadá en 1975 y luego relanzado en los Estados Unidos en el Día de San Valentín de 1976. La popularidad de la banda se extendió rápidamente, y el álbum subió al número 7 en las listas estadounidenses con dos sencillos entrando en el Top 40: Magic Man y Crazy on You.

"Cuando terminó, miramos atrás sorprendidas por lo que habíamos hecho, porque no había un mapa real que nos hubiera llevado hasta allí", dijo Ann. "No se parecía en nada a nada de lo que sonaba en la radio. Era otra cosa. Nunca soñé que un día lo fueran a entender en Detroit... pero lo hicieron".

A menudo se pasa por alto el hecho de que este es un disco conceptual, lo que le da una sensación épica. Específicamente, Dreamboat Annie es una canción que se repite tres veces, con la protagonista aparentemente creciendo como persona en cada ocasión. Comienza con Annie, como una niña, llena de esperanza y posibilidades, "Surcando [las]​​ondas de diamante". El ritmo y el estado de ánimo cambian con la segunda versión, la más conocida, con armonías en capas y algunas guitarras acústicas maravillosamente intrincadas a cargo de Nancy Wilson. Casi inevitablemente la versión final de la canción es más un lamento melancólico, con Annie presumiblemente desolada después de la decepción en el amor: "Ir por la acera de la ciudad sola entre la multitud, Nadie conoce a la solitaria con la cabeza en las nubes".

Sin embargo, el disco comienza con estilo con la roquera Magic Man, que contiene un potente solo de guitarra de Roger Fisher en su Gibson Les Paul Goldtop. "Vamos, chica casera", canta Ann, "¡Te lancé mi hechizo de amor, una mujer de una niña!".

La siguiente es el gran éxito Crazy On You, en la que Nancy Wilson comienza con un gran trabajo de guitarra en su Guild Jumbo acústica. Fue un instrumental particularmente difícil de tocar. "Debido a que la primera parte era una parte en solitario, tuve que hacer todo en una sola toma", dijo Nancy. "No quería hacer demasiado porque hubiera sido obvio. Así que para cuando lo hice bien, tenía ampollas en los dedos. ¡parecían como si fueran a caerse!”.

La encantadora balada de guitarra Soul Of The Sea sigue, y esa canción, junto con el blues White Lightning and Wine, demuestran que este disco tiene una profundidad real. En particular, Nancy demuestra una vez más que tiene mucha habilidad mientras toca su acústica Ovation 1992 y logra otro sorprendente solo. La canción trata sobre una mujer que tiene el control de lo que quiere, a pesar de tener algo "peor que miedo" en un bar perdido; es difícil pensar en algo remotamente parecido en ese momento.

Dreamboat Annie, con su pegadiza mezcla de folk, heavy rock y blues, representó un increíble primer trabajo para Heart. La banda se volvió más orientada al pop y tuvo más éxitos, pero su debut sigue siendo el clásico absoluto. "Como banda realmente consolidamos nuestra propia personalidad al final de las sesiones de 'Dreamboat Annie'", dijo Nancy Wilson. "Muchos de los estilos y posturas que aparecían en los clubs fueron despojados en una nuevo y original versión de Heart que se parecía más a nosotras mismas".

Formación:

Ann Wilson - Voz lider

Nancy Wilson - Guitarra Eléctrica

Roger Fisher - Guitarra Lider, Productor

Michael Derosier - Batería

Steve Fossen - Bajo

PISTAS:

A1. Magic Man

A2. Dreamboat Annie (Fantasy Child)

A3. Crazy On You

A4. Soul Of The Sea

A5. Dreamboat Annie

B1. White Lightning & Wine

B2. Love Me Like Music (I'll Be Your Song)

B3. Sing Child

B4. How Deep It Goes

B5. Dreamboat Annie (Reprise)

HEART - DREAMBOAT ANNIE "ÁLBUM COMPLETO"

Los Jaivas - Discografía

Discografía - Aconcagua (1982)

"Aconcagua" debería resumirse en pocas palabras como nostalgia y unión de diversas culturas. Es una columna vertebral de un sin fin de melodías que se ahogan en la dulzura de "Los Jaivas". Este álbum significa la unión de cinco hombres que recuerdan las raíces ancestrales como si fueran su tesoro.

La obra reúne un grupo de grabaciones realizadas a principios de 1980, pero fue lanzado en marzo del año 1982. Los mismos Jaivas han señalado que este disco está dirigido a los extranjeros, esto se expone a través de estos temas ligados a Latinoamérica, además, querían dar a conocer sus raíces mediante su música. Algunos temas están compuestos en otras épocas, regrabaciones de canciones antiguas junto a un par de melodías nuevas para la ocasión.

La particularidad de este álbum es que es recopilatorio, y fue creado en las giras por Europa. Por otro lado, se presenta la colaboración de un amigo que ha trabajado anteriormente con ellos, el músico Patricio Castillo. Durante todo este transcurso, anteriormente habían grabado "Alturas de Machu Picchu", una obra maestra en la historia de la banda. Se trasladaban en nutridas giras, cambios de países, momentos de composición, todo esto se ha quedado impregnado en su repertorio. La carátula fue creada por René Olivares, pintor y autor de sus portadas, quien llevaba años trabajando con "Los Jaivas", además de ser el sexto miembro en las giras. Esta portada muestra a los diferentes Jaivas tocando sus instrumentos, vestidos de blanco, al igual que su anterior disco. Eduardo Parra recuerda que “la carátula muestra el espíritu que nos está mostrando el universo, el continente, el país, la tierra. El espíritu de nuestra música en cada instrumento”.

El disco abre con el tema homónimo, donde las raíces culturales de Latinoamérica se hacen presentes mediante. Esta es una melodía que invita a ingresar dentro de las diferentes culturas latinoamericanas. La canción nació cuando sus creadores divisaban, desde un avión, el monte Aconcagua. Emoción y sentimientos llegan a ‘Desde un barrial’, Gato Alquinta se inspiró en su regreso a Chile, cuando estaban cruzando la fabulosa cordillera de los Andes.

En ‘Debajo de las Higueras’, el cantante y multiinstrumentista relata una apacible historia de amor, formando una danza en una atmósfera plagada de trompetas mexicanas y características de la cultura, las cuales crearon unión de diferentes nacionalidades. "Los Jaivas" dejan legado con su tema instrumental ‘Takirari del Puerto’, canción que invoca a la alegría con su llamativa melodía que va rigiendo su marcha liderada por las seis cuerdas eléctricas, seguidas por el teclado de Claudio Parra, que se enlaza a una flauta dulce y el clásico bajo de Mutis.

Un single de los más destacados y roqueros, ‘Mambo de Machaguay’, himno que enciende la fiesta en los conciertos de "Los Jaivas". Es un grandioso cover proveniente del folclore peruano, que se impone con la furia de la guitarra eléctrica, sintetizadores, acompañados de flautas, quenas y la mítica batería de Parra. Este proviene del gusto por el folclore peruano, haciendo parte de su repertorio en las giras.

Si hablamos de sonidos originales debemos mencionar a ‘Huairuro’, melodía que es similar a Takirari del Puerto, debido a que los cinco hombres realizan una canción instrumental, dominada por la percusión, flautas y timbal cromático. Breve, sentimental y melódico. El broche de oro, la inolvidable ‘Corre que te pillo’, una de las canciones más complejas y místicas de la mítica agrupación, la cual fue regrabada, originalmente es una versión orquestal de 1973. Expresión de sabiduría que se concentra en esta pieza musical que contiene diferentes mezclas de sonidos. Con un Gato Alquinta melódico, Mario Mutis desafiante en las seis cuerdas (la misma que toca como si fuera un bajo), Claudio Parra se apodera en el piano, junto a Eduardo Parra generando mixturas en su minimoog y Gabriel Parra dominando la batería. Cinco hombres que logran conseguir una especie de ópera magistral en casi 10 minutos.

A través de este álbum se refleja la gran banda chilena que va dejando legados en la canción nacional. "Los Jaivas" se enfrentaron a disímiles historias, sonidos y melodías. Esto se representa en "Aconcagua", expresión de diferentes culturas y raíces unidas dentro de la música.

Formación:
Gato Alquinta - Voz, Guitarra acústica y eléctrica, Charando, Mandolina, Bajo

Mario Mutis - Voz, Bajo, Guitarra eléctrica, Bomno

Gabriel Parra - Batería, Charango, Congas, Maracas, Trialgulo, Bombo, Voz

Eduardo Parra - Piano eléctrico, Sintetizador, Bongos, Claves

Claudio Parra - Piano, Sintetizador, Celesta

PISTAS:

A1. Aconcagua

A2. Takirari Del Puerto

A3. Debajo De Las Higueras

A4. Todos Juntos (Nueva Versión)

B1. Desde Un Barrial

B2. Huairuro

B3. Corre Que Te Pillo (Nueva Versión)

LOS JAIVAS- ACONCAGUA

FUENTES: RockaXis

Laurelie - Discografía

Discografía - Laurelie (1970)

Un descubrimiento sorprendentemente agradable para la época y el lugar, y una de las grandes rarezas belgas junto con "Irish Coffee" y "Waterloo". "Laurelie", musicalmente hablando, podría considerarse el siguiente nivel del gran movimiento freakbeat que estaba de moda en los Países Bajos y Bélgica a finales de la década de 1960 (grupos como Wallace Connection, por ejemplo)

Las voces en inglés son un poco sospechosas, pero la sofisticación y exploración de ideas es considerablemente mayor de lo que normalmente se encuentra en Europa continental en una fecha tan temprana. Maravillosa guitarra fuzz, viejos sonidos de teclado y especialmente la flauta impulsan los contenidos melódicos y tonales. El cierre de 20 minutos y varias partes tiene muchas ideas geniales. Se mantiene mejor que la mayoría en este género.

Este LP es muy buscado en el circuito de coleccionistas. Aparece listado en los registros de la biblia de los más buscados '1000 Record Collector Dream', 1 estrella de 5, es decir, su precio no debe superar los 90 euros... ¿Qué obtengo? es que con gran sorpresa me di cuenta (hace algún tiempo) del precio de este LP en eBay: ¡400 euros!

Procedente de las Ardenas del este de Bélgica, el quinteto "Laurelie" lanzó un solo álbum en 1970 y estuvo en sus filas con Raepsaet Pierre en la voz y la guitarra, más conocido bajo el nombre de Pierre Rapsat. Este álbum homónimo, publicado por Triangle, una submarca de Barclay (como LP Irish Coffee) es un swing pop psicodélico de los sesenta entre un grupo cercano de los "Beatles", del que Pierre Rapsat era fan, y un naciente rock progresivo de los 70.

La fusión de estos dos tipos operará con espectáculos de magia y un pop europeo que queriendo emancipar las influencias americanas incorporará el jazz, música folclórica y clásica. La música de "Laurelie" se puede comparar con "Moody Blues", "Procol Harum", "Traffic", pero también con el pop peculiar de Syd Barrett. Junto con "Irish Coffee" y "Waterloo", uno de los grupos progresivos más buscados de la escena rock belga de principios de los setenta." Bueno, yo lo llamé psych folk rock, tal vez el rock de jazz progresivo sea más cierto... Sea lo que sea, ¡es bueno!

Aquí la Flauta es el pilar del disco. Aparece en prácticamente todos los títulos y es tanto jazzístico como sinfónico o rock. En "Remember Ronny", nos guía al aire libre con el apoyo de percusión. Cerrando los ojos, nos transportamos a la Cordillera de los Andes. Encontraremos este tema en la introducción y en el final "Deborah Jane And Laurelie". Dos piezas destacarán después de escuchar "Sad Stone" y "Deborah, Jane And Laurelie". "Sad Stone" que abre "Laurelie" es un título que está cambiando el rhythm and blues en el garage a través del pop de los sesenta.

En el medio tiene un hermoso y largo pasaje flotando con este órgano psicodélico, el solo de bajo y la guitarra y el ácido latente. Pero lo mejor es, por supuesto, la larga serie de más de 20 minutos que "Deborah Jane And Laurelie" quizás dedicó a nuestros amigos, novias, músicos. Digna de un gran Procol Harum, esta pieza es una hermosa mezcla de jazz, pop psicodélico, rhythm & blues, folk y lugar sinfónico apoyado por una orquesta de cuerdas y hermosas voces.

El resto tampoco está mal, especialmente "Have A Coke" y "Ugly Dirty Man". Estos dos títulos (que en realidad forman una sola pieza) son un rhythm & blues, casi garage, hierro caliente al rojo vivo, cuando la voz de "Ugly Dirty Man" intenta seguir empujando la guitarra en los agudos. Es genial hacer un bucle por la mañana antes de ir a trabajar. A pesar del éxito, "Laurelie" se separa. Pierre Rapsat intenta la aventura con Jenghiz Khan el próximo año y luego opta por una carrera en solitario en 1973, entre el rock y la variedad. Famoso en Bélgica, murió de cáncer en abril de 2002.

Formación:

Pierre Raepsaet - Bajo, Guitarra, Voz
Christian Boissart - Guitarra, Voz
Yvon Hubert - Piano, Órgano, Voz
Francis Dozin - Flauta, Voz
Andre Marquet - Batería

PISTAS:

1. Sad Stone - 8:43
2. Remember Ronny - 2:15
3. Dracula's Way of Makin' Love - 0:55
4. Have A Coke - 2:30
5. Ugly Dirty Man - 3:12
6. Tower of Illusion - 1:44
7. Spiders in Your Hair - 2:56
8. Deborah Jane and Laurelie
....a.Chapter 1: Deborah - 5:03
....b.Chapter 2: Fish - 2:50
....c.Chapter 3: Days, Dreams, Hopes - 3:14
....d.Chapter 4: Pink Clouds - 3:15
....e.Chapter 5: Laurelie, Laurelie - 3:34

LAURELIE - LAURELIE "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: The Rockasteria

O.W.L. - Discografía

Discografía - Of Wondrous Legends (1971)

Of Wondrous Legends es uno de los santos griales del acid folk/folk-rock desconocido. Según cuenta la historia, Stephen Titra había tocado en varios grupos locales de Chicago, siendo los más populares Uncalled Four (folk tradicional), Rhythm's Children (garage folk-rock) y, por supuesto, la legendaria banda de jam "Mountain Bus". Titra dejó "Mountain Bus" justo antes de que el grupo ganara tracción seria, y finalmente lanzó su gran LP de psicodelia rural inspirado en Dead de 1971. Of Wondrous Legends fue grabado en Universal Recording Inc. en 1971. Titra intentó vender el producto final a marcas como Elektra, Fantasy, A&M, Capital y RCA, pero no hubo compradores. Muchos de los representantes de A&R de los sellos discográficos encontraron la música de "O.W.L." difícil de comercializar, alegando que la música no era lo suficientemente comercial y que ninguna canción del LP se destacaba como un posible sencillo. Esta música es difícil de categorizar, ya que no encaja en ningún nicho cómodo. La única razón por la que esta música fue reeditada es porque Dawson Prater encontró una de las pocas prensas (¡tal vez la única!) de "O.W.L." en una tienda de Chicago a mediados de la década de 2000.

El proyecto "O.W.L." no se parece en nada a "Mountain Bus". Titra había estado tocando muchas de estas canciones en vivo desde 1967-1968. En el momento en que entró en el estudio, muchas de sus creaciones estaban completamente desarrolladas y listas para grabar. Of Wondrous Legends tiene un término medio entre "Left Banke" (piensa en "Shadows Breaking Over My Head") y el magnífico LP The Use Of Ashes de "Pearls Before Swine". No hay sitares, efectos psicodélicos, retroalimentación, solos de guitarra eléctrica enloquecidos o voces distorsionadas. Titra, voz y guitarras, está respaldada por una gran cantidad de otros instrumentos musicales que incluyen vibraciones, marimba, flauta, alto, violonchelo, batería, bajo, piano, moog, mandolina y una variedad de trompas. En todo caso, la producción del álbum le da un toque psicodélico.

El álbum es muy fuerte y muy recomendable para aquellos a los que les gusta el "folk progresivo". "Upon The Wings Of Gabriel" y "A Tale Of A Crimson "Knight" son poderosas rebanadas de acid folk que tienen valores de producción espaciales: estos temas no deben perderse para los fanáticos de la psicología. "Be Alive" es como podrían haber sonado los "Left Banke" si hubieran progresado a principios de los 70, aunque con un enfoque más folk-rock en su música. La pieza más progresiva de "O.W.L.", de ensueño de ocho minutos y medio "Midnight Carnival", es otra intrincada pieza musical cuya letra trata sobre la unidad y el caos. Finalmente, "Sunsets Of Smiles", la canción de cierre, es una canción folk muy bonita que se siente mucho menos producida en comparación con los números que la preceden.

Formación:

Stephen Titra - Percusión, Voz
Dick Boyell - Cuerda, Arreglos de trompa
Ellen Olsen - Piano
Al Keeler - Marimba, Campanas de Orquesta, Percusión, Vibráfono
Sam Larderuccio - Piano eléctrico 

John Knudson - Flautas
Frank Schabold - Bajo eléctrico 

Tommy Radke - Batería, Percusión
Steve Kauffman - Batería, Percusión

PISTAS:

A1. Legends - 5:02
A2. A Tale Of A Crimson Knight - 4:12
A3. Be Alive - 3:53
A4. Renaissance And Rococo - 4:21
A5. Midnight Carnival - 8:27
B1. Dawn Of Albion - 3:21
B2. Upon The Wings Of Gabriel - 3:02
B3. Breton Landscape - 2:52
B4. Everyman And The Philosopher King - 5:37
B5. Peace Of Mind - 3:49
B6. Salvation Song - 3:49
B7. Sunset Of Smiles - 1:56

O.W.L. - OF WONDROUS LEGENDS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Por Jason Nardelli para Rockasteria

The Youngbloods - Discografía

Discografía - The Youngbloods (1967)

No inventan nada, no revolucionan nada, pero crean o adaptan sensacionales canciones que mezclan diversas tradiciones sonoras de su país (con especial incidencia en el sonido de la Costa Oeste) para ofrecer un sugestivo pop y folk-rock californiano (aunque sean de Nueva York) de refinada factura, como "All Over The World", "One Note Man", "Foolin’ Around (The Waltz)" o la sublime balada "Tears Are Falling", junto a vibrantes piezas de base R&B, entre ellas la excelente "Statesboro Blues", versión de Blind Willie McTell, o "C. C. Rider".

La elegante ejecución del clásico "Get Together" les llevó con justicia a ocupar puestos de privilegio en las listas de singles en los Estados Unidos.

Instrumentalmente destacan por la bella sonoridad guitarrera de Jerry Corbitt y Jesse Colin Young, por la utilización de los teclados de Lowell “Banana” Levinger, y por la desenvoltura en los ritmos.
Vocalmente, emplean las armonías de forma sutil y la emotividad expresada y capacidad de adaptación a diversos estilos de Young exhiben su gran capacidad como cantante.

Una delicia de disco producido por Felix Pappalardi que contó al bajo con la participación del líder de los "Lovin’ Spoonful", John Sebastian.

Formación:

Jesse Colin Young - Bajo, voz

Jerry Corbitt - Guitarra

Lowell "Banana" Levinger - Teclados

Joey Bauer - Batería

PISTAS:

A1. Grizzly Bear

A2. All Over The World (La-La)

A3. Statesboro Blues

A4. Get Together

A5. One Note Man

B1. The Other Side Of This Life

B2. Tears Are Falling

B3. Four In The Morning

B4. Foolin' Around (The Waltz)

B5. Ain't That Lovin' You, Baby

B6. C.C. Rider

THE YOUNGBLOODS - THE YOUNGBLOOS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: AlohaCritión

Arco iris - Discografía

Discografía - Arco Iris (1970)

Primer album oficial de "Arco Iris", publicado en 1970. El grupo comenzaba aquí a vislumbrar toda su capacidad lirica, fusionando elementos de diversas corrientes musicales que luego desarrollarian progresivamente en discos posteriores. Canciones como "Quiero llegar", "Camino","Y ahora soy", o la psicodélica "Cancion de cuna para un niño astronauta", son muestras de la creatividad compositiva que "Arco Iris" ya demostraba en este primer trabajo.

Hacia el año 1968, Gustavo Santaolalla intentaba infructuosamente conseguir algún contrato para su banda, "The Crows", hasta que dio con Ricardo Kleiman, quien le aconseja comenzar a cantar en castellano. Así, cambio de nombre de por medio, "Arco Iris" entra en un estudio de grabacion.

Con el tema "Blues de Dana" ganan en el Festival Beat de la Canción Internacional que se realiza en Mar del Plata en 1970. Con el nombre de ese tema, el sello RCA saca un disco recopilación de los simples editados hasta ese momento, casi simultáneamente con la aparición del primer LP de la banda: "Arco Iris" (1970).

En este primer trabajo ya se vislumbran los elementos que posteriormente desarrollarán: blues, rock, jazz, con canciones pop y un recurrente aire pastoral. Incluso se vislumbran ya algunos aires folclóricos. 

Todavía sin Gianello, con la colaboración de Alberto Cascino en la batería, los habituales integrantes del grupo utilizan flautas, saxos, cellos y diversos instrumentos de percusión no habituales en ese momento en el rock argentino. El tango que ya estaba presente en el primer álbum de Almendra aparece aquí con una nueva modalidad. "Arco Iris" son los primeros en citar a Piazzola en el tema "Quiero Llegar". Gran parte del material compuesto queda fuera del álbum pero aparecería años más tarde en recopilaciones. Aparece ya en la portada el símbolo que identifica a "Arco Iris": la llave de Dana.

"Arco Iris" era ya mucho más que un grupo de rock. Con la guía espiritual de la modelo ucraniana Danais Winnycka (Dana), conformaron una comunidad en El Palomar, en el Oeste del Gran Buenos Aires, que se regía por estrictas normas naturistas: estaba prohibido el consumo de carne, alcohol, drogas y también el sexo.

"A partir del ingreso de Dana como guia espiritual, que los introduce en las filosofías orientales y en el yoga, "Arco Iris" modifica su música y su forma de pensar. Las composiciones de Gustavo Santaolalla se modifican en consecuencia. Comienza todo el grupo a trabajar con otras metas. El sonido del conjunto, que ya era cálido, se vuelve más intimista, mas terso. Eso no implica un vuelco hacia la música hindú, como podría suponerse. Los cuatro evolucionan sobre las bases características del rock y el blues, también se introducen en el jazz. Precisamente en septiembre de 1969 la productora les da campo libre para que graben un long play con la música que ellos quieren. Por diferentes motivos las grabaciones se extienden hasta diciembre. En esa época registran también el "Blues de Dana'', el tema que triunfa en Mar del Plata. Luego el grupo se encierra en los estudios para grabar esos benditos temas destinados a un difuso viaje a Los Angeles. Una semana antes de que las máquinas de RCA se dispusieran a prensar el disco, a fines de febrero, "Arco Iris" modifica el lado dos del disco: deja sólo un tema de los viejos "Y una flor", y agrega dos nuevos muy extensos: "Y ahora soy" y "Tiempo", dos de las composiciones que habían estado destinadas a los Estados Unidos; tenían una diferencia: se grabó una nueva banda de voces en castellano. Estos dos temas quizás no sean lo suficientemente transparentes como para advertir la música de total de "Arco Iris", pero demuestran la capacidad del conjunto para crear situaciones rítmicas de mucha intensidad sin usar las mayores potencias de los equipos. Todo el long play de "Arco Iris" está registrado en volúmenes muy bajos, aún cuando los temas requerían fuerza ellos no subieron los amplificadores de sus equipos. Esto es muy importante por dos causas: 1) La grabación adquirió de esa manera frescura y sutileza. 2) Demostró definitivamente que para sonar con todo no hace falta subir los volúmenes al máximo sino algo mucho mas simple: saber tocar. Lógicamente la música de "Arco Iris" se presta para interpretar los instrumentos suavemente, pero cuando la potencia se hizo necesaria la lograron musicalmente.

Es muy lindo ver el nacimiento de un buen conjunto, va a ser intersante comprobar como se irá creando el mito, la leyenda, alrededor de ellos, pero no hay que engañarse: la música de "Arco Iris" es una de las más difíciles que se producen en la argentina. Y en consecuencia, discográficamente no van a tener un impacto masivo. Lamentablemente no todos los disc-jockeys serán capaces de pasar sus temas en los programas radiales, no todas las revistas estarán seguras de que se merecen una nota, no todos los públicos querrán asistir a sus recitales: La música de "Arco Iris" lleva implícita un desafío de imaginación."

Revista Pelo (1970)

Formación:

Gustavo Santaolalla - Voz, Guitarra
Ara Tokatlian - Vientos, teclados
Guillermo Bordarampe - Bajo
Alberto Cascino - Batería

PISTAS:

A1. Quiero Llegar
A2. Hoy Te Mire
A3. Camino
A4. Coral
A5. Te Quiero , Te Espero
A6. Luli
A7. Cancion de Cuna para el Niño Astronauta
B1. Y Una Flor
B2. Tiempo
B3. Y Ahora Soy

ARCOS IRIS - ARCO IRIS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: La Nave del Rock Argento

Susan Christie - Discografía

Discografía - Paint A Lady (1970)

Hacia finales de los 60 y principios de los 70 fueron un período tan creativo que es triste darse cuenta de cuántos álbumes quedaron archivados, pasaron desapercibidos y no se les dio ninguna oportunidad. Este es el caso de Susan Christie y el álbum "Paint a Lady" del cual tuvo una tirada de sólo tres copias.

Susan Christie era otra artista más de folk que en los 60 pugnaba por iniciar una carrera en los Estados Unidos. Originaria de Philadelphia, había tenido un semiéxito "novelty" en 1966 con ‘I Love Onions’ pero para el final de la década su propuesta musical estaba centrada en un enfoque mucho más serio, que culminó con la grabación de un elepé junto al productor John Hill en 1969 para la Columbia. Destinado a ser editado en 1970, el sello decidió a última hora cancelar su lanzamiento y archivarlo por no estar seguros de su potencial comercial. La leyenda dice que sólo se conservaron tres copias del disco. Y nada más se volvió a saber de Christie.

Avanzamos 40 años después: el dj inglés Andy Votel encuentra en una cubeta de discos de vinilo viejos una copia de "Paint a Lady" y su sonido de psicodelia folk le deja noqueado, sin saber todavía que se trataba de uno de los discos más imposibles de encontrar del mundo (si es que alguien lo estaba buscando). No pasa mucho tiempo hasta que consigue reeditarlo (en 2006) en su sello Finders Keepers. Una de las canciones tiene el honor de ser editada, además, en single. Es sin duda la mejor pieza del disco, una joya de eso que décadas después se ha dado en llamar folk funk. Su título, ‘Paint a Lady’.

Gran melodía, voz hermosísima con cierta oscura melancolía, y esos arreglos imponentes llevados en volandas por la sensacional batería de Jim Valerio hacen de ‘Paint a Lady’ otro de esos clásicos instantáneos renacidos del olvido.

Cuando escuché por primera vez este álbum, lo primero que me acordé fue de los delicados arreglos tan efectivos, bien pensados y bien producidos con arreglos de banda y toques orquestales, sino que las canciones están bien elegidas y son atractivas, Susan Christie también tiene grandes cualidades vocales, una combinación fuerte que merece ser escuchada, y que hace que las escuchas repetidas sean un verdadero placer. "Rainy Day" tiene una hermosa melancolía oscura en la voz y la letra, mientras que a través de la música se eleva a la dulzura humana aceptable de lo que hace que ese sentimiento sea una "experiencia" (por lo que no se reducen las cosas, sino que se elevan a un placer musical).

En todas partes los arreglos son perfectos, con la emocionalidad adecuada fortalecida por la batería o el rock sumado a las orquestaciones más exuberantes (mezcladas con guitarras acústicas,..). De vez en cuando se hacen posibles asociaciones con una emocionalidad teatral/fílmica, como si se destacara una película acompañada de Morricone... y también hay una verdadera canción del oeste, "Ghost Riders in the Sky", de nuevo en el contexto del folk-rock.

En el medio del LP también hay una pista más larga de más de 9 minutos llamada "Yesterday, where's my mind?", con una introducción más experimental, con palabra hablada en trance, al principio solo acompañada rítmicamente, con un poco de órgano, antes de que el narrador/cantante y el órgano se vuelvan un poco locos, como una introducción más libre que aún conduce a otra canción real.

Formación:

Susan Christie - Voz

Jim Valerio - Batería

Kirk Hamilton - Bajo

PISTAS:

A1. Rainy Day

A2. Paint A Lady

A3. For The Love Of A Soldier

A4. Ghost Riders In The Sky

B1. Yesterday, Where's My Mind?

B2. Echo In Your Mind

B3. When Love Comes

B4. No One Can Hear You Cry

SUSAN CHRISTIE - PAINT A LADY "ÁLBUM COMPLETO"

Zakarrias - Discografía

Discografía - Zakarrias (1971)

Como todo disco sumido en la oscuridad del paso del tiempo, el que nos ocupa no está exento de detalles borrosos, rumores y posibilidades sin demostrar. Alguien vio en vivo alguna vez a Zakarrias?...

Con el boom del rock progresivo en los nacientes 70, los principales sellos disqueros se montaron su propia subsidiaria especializada. EMI lo hizo con HARVEST, PHILLIPS con VERTIGO y DECA con DERAM, entre otras. Esta última fichó a este cantante extraordinario, guitarra y bajista. 

Convirtiendo su único álbum en el más raro artefacto de la factoría DERAM, por encima del de "Mellow Candle". Uno de los últimos desembolsos por un original alcanzó los 3.500 dólares!. Pero ¿quién era Zakarrias?. Se supone que un austriaco llamado Bobby Hawner. Más rumores cuentan que este material iba a ser usado por un power trío de nombre "SALT". En el que estaban Huw Lloyd Langton a las guitarras (futuro fundador de Hawkwind), y John Lingwood en la batería (luego en Steamhammer). Nos falta un tercero, ¿quizá el propio Hawner?. No cuesta mucho imaginarse estos temas en formato hard rock, y además vienen firmados por el misterioso "Zakarrias". Aunque en su metamorfosis salen ganando en originalidad. Lo único que tenemos claro es el disco y sus créditos: Martin Harrison en la batería, Peter Robinson (Quatermass, Brand X, Suntreader, Stanley Clarke) en los teclados, Geoff Leigh (Quiet Sun, Henry Cow) en la flauta y saxos, y Don Gould en algunos arreglos de cuerda.

La voz de "Zakarrias" es absolutamente deliciosa. Al igual que sus acústicas. Lo que nos lleva inevitablemente a comparar este disco con el III de Led Zeppelin. Su montaje acústico haría salivar al propio Jimmy Page. Y esa voz llena de feeling no anda lejos del Robert Plant de aquel tiempo. Hay otra similitud clara: Zakarrias me recuerda poderosamente a un (muy) favorito personal, el grandioso, y poco conocido, Terry Reid. Del que tengo que hablaros a no mucho tardar. Curiosamente Terry Reid dijo "no" a una nueva banda que Jimmy Page estaba montando tras The New Yardbirds... "Zakarrias" podría haber ocupado ese puesto con tranquilidad, pero fue para Robert Plant. 

Pasión vocal, poderosa sección de ritmo, astutos vientos de corte progresivo, teclados jazzísticos Hammond / Rhodes, arreglos de cuerda nada cargantes y finamente dosificados..., canciones con el alma vertida de lleno. No mencionaré ninguna, ea! A tono jocoso, sí que resulta chocante oír en "Who Gave You Love" el comienzo de "La Raya", el himno macarra de Obús!! Casualidad compositiva, imagino. "Zakarrias" suele compararse también con los tremendos "T2". Añadiría al primer Al Stewart (otra conexión Page), "Pescado Rabioso", "Amazing Blondel", "Shawn Phillips" o incluso nuestro "Eduardo Bort".

La rumorología continúa diciendo que a Bobby Hawner se le negó el permiso de actuar en UK por su condición de extranjero. Por lo que el álbum perdió interés de promoción para DECCA. Pero estamos hablando de las lumbreras que dijeron "no" a los Beatles... De cualquier modo, una obra maestra incomprendida y que merece la atención que se ponga en ella. Sobre todo, si eres un Indiana Jones del buen rock arqueológico, sea éste prog, psych, acid, folk o de Ganímedes. Todo eso está aquí, my friend.

Formación:

Zakarrias - Voz, Guitarra, Bajo, Kazoo

Geoff Leigh - Flauta, Saxo

Pete Robinson - Teclados

Don Gould - Teclados, arreglos

Martin Harrison - Batería

PISTAS:

A1. Country Out Of Reach

A2. Who Gave You Love

A3. Never Reachin'

A4. The Unknown Years

B1. Sunny Side

B2. Spring Of Fate

B3. Let Us Change

B4. Don't Cry

B5. Cosmic Bride

ZAKARRIAS - ZAKARRIAS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Rockliquias