Patto - Discografía

Discografía -  Hold Your fire (1971)

"Timebox" fue una banda pop psicodélica que desarrolló su música en los años 60 (se formó en 1965) y que grabó algunos singles sin mucho éxito para Deram a finales de la década. Lo más trascendental de esta banda es que en 1970 firmaron un contrato con el sello Vertigo, ya bajo el nombre de "Patto". Con  Muff Winwood (hermano mayor de Steve Winwood) como productor grabaron su primer álbum.

En diciembre de 1971, "Patto" entró nuevamente en el estudio para grabar su segundo álbum Hold Your Fire, después Vertigo decidió no continuar con la banda.

A pesar de las malas ventas de discos, se estaban dando a conocer como una de las más interesantes para ver actuar en vivo, Muff Winwood pudo hacer que la banda firmara con Island para grabar el álbum Roll 'em Smoke' em Put Another Line Out en 1972.

Hablemos del disco que nos ocupa. Ignora el hecho de que la canción que da título al álbum suena casi exactamente igual que la introducción de "Ohio" de Neil Young y el segundo álbum de Patto arranca desde el momento en que la aguja golpea el vinilo.

Una fiesta enérgica de blues y rock divertido, Hold Your Fire conserva lo justo de la sensibilidad jazz fusión de su predecesor para que nunca estés seguro de lo que pasará después, pero de igual manera absorbe suficiente oxígeno de otras partes del underground británico de principios de los 70 para estar a la altura de cualquier otra joya primitiva de la época.

Sin duda, el productor Muff Winwood parece mucho más cómodo que la última vez, llevando los solos melódicos de Ollie Halsall muy alto en la mezcla y enmarcando las mejores canciones del álbum —la melancólica "You, You Point Your Finger" entre ellas— en unos arreglos impresionantemente hermosos.

Otro punto culminante, la funky al estilo "Faces" "See You at the Dance Tonight", casi por sí sola traza lo mejor del aún no nacido boom del pub rock, mientras que la juguetona "Air Raid Shelter" de "Halsall" no desentonaría en Hold Your Fire, lo que demuestra aún más que no todos los instintos iniciales de Patto han sido suprimidos.

Tampoco las sorpresas se detienen con la música. Hold Your Fire se lanzó con el diseño de funda más poco propio de Roger Dean al que Dean puso su nombre. Allí también, vastos paisajes espaciales llenos de islas flotantes y elefantes voladores nunca fueron realmente el fuerte de Patto — no cuando la alternativa ofrece policías descalzos, damas con poca ropa y hippies con setas coloridas.

El plato fuerte de "Patto" es una propuesta musical que hoy día puede parecer un poco exagerada por momentos. El primer álbum estaba más orientado hacia un fusión jazz - rock muy característico, pero el segundo, aún siguiendo muy orientado por la música fusión, resulta de un cambio de dirección, apostando más por la escena underground. Un rock sumergido y nada comercial. Repleto de genialidades, tanto por parte de Mike Patto, como de Ollie Halsall, que compone todos los temas, cuatro junto a Mike. Sin desmerecer para nada el resto de la banda, Clive Griffiths y John Halsey, bajo y batería respectivamente, una sólida base rítmica que da cuerpo al sonido de "PATTO".

Si bien Ollie comenzó su andadura musical como vibrafonista, acabó convirtiéndose en un gran guitarrista, lleno de inventiva y una gran capacidad de improvisación. 

De su unión con un vocalista como Patto, con esa voz tan reconocible, llena de matices y  escasa en delicadezas, nacieron dulces como ‘You, You Point Your Finger’ emotiva y directa. Clásicos del blues rock como ‘Hold Your Fire’,  incursiones en el rock and roll, country, funk y jazz. Un cóctel lleno de frescura y originalidad en una banda de culto, escasa en ventas y discos, pero abundante en calidad musical y originalidad.

El vinilo, y algunas ediciones en CD que imitan el vinilo, resultan interesantes también para admirar de paso una de las mejores portadas de Roger Dean. Si bien a muchos nos gustaría más tener el vinilo, esto tendría sentido si se tratara de un vinilo de época. Y como esto resulta difícil, tal vez la mejor opción podrían ser las ediciones de Repertoire o Esoteric, con bonos extra de tomas de sonido realmente buenas. Además, un Ollie genial tanto en la guitarra como en el vibráfono.

Un disco esencial para todos los aficionados al prog rock y a la buena música.

Formación:

Mike Patto - Voz principal

Ollie Halsall - Guitarra, Piano, Órgano, Vibrafono, voz

Clive Griffiths - Bajo, voz

John Halsey - Guitarra

PISTAS:

A1. Hold Your Fire (6:45)
A2. You, You Point Your Finger (4:30)
A3. How's Your Father (4:45)
A4. See You At The Dance Tonight (5:50)
B1. Give It All Away (4:10)
B2. Air-Raid Shelter (7:05)
B3. Tell Me Where You've Been (3:15)
B4. Magic Door (4:30)
9. Beat The Drum (Demo Version) (5:07) 
10. Bad News (Demo Version) (4:36)
11. Air Raid Shelter (Alternative Version) (7:02)

PATTO - HOLD YOUR FIRE "ÁLBUM COMPLETO"

Arco Iris - Discografía

Discografía - Los Elementales (1977)

[Fuerzas Mágicas de la Naturaleza]

Luego del alejamiento de Gustavo Santaolalla (principal compositor del grupo), y del baterista Horacio Gianello, muchos pensaron que la carrera de "Arco Iris" estaba terminada. Luego de un prolongado lapso, sale en 1976 un simple que contiene dos temas ( Sin Contratiempos / Los del casco de Oro), que marcaria una transición entre la era Santaolalla y los tiempos por venir. Ara Tokatlian es ahora el único lider musical de la agrupación y ocupa un papel fundamental no solo en los vientos sino también en los teclados (piano y sintetizadores), en los que ha venido desarrollando un muy buen trabajo. Es además el principal cantante. Las composiciones ahora se despojan del gran bagaje folklórico que poseían y se enmarcan en el área de la fusión jazz rock, aunque conservando aires autóctonos. Las nuevas adquisiciones de la banda, Ignacio Elisavestzky en guitarras y José Luis Perez en batería y percusiones despliegan un trabajo elogiable que termina de conformar un álbum excelente, con el cual "Arco Iris" cierra su actividad discográfica durante los 70s.

"La calidad musical de este álbum resultó inesperada, si se toma en cuenta el período de indefinición por el que pasó la agrupación hasta hace poco. El paso de varios músicos ayudó a determinar concretamente la búsqueda de Arco Iris, que finalmente opté por José Luis Pérez e Ignacio Elisavetsky. 

Las composiciones que integran Los elementales logran alcanzar un nivel expresivo poco frecuente en Argentina. Si bien los temas presentan cierta complejidad estructural, poseen un minucioso tratamiento armónico que permite el acceso al oyente mediante las variadas ondas que describe. La temática que encara Arco Iris en este trabajo no cuenta con antecedentes en el pais; consiste en un estilo tipo Jan Hammer Group. o Return To Forever, en cuanto a linea musical. Aunque desde hace bastante se evoca al jazz-rock en Argentina, es la primera banda local que lo encara de una forma tan lograda. 

Contribuye en gran medida el trabajo individual de cada uno de los integran-tes de Arco Iris, cuyos desempeños no presentan fisuras a lo largo del álbum. Ara Tokatlian realiza un papel fundamental en todas las composiciones, ya que a través de sus teclados o sus instrumentos de viento ejerce una conducción dinámica y rica en matices sonoros. La base rítmica, a cargo de Guillermo Bordarampé y Pérez, ofrece las virtudes de dos buenos instrumentistas. Quizás este trabajo contribuya a situar al bajista en el lugar que merece, ya que hasta el momento no fue evaluado en su real medida. El desempeño de Elisavetsky es correcto, aunque quizás en algunos pasajes su guitarra pudo haber sido mejor aprovechada.

Tapa: Se trata de un dibujo imaginativo que refleja el carácter compositivo del álbum; su interior contiene una buena fotografia la de los dos antiguos Arco Iris y está provista de buena información.

Síntesis: Un disco que logra un nivel sorprendente, tanto a nivel composittvo como interpretativo. Los ritmos y las melodías logran combinaciones efectivas, en función de una intensidad expresiva constante." 

Revista Pelo (1977)

Formación:
Ara Tokatlian - Vientos, teclados, voz
Guillermo Bordarampe - Bajo, Guitarra acustica, voz

Ignacio Elizabetsky - Guitarras eléctrica, acustica, voz
Jose Luis Perez - Bateria, percusion 
Dana - Guia espiritual, voz femenina

PISTAS:

Elemental de Tierra
A1. Gob (Maestro-Mago de los Gnomos)
A2. Destilando el Perfume de los Minerales

Elemental de Fuego
A3a. Cristalizando los Rayos del Sol
A4b. Djin (Maestro-Mago de las Salamandras)

Elemental de Agua
A4. Despertar de los Hijos de la Mañana
B1. Necksa (Maestro-Mago de las Ondinas)

Elemental de Aire
B2a. Los Nacidos del Viento
B2b. Paralda (Maestro-Mago de los Silfos)

Bonus tracks:
09. Sin Contratiempos (Single 1976)
10. Los Del Casco De Oro (Single 1976)

ARCO IRIS - LOS ELEMENTALES "ÁLBUMN COMPLETO"

McChurch Soundroom - Discografía

Discografía - Delusion (1971)

"McChurch Soundroom" fueron una extraña banda suiza de folk blues progresivo, los cuales solo publicaron un álbum en 1971 (con una siniestra y poco acertada portada por cierto), para posteriormente desaparecer de la faz de tierra sin que nadie sepa nada mas de ellos.

La única información sobre esta banda esta en la contraportada del álbum, en donde por lo menos y aparte del listado de canciones, viene por quien estaba compuesta; la vocalista y flauta Sandy McChurch, el teclista Alain Veltin, el bajista Kurt Hafen, el guitarra Heiner Althaus y el batería Norbert Jud.

En cuanto a su contenido, muestran un sonido heterogéneo que se acercaba al krautrock alemán con elementos del jazz y el hard rock progresivo, fusionado con los sonidos del folk y el blues británico.

Este álbum titulado "Delusion", fue publicado por el sello underground Pilz y muestra el eclecticismo musical de "McChurch Soundroom", desde sonidos muy cercanos a los primeros "Jethro Tull" con el tema inicial que da nombre al álbum, pasando por complejas composiciones como "Time Is Flying", magníficos acercamientos a los sonidos jazz progresivos como "Trouble" o típicos hard rock de los 70 como "Dream of Drummer".

Sin ser un trabajo excepcional ni demasiado original, su música es cuanto menos cautivadora y de gran ejecución instrumental por parte de todos sus integrantes, en especial los sonidos de flauta, guitarra y el órgano hammond.

FUENTES: Miguel Angel Godoy (Lifeson Rush)

Formación:

Sandy McChurch - Voz, Flauta

Heiner Althaus - Guitarra

Alain Veltin - Teclados

Kurt Hafen - Bajo

Norbert "Nobbi" Jud - Batería

PISTAS:

A1. Delusion
A2. Dream Of A Drummer
A3. Time Is Flying
B1. What Are You Doin’?
B2. Trouble Part I
B3. Trouble Part II

McCHURCH SOUNDROOM - DELOSION "ÁLBUM COMPLETO"

Sapo - Discografía

Discografía - Sapo (1974)

"Sapo", es una real muestra de rock chicano e indiscutiblemente hija de fusiones y ritmos que de alguna manera se convierten en una explosión fresca de ritmos tropicales que se decantan en un swing lleno de sabor y virtualidad. No hay duda alguna que la banda apuesta por la cultura urbana y la transforma en un coctel muy ponzoñoso compuesto por elementos de Rock, Jazz y salsa; todo eso se entremezcla y se consigue un sonido tan multicolor, cada pieza es intensa, rítmica y respira "nuyorica" por todos lados.

La performance es MAGISTRAL y llena de matices que realzan mucho el valor del álbum y la convierten en una experiencia muy grata y bastante interesante. Los músicos han explotado bien todos los recursos y han conseguido su propio sello, la música de Sapo es única, tal vez semejante en cierto punto a otras bandas de su "estilo" pero estos sobresalen por muy encima de ellos. Este sonido peculiar que adquiere la banda es producto de las influencias de sus miembros mexicanos. Por lo tanto, se puede degustar una especie de "Latin Jazz Rock" pero el punto no queda en dicho termino ya que es más amplio aun, en él se pueden apreciar sonidos montunos, latín jazz, salsa dura, rock chicano puro y duro y fusiones experimentales. Realmente es un álbum exótico a vista de todos.

Volver a escuchar este viejo álbum ha sido muy refrescante para mí, es un tónico que te llena de mucha vitalidad y sobre todo te recarga las pilas. Si eres fan de ritmos y fusiones, de trepidantes vanguardias sonoras hispanas y del swing de la llamada "nuyorica sound" te va a gustar mucho este álbum. En mi opinión es un infaltable y está mi top de 3 bandas de rock fusión, junto con el tercer álbum de Santana y el álbum solista de Jose "Chepito" Areas.

La banda estaba integrada por norteamericanos y mexicanos radicados en Norteamérica. En 1974 sacan a la luz bajo el sello Bell su primer y único trabajo titulado "SAPO".

Formación:

Richard Bean - Voz y timbales

Raul Rekow - Congas y percusión

Oscar Estrella - Guitarra y voz

Kincaid Miller - Piano

Bobby "Brown" - Gaviola, Batería

José Simon - Bajo

PISTAS:

A1. Been Had

A2. Can't Make It

A3. Ritmo Del Corazon

A4. Get It On

B1. Nina

B2. It's The Music

B3. Sapo's Montuno

B4. Wishbone

SAPO - BEEN HAD

SAPO - GET IT ON

Nicky Skopelitis - Discografía

Discografía - Ekstasis (1993)

"Ekstasis" está en una línea similar con "Hallucination Engine", siendo una mezcla embriagadora de funk, jazz, rock, world music y el fregadero de la cocina si agrega algo. El álbum está acreditado al guitarrista Nicky Skopelitis, pero el elenco de personajes que contribuyen se parece mucho a un álbum de "Material".

Bill Laswell ocupa un lugar destacado en este tema, así como el bajista Jah Wobble. Por ejemplo, Wobble domina "Sanctuary", la quinta pista del álbum. El bajo impulsor de Wobble y la gaita de Bachir Attar son los intérpretes destacados en esta pista, con las contribuciones de guitarra de Skopelitis desempeñando un papel más secundario que el centro de atención.

El álbum comienza pesado con un bajo que hace temblar los huesos y tablas que mantienen el ritmo. Wobble casi se roba el espectáculo hasta que Skopelitis entra con un toque de guitarra y luego un relleno de 12 cuerdas. A pesar de que esto está bajo el nombre de Skopelitis, él no evita darles a todos tiempo al frente y al centro del álbum.

"One Eye Open" es una pista escrita por Laswell/Skopelitis que habría encajado perfectamente en "Hallucination Engine". Se profundiza con un bajo fuerte y ritmo de batería, con un poco de compuerta en la batería que le da a todo el asunto una sensación de rock casi directo hasta golpearte con una pared de sitar, berimbau, chatan/ghatam y órgano.

La siguiente pista, "Heresy", está un poco más orientada a la guitarra, con Skopelitis rompiendo la guitarra slide, así como las seis cuerdas estándar. (Usa sitar, slide, guitarra eléctrica de 12 cuerdas, baglama, dobro y guitarra estándar de seis cuerdas en varios puntos del álbum)

"Witness" tiene a Skopelitis reventando todo el arsenal en una pista. Dobro, baglama y guitarras de seis y doce cuerdas. Todos tienen su turno, además de un encantador interludio de violín sobre una percusión constante pero interesante de Jaki Liebezeit.

El órgano Hammond B3 realmente brilla en "Telling Time". Hace el mismo tiempo que la guitarra abrasadora de Skopelitis en esta pista.

A primera vista, no hay mucha variedad en "Ekstasis". Es un álbum totalmente instrumental que se basa en gran medida en interesantes motivos de bajo, percusión y guitarra. Tienes que darle algunos giros para distinguir realmente entre las pistas. Es perfecto para la música de fondo (he escrito más de un par de trabajos universitarios y artículos sobre esto), pero también es gratificante en primer plano.

Me parece realmente decepcionante que Skopelitis no haya acumulado más catálogo en los 23 años desde que se lanzó "Ekstasis". Ha tocado con un montón de bandas, pero su producción en solitario es mínima. ¡Lo peor que puedo decir sobre "Ekstasis" es que no hay más! Usted también puede sentirse codicioso por más después de algunas escuchas.

Formación:

Bachir Attar - Flute (2), Gaita (5)

Aïyb Dieng - ghatam (3, 6), talking drum (5, 8)

Guilherme Franco - cuíca (2, 3), electric berimbau (3, 6), whistle (2), cowbell (3), tambourine (4), congas (10)

Zakir Hussain - tabla (1)

Bill Laswell - bass guitar (2, 3, 6, 10), production

Jaki Liebezeit - drums (2, 4, 5, 7-9)

Ziggy Modeliste - drums (1, 3, 6, 10)

Amina Claudine Myers - Hammond B-3 (2, 3, 5, 6, 8, 10)

Simon Shaheen - violin (1, 2, 4, 6, 9), Oud (2)

Nicky Skopelitis - electric guitar, twelve-string guitar, baglama (3, 9), Coral sitar (6), Dobro (9), production

Foday Musa Suso - harp (1, 8, 9), kora (4, 7)

Jah Wobble - bass guitar (1, 4, 5, 7-9)

PISTAS:

1 Tarab - 7:19

2 Meet Your Maker - 5:57
3 Ghost of a Chance - 5:06
4 Proud Flesh - 4:48
5 Sanctuary - 5:57
6 One Eye Open - 4:41
7 Heresy - 5:36
8 Jubilee - 4:39
9 Witness - 7:34
10 Telling Time - 4:57

NICKY SKOPELITIS - EKSTASIS "ÁLBUM COMPLETO"

Jeremy & The Satyrs - Discografía

Discografía - Jeremy & The Satyrs (1968)

Este es otro ejemplo de esas mermeladas sesenteras/setenteras de la época que fusionaban estilos sin resquemos y sus músicas era un ejemplo de lo amplio que podían llegar, siempre dentro de lo que se manejaba en el rock de la época, desde psicodélia, blues, jazz, soul, además de los experimentos, fusiones y amalgamas que crearían en el entrecruce de esos estilos para dar vida a algo nuevo. Prácticamente este disco ofrece algo distinto en cada una de sus pistas, toda una aventura por distintos sonidos, buena versatilidad de los músicos para pasearse por distintos lugares y con una habilidad para sonar con los yeites propios de cada estilo.

En cuanto a la aparición del jazz, este es uno de esos trabajos de innovación dentro de terrenos de jazz rock temprano y dentro del encuentro entre jazz y psicodelia que también era un sonido poco común para la época y mucho más extraño aun ya que el jazz no tuvo grandes encuentros con la psicodélia misma. Aunque en realidad no se trata de un disco de un estricto jazz rock, ni mucho menos de jazz, género que aparece de forma escueta en el trabajo salvo por un par de pistas. Generalmente este disco aparece en las colecciones de jazz o páginas referidas el género, pero poco tiene de jazz este sonido.

El jazz propiamente dicho, en su forma más estricta, aparece en "Superbaby", que es una interesante composición de jazz rock con buenos atascos jazzeros y buenos solos con influencia del blues. Pero también aparece en las piezas como "Canzonetta" que trata de un solo de contrabajo, jamás se escucha eso en un disco hippie de la época, y el otro momento jazzero del disco ocurre en "Foreign Release", una pieza de ejecución libre donde la banda se ahonda en lugares de experimentación, que ronda por lo psicodélico pero que también se acercan mucho a lo que sería el jazz libre o el vanguardismo, único en su tipo dentro de la psicodélia ya que pocos discos hippies contenían estos sonidos tan jazzeros.

No es un disco de un solo género, el disco es un ejemplo de todo lo que se escuchaba en la época, es un recorrido por muchos lugares. Un gran hallazgo proveniente de una banda que poca actividad tuvo y que poca carrera trazó luego de este disco, ya que los músicos se separarían rápidamente para seguir, en su mayoría, sus carreras en el mundo del jazz. Este oscuro álbum sesentero, aun ligado a la psicodelia, es el único lanzamiento de Jeremy & The Satyrs, y también es la primera grabación de tres futuros músicos de jazz: el flautista Jeremy Steig, el tecladista Warren Bernhardt y el bajista Eddie Gomez tocando aquí en un quinteto con el guitarrista Adrian Guillery y el baterista Donald McDonald.

Con un amplio uso de la flauta por parte del líder de la banda Jeremy Steig, el sonido de la flauta se ramifica a lo largo de todas las piezas, proveniente desde el jazz, pero con un sonido que se amolda a los estándares de la música de sesión psicodélica de la época. Además de Steig la banda se completaba con Warren Bernhardt en teclados, el baterista Donald MacDonald (quien tocó en el legendario álbum de Sabicas, "Rock Encounter With Joe Beck"), el extraordinario guitarrista Adrian Guillery y el famoso Eddie Gomez en el bajo. En 1966 se formaron los estadounidenses de "The Satyrs" como banda de acompañamiento del cantante de folk Tim Hardin. "Jeremy & The Satyrs" fue uno de los primeros conjuntos de fusión de jazz que grabaron en Reprise Records en 1968, EE.UU.

Este trabajo está dedicado especialmente a los amates de los sonidos de la época, porque lo tiene todo, todo lo que se escuchaba en el momento está sonando aquí, mucho soul, blues, algo de jazz, sonidos vanguardistas, buenos atascos, buenas improvisaciones, buena aparición de la armónica blusera y buena versatilidad de la guitarra eléctrica a la hora del soul. No es un disco que marcó tendencia, pero sin dudas hay algo especial aquí. Muy variada propuesta, mucho por escuchar y degustar en cada una de las piezas que lo componen el trabajo.

Formación:

Jeremy Steig – Flauta

Adrian Guillery − Guitarra, Armónica, voz

Warren B. Bernhardt − Piano eléctrico, voz

Eddie Gómez − Bajo

Donald McDonald – Batería

PISTAS:

A1. In The World Of Glass Teardrops

A2. Superbaby

A3. She Didn't Even Say Goodbye

A4. The Do It

A5. The FIrst Time I Saw You Baby

B1. Lovely Child Of Tears

B2. (Let's Go To The) Movie Show

B3. Mean Black Snake

B4. Canzonetta

B5. Foreign Release

B6. Satyrized

JEREMY & THE SATYRS - JEREMY & THE SATYRS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas

Brainchild - Discografía

Discografía - Headling of the lunatic owl (1970)

Interesante pieza de rock con tendencias progresivas en sus desarrollos y con la característica de la sección de vientos que acompañan las piezas en sus travesías durante sus muchas partes. En general las composiciones tratan de canciones enriquecidas por atascos internos consistentes en partes y subpartes que se suceden entre arreglos de viento, partes progresivas y solos improvisados, alargando la pista y apareciendo justo en la parte donde aparecería el momento del solo en una pieza de rock más convencional, por lo que las canciones quedan enriquecidas por secciones instrumentales progresivas.

 

Para los entusiastas del prog rock, o para quienes busquen algo de complejidad que saque a las canciones de su lugar convencional, esto puede resultar bastante entretenido e interesante, todas las piezas son básicamente canciones, con partes progresivas, pero canciones al fin y al cabo, ejecutadas con pasajes entretenidos y dinámicos en ritmos de batería y buenas adiciones de guitarra eléctrica, aunque la característica que resalta del sonido son las líneas de viento provenientes de la sección de metales con la que contaba la banda.

 

El sonido del grupo es de rock, incluso con algunos buenos rifs y buenos atascos, pero el sonido general que logran no es para nada heavy, la guitarra cumple un rol de acompañamiento secundario más allá de sus arreglos y algún solo pasajero. El disco es fino y con un sonido enriquecido por las líneas de viento, tal vez se podría esperar más de una formación tan variada y completa pero el resultado general no decepciona. Son una suerte entre "Chicago Transit Authority" y "Blood Sweat And Tears", aunque decididamente mucho más progresivas y complejas que las nombradas anteriormente.

 

El trabajo contiene sus pasajes progresivos pero su insistente decaimiento hacia la cancion hace del estilo algo cercano a lo que se conoce como "art rock", o sea un rock enriquecido y con miras no necesariamente progresivas, pero si engrosadas con factores como partes instrumentales, arreglos delicados, o una oscuridad en general, etc. Aquí hay sabores de rock, blues, jazz, música progresiva, brass rock, funcionando al servicio de un disco bastante oscuro y desconocido.

 

Las composiciones del álbum no deslumbran en demasía, pero se trata de una pieza desconocida que vale la pena descubrir, algunas fusiones y algunos experimentos progresivos pueden llegar a llamar la atención, especialmente las pistas "Autobiography" y "Healing Of The Lunatic Owl" que son piezas con las que el álbum se abre y tiene buenos pasajes instrumentales. El resto son inventos de la banda que oscilan entre la canción y que cuentan con partes también progresivas, donde se destaca la acústica "Sadness Of A Moment", o "To B" que cierra el disco y también contiene un buen sonido progresivo.

 

"Brainchild" fue una oscura y desconocida banda británica que grabó un solo disco antes de desaparecer de la escena. El septeto grabó su único álbum "Healing Of The Lunatic Owl" en el oeste de Londres, en 1970, bajo el sello "A&M" y producido por Lennie Wright, baterista de "Web" y "Samurai". En general el disco tiene un sabor progresivo marcado y una tendencia o sabor de jazz rock por la adición de la sección de viento que enriquecen las piezas. El nivel de complejidad es relativo, no se trata de un progresivo cerrado o difícil de escuchar como otros proyectos más complejos, esta es más bien un prog ligado a la canción, una interesante pieza para descubrir.

Formación: 

Harvey Coles - Bajo, Voces
Bill Edwrds - Guitarra líder, Voces
Dave Muller - Batería
Chris Jennings - Órgano, Piano
Brian Wilshaw - Saxofón, Flauta
Lloyd Williams - Trompeta

PISTAS:

1. Autobiography - 3:35
2. Healing Of The Lunatic Owl - 5:05
3. Hide From The Dawn -6:50
4. She's Learning - 4:13
5. A Time A Place - 8:55
6. Two Bad Days - 3:55
7. Sadness Of A Moment - 4:08
8. To B - 3:52

BRAINCHILD - HEADLING OF THE LUNATIC OWL "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas

Aurora - Discografía

Discografía - Aurora (1977)

"Aurora" fue un grupo tejano formado a mediados de los 70 (1976) y fundado por el violinista Mark Menikos y el guitarrista Skip SoRelle. El nombre lo tomaron de un disco de una de sus grandes influencias, "Jean-Luc Ponty". El resto de la banda estaba compuesta por Roy Vogt (bajo), John Sharp (teclado) y Martin McCall (batería).

El recorrido de Aurora fue de apenas cuatro años, en 1980 dejaban de existir. Durante su carrera no editaron ningún disco. Años después (1999)  fueron rescatadas algunas de sus grabaciones.

Este CD de "Aurora" es una recopilación de temas grabados en 1977. Los tres primeros se realizaron en los estudios Sound de Dallas y el resto fueron grabados en una retransmisión para la emisora local KZEW-FM de esa misma ciudad. La música que desarrollan está muy influenciada por gente como  Jean-Luc Ponty, jazz rock instrumental donde el violín tiene un papel muy importante. Me recuerdan mucho al grupo español "Teverano" y la parte rítmica esta muy cercana a lo que hacían grupos como "Iceberg" o más tarde "Pegasus". Tema destacado sin duda el que abre la grabación. "Opus 8", son once minutos que nos muestran claramente lo que vamos a encontrar en el resto del disco.

Formación:

Roy Vogt - Bajo

Martin McCall - Batería

Skip Sorelle - Guitarra

John Sharp - Teclados

PISTAS:

1. Opus 8 -11:53

2. Within - 5:56

3. Dancing On A Plain In Spain - 8:14

4. Is There Any More? - 4:27

5. Off-Blue - 4:54

6. Eurhythmia - 5:02

7. Savage Lust - 6:55

8. Polyfolk Dance - 5:05

9. Khartouhm - 9:58

10. Jubilee - 10:40

AURORA - AURORA "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Rockliquias

PSI - Discografía

Discografía - Horizonte (1977)

"PSI", pese a su corta vida, se encuentra entre la elite del jazz fusión alemán. Nacidos a mediados de 1975, en Mainz, capital del estado Rhineland-Palatinate, Alemania, solo vivieron dos años y medio, un corto periodo en el cual se las ingeniarían para dejar muy buenos sonidos, publicados en un solo trabajo.

Muy poca información hay sobre ellos y sus orígenes, salvo que el grupo estaba integrado por Bodo Feldmann en bajo y voz, Volkmar Zimmermann en guitarra y voz, Robert Jahn en batería percusión y voz, Wilfried Kunkler en saxo y percusión, ademas de Matthias Frey en teclado, que parece ser el líder, tanto por sus composiciones como por su estelar participación.

"Horizonte", un interesante trabajo de jazz fusión, con características heredadas un poco de la escuela jazz rock de su país, con la potencia y el espíritu de incursionar en las fusiones, como "Passport", "Missus Beastly", "Kraan", entre otros; aunque a la vez plantean un escenario no tanto hacia el krautrock sino un poco más hacia un lado progresivo, cambiante.

Las composiciones y arreglos originales, todos de Matthias Frey, dan un resultado que sólo puede ser descripto y ejecutado por PSI, un ambicioso despliegue de distintos pasajes e intensidades ejecutadas con sutileza, que convierten a los temas no solo en bases sobre las cuales improvisan, sino que la improvisación es parte de esa combinación estructural que se va mutando constantemente.

Tal vez parezca engañoso el primer tema, que parece más sencillo, pero es tan solo prologo para lo que vendrá después, que son una serie de elegantes piezas, en donde surge lo funky y progresivo, manejados de una manera estructural virtuosa; con una destacable base rítmica que realza el ánimo de las piezas.

Poco se sabe del grupo en sí, salvo que Matthias Frey, luego de este lanzamiento, se convertiría en un prolífico compositor, junto a algunas bandas y varios proyectos en solitario. El guitarrista Volkmar Zimmermann se unió a la banda danesa "Kvartet Corona" en 1995.

Formación:

Bodo Feldmann - Bajo, voz

Volkmar Zimmermann - Guitarra, voz

Robert Jahn - Batería, percusión

Wilfried Kunkler - Saxo, percusión

Matthias Frey - Teclados

PISTAS:

A1. Unter der Schürze liegt die Würze (2:27)
A2. Bettgeräusche (5:26)
A3. Horizonte (7:28)
A4. Elektrisch Kall-Heinzje (5:02)
B1. Urschrei (2:04)
B2. Breikopf (8:35)
B3. Drall / Arkadash (9:25)

PSI - HORIZONTE "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas

Hansson & Karlsson - Discografía

Discografía - Rex (1968)

Hansson & Karlsson son escuela de la psicodélia y música fusión en su Suecia natal, con una primera publicación discográfica que apareció ya en 1967 y donde presentaban un particular sonido que funcionaban como una amalgama entre la psicodélia, el jazz y la música progresiva temprana, toda una revelación y en especial por tratarse de solo dos músicos la banda, Hammond y batería. Estos sonidos llegarían a oídos del gran Jimi Hendrix, el cual los conoció en plena gira europea, la cual lo llevaría a tocar en Suecia, estancia que le daría la oportunidad de conocer al dúo, tocando con ellos en vivo e incluso llegando a adoptar uno de los temas del dúo para su repertorio personal, el mismísimo "Tax Free" que era original de "Hansson & Karlsson" y que muchas veces Hendrix tocó en vivo y que incluso también dejó grabado en estudio y que fue publicado en ediciones póstumas.

Pero para su segundo disco, este dúo sueco subiría la propuesta e iría mucho más lejos. Ellos habían comenzado con un sonido alucinante presentado en una música fusión sin nombre de amalgama entre la psicodélia y el jazz, funcionando dentro de piezas de duración estándar, pero particular por la fusión presentada y por la innovación de ser solo dos músicos. Pero para su segundo trabajo romperían con esto y experimentarían con sonidos mucho más rupturistas aun, lo cual les significaría la indiferencia del público conocedor de la música de esta época, situación que no limitó ni limita creativamente esta segunda producción aparecida en su discografía. En esta oportunidad, su segundo disco llamado "Rex", de 1968,  siguen explorando las posibilidades instrumentales posibles obtenidas del dúo de Hammond y batería pero esta vez desenvolviendo el sonido en dos muy extensos temas instrumentales, los cuales en cuanto a duración no eran una novedad pero que en cuanto a la experimentación estructural significaban todo un adelanto para tratarse de un joven 1968, ya que sin duda son sonidos proto progresivos o progresivos tempranos con gran forma para tratase de ese año.

"Rex" consiste en un disco que originalmente en su edición de época presentaba a cada lado un pequeño track introductorio sumado a una extensa sesión, o sea dos piezas a cada lado. Lo más rico ocurre en esas dos extensas sesiones instrumentales, una de catorce minutos y otra de veintidós, en las que la banda despliega todo su poderío instrumental, su versatilidad creativa, su fuerza y frescura a la hora de improvisar, y toda la dinámica que el dúo había adquirido ya para ese año de tanto tocar juntos, con un nuevo repertorio plasmado en extensas sesiones realmente progresivas que consisten en estructuras que varían continuamente en intensidad, forma y dinámica. Este estilo es propio y único del dúo, recordando a sonidos progresivos similares y también dominados por teclas como lo sería de bandas como "Elluffant" o "SBB", pero con una forma no tan madura en lo progresivo en el caso de "Hansson & Karlsson", aunque con gran nivel para tratarse de 1968, realmente unos precursores infravalorados.

"I Love, You Love" es una de esas extensas sesiones que aparecen en el disco, la más organizada se podría decir ya que está grabada de una sola toma, una pieza muy extensa que recorre con poderío y versatilidad por gran cantidad de partes y estados internos en una avanzada instrumental sorprendente. La segunda de esas extensas piezas sería "Chateau Plaisance", esta vez aunque sí consiste también en una extensa sesión, es más que nada un pastiche de varios fragmentos y sesiones pegadas en una sola, por lo que varias veces en su interior se puede escuchar el traspaso de un fragmento a otro, un experimento interesante.

Un de las grandes hazañas musicales de este dúo era la capacidad que tenían de, siendo solo dos músicos, completar el espacio y funcionar incluso también de manera explosiva, con unos órganos Hammonds que reverberaban y recobraban un brillo propio muy particular y que se volvió un distintivo del grupo, con muchos momentos sonoros que asombran por la explosión e intensidad con la que lograban sonar. Para alcanzar este tope y lograr un sonido tan propio se necesita una versatilidad técnica muy especial para poder completar los espacios y, entre dos, poder dominar el sonido, lo cual por cierto no es algo tan impensado de lograr con un órgano (o teclado), con el cual se pueden ejecutar hasta dos líneas melódicas/armónicas a la vez. Por otro lado también contaban con ese don de haber extraído del Hammond un sonido también único y distintivo del grupo, lo cual tampoco es tan fácil de alcanzar pero cuando se logra se pueden alcanzar sonidos de vanguardia para la música progresiva.

La música de "Hansson & Karlsson" fue siempre muy difícil de definir a ciencia cierta, era una amalgama en la que circulaban nociones de jazz, soul, psicodélia, blues, y ya para su segundo trabajo presentaron sonidos muy complejos en los que tiene lugar un estilo proto progresivo. Toda una mezcla de colores y sabores que convergen en una sola ejecución punzante y convencida de su propio brillo, un convenio experimental que planteó sonidos únicos en la escena de su país y llevó a cabo hazañas sin nombre que fueron la vanguardia en el movimiento psicodélico y "progg" sueco. Es música que puede resultar no fácil para muchos, puramente instrumental y con un fuerte contenido de armonías de jazz, nociones de soul, ambientes psicodélicos y peor si a eso se le suma una complejidad embriagante, un combo que no es para cualquiera y que no es muy apreciado en general, pero quien se tome el tiempo de acercarse a estos sonidos no quedará defraudado en absoluto, ya que se trata de una banda con un espíritu propio al que manifiesta desde el primer segundo.

PISTAS:

A1. Live 1:14

A2. I love, you love 13:54

A3. Carolus Rex

B. Chateau Plaisance

HANSSON & KARLSSON - REX "I LOVE, YOU LOVE"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas