The Beatles - Discografía

Discografía - Sgt. Pepper's lonely hearts club band (1967)

El octavo disco largo de los Beatles fue grabado en un momento especialmente dulce de su carrera: acababan de decidir, por unanimidad, abandonar las giras y centrarse en grabar discos; podían entrar en los estudios de Abbey Road a grabar lo que quisieran y cuando quisieran; aún vivía Brian Epstein, verdadero amigo e impulsor de su carrera, que los mantenía unidos, y se hallaban, en definitiva, inmersos en un universo pleno de éxito, fiestas, sexo, drogas alucinógenas y reconocimiento casi unánime por parte de todos los sectores que, aunque no podía terminar de otra manera que haciendo explosión en cualquier momento, todavía les brindó unos años álgidos de inspiración y de concentración disciplinada en su trabajo.

En estas circunstancias se grabó uno de los discos más geniales, redondos e influyentes que ha dado la música popular, cuya estela perdura y tiene visos de seguir perdurando indefinidamente, de generación en generación. Se ha dicho toneladas de cosas sobre su formato vagamente conceptual, su portada, los disfraces de los gachós y demás, así que todo eso lo dejo para los eruditos y tertulianos diversos del pop, que los hay a espuertas. Simplemente dejar claro que, quizá por primera vez, los miembros del grupo se implicaron en gran medida y con enorme ilusión en todo lo que rodeaba al disco. Estamos en ese momento mágico en que los LPs dejan de ser una colección de singles recopilados por la compañía de discos, con una simple foto del "pescao" que se trata de vender, y pasan a convertirse en un trabajo del propio artista, que cada vez en mayor medida toma las riendas de la producción, el arte de la portada, el orden de los temas, etc.

La canción homónima que abre el disco es una especie de "jirón" del medio frustrado carácter conceptual que McCartney pretendía dar al disco entero, y nos mete de lleno en lo que parece que va a ser simplemente un disco de rock bastante majete y energético. Sin embargo, la entrada paulatina de elementos como aplausos y risas enlatadas, coros amplios o secciones de trompas nos empieza a sacar de la cabeza cualquier idea preconcebida. Cuando el final de la canción (cuya letra anuncia algo, una actuación) da paso a la melancolía de Ringo en "With a little help from my friends", un alegato a la amistad y el buen rollo cuya música parece brotar como el agua del final del tema anterior, ya no cabe duda: estamos ante un monstruo de muchas cabezas recién ensillado. Nos vamos de viaje.

Y a todo esto falta por manifestarse todavía el mismísimo John Lennon, que hace su aparición en ese mismo instante. La llegada de "Lucy in the sky with diamonds" (esa mítica alusión al LSD) podría tomarse como un cambio de esquemas que no pega del todo, una especie de "disidencia" interna por parte del aguardentoso e inquietante Lennon… si no fuera porque las dos primeras canciones han dejado el ambiente preñado de una solidez tan mágica y particular que, contra todo pronóstico, cabe en adelante pensar en el disco como en un todo a pesar de sus constantes golpes de timón.

Pasada la tormenta de alucinaciones de "Lucy", McCartney vuelve a tomar las riendas y, siempre contrapesado por las maquiavélicas y agudas maquinaciones del difícil Lennon, nos regala con "Getting better" y "Fixing a hole" un nuevo rato de alegría pura y exultante, que desemboca en la triste y sensible historia de "She’s leaving home". En este momento la participación de Lennon se torna crucial, no sólo porque aportó un nuevo ángulo de visión en el estribillo, sino porque, terminada la canción, es él quien nos saca de allí amablemente, disolviendo la tristeza de la historia a base de zambullirla de nuevo en un barril de LSD puro: "Being for the Benefit of Mr. Kite!" no es más que un juego, un experimento sonoro cuya inspiración brotó de un simple cartel que vio Lennon, pero es para mí uno de los mayores aciertos de este disco. La melodía serpenteante, concisa y maravillosa de esta canción, aparte de su redondez mágica propia de los más grandes, tiene un no sé qué irónico, lúcido y chistoso, que le confiere un aire maligno pero a la vez curativo.

La cara B se regodea en el ambiente ya creado, y nos va llevando de aquí para allá con un abanico de contrastes aún mas marcado. Un George Harrison por fin plenamente empapado de pasión por el hinduismo y por el sitar, instrumento que ya había empezado a chapurrear bajo la tutela del gran Ravi Shankar, nos propone zambullirnos en la escucha de "Within you without you" que, aunque quizá sea el corte más plomizo del disco, engarza mágicamente con el resto. No en vano estamos ya hipnotizados. Y es que en "Sargent Pepper’s", cualquier canción compuesta por un genio bajo el peso de grandes cogollos de marihuana, y que dijera cosas más o menos enérgicas, bonitas o positivas, no estaba de más. Así son todas, así quedaron. Quien tenga "soniquete", que lo repita si puede.

Poco tardamos en sacudirnos el "plastón" hindú: llega de nuevo McCartney con la caballería. La amabilidad de "When I’m sixty four" y la brillante ironía de "Lovely Rita" (canción en la que tira los tejos con elegancia a una tipa que le había puesto una multa por aparcar mal o algo así) nos ponen de nuevo en nuestro sitio, sonrientes, felices y con la mirada rumbo a quién sabe dónde. Los coros de "Lovely Rita" miran de nuevo al cielo, llevan ese sello Beatle que suena como si te subes el Everest a buen paso mientras roes sin descanso barritas energéticas.

Y aquí llega de nuevo Lennon con "Good morning good morning", una especie de descacharrante y animada cuadratura del círculo en la que la musicalidad más exquisita y natural no está reñida con los cambios de compás más inesperados. Qué jodío el andoba. Buenos días, buenos días… ¡BUENOS DÍAS!, nos dice sin perder su flema inglesa. No sabe uno bien de quién se está riendo, pero desde luego se debió partir el pecho a gusto mientras la inventaba.

Hasta aquí llega el disco, porque tanto esta canción como las otras dos que la siguen pueden ser un perfecto broche de oro. Pero no renunciaron a ninguna de las tres (menos mal) y las colocaron en fila india y en perfecto orden lógico. Tras "Good morning" llega el cierre natural: la segunda parte de "Sargent Pepper’s", que remata la (supuestamente) fallida faena conceptual de McCartney y se puede escuchar como quien ve pasar los títulos de crédito mientras hace un repaso de la suculenta película que ya toca a su fin. Pero las luces del cine no se apagan, porque esta obra maestra merece un final apoteósico. Señoras y señores, aquí llega "A day in the life", una monstruosidad de canción apañada a partir de sendos "trocitos" de tema, primero uno de Lennon y luego otro de McCartney, con los cuales no sabían que hacer sus respectivos autores, y que fueron diabólicamente unidos a huevo puro, empastándolos mediante un arreglo orquestal grandilocuente que te deja sin habla. El famoso arreglo no es más que un crescendo lento en el que los instrumentos van tocando notas cada vez más agudas, subiendo de semitono en semitono. Se repite dos veces: la primera sirve para separar las intervenciones de los dos genios, y la última, más incisiva, va en busca de un majestuoso y extenso acorde conclusivo en el que se concentra todo lo escuchado hasta el momento. Si en muchas ocasiones el "truco" de la música consiste en elevar la tensión hasta un punto poco tolerable y resolver por fin con una distensión liberadora, pocos ejemplos de este método pueden servir de una manera tan plena, tan clara como éste.

Así termina la que para muchos es la obra cumbre de los Beatles, pues si bien quedaban todavía tres o cuatro exquisitos platos que degustar antes del temido fin, que quizá fueron mejores aún en algún sentido, ninguno fue ya tan redondo, tan prieto y homogéneo (¡sin serlo en realidad!) como "Sargent Pepper’s". Eso sí, debe ser escuchado entero, con tiempo y en paz. Nada es indivisible en este mundo, como dijo Jack el Destripador, pero cosas como ésta merecen ser consideradas como un todo. Vale la pena.

Nota: por cierto, quedaron fuera del LP dos grandísimos temas que salieron aparte en single: "Strawberry fields forever" (del Lennon más lisérgico) y "Penny Lane", del McCartney más "Willy Fog". Imprescindibles ambas también.

Formación:

Paul McCartney - voz, bajo, coros
John Lennon - voz, guitarra, coros
George Harrison - Guitarra, voz, coros
Ringo Starr - Batería, voz

PISTAS:

1. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
2. With a Little Help from My Friends
3. Lucy in the Sky with Diamonds
4. Getting Better
5. Fixing a Hole
6. She's Leaving Home
7. Being for the Benefit of Mr. Kite!
8. Within You Without You
9. When I'm Sixty-Four
10. Lovely Rita
11. Good Morning Good Morning
12. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)
13. A Day in the Life

THE BEATLES - SGT. PEPPER'S LONELY HEARTS CLUB BAND

THE BEATLES - A DAY IN THE LIFE

FUENTES: El Portal del Metal

Eloy - Discografía

Discografía - Ocean (1977)

"Eloy", grupo Alemán formado en 1969, el nombre del grupo fue escogido del libro de H.G. Wells "La máquina del tiempo" donde existía una raza futurista llamada "Eloi" que ha sobrevivido al desastre de guerras y catástrofes.

Eloy es uno de los mejores grupos de Krautrock, aunque también toca otros palos, art-rock, rock espacial, psicodelia, e incluso el rock sinfónico, un constante cambio de la música, fue un experimento continuo.

La formación ha tenido durante su trayectoria muchos cambios en la banda, para este álbum la formación fue la ideal, el que siempre ha estado su líder Frank Borneman (voz y guitarra), Jürgen Rosenthal (ex de los Scorpions, batería y letrista), Klaus-Peter Matziol (voz y bajo) Detlev Schmidten (teclados).

Decidieron romper con su etapa psicodélica y aventurarse en una música más trabajada y profunda dentro del sinfónico y progresivo, donde les asemejaron con grupos de la época, como por ejemplo al "Sommerabend" de Novalis y “Rockpommel´s Land” de Grobschnitt, álbumes esenciales en el rock Alemán e internacional, sin olvidar a los eternos Pink Floyd.

Banda que siempre se consideró por la crítica musical como los "Pink Floyd" alemanes, no digo que en muchos momentos coincidan pero disiento de ello, creo que tiene su propia identidad musical haciéndoles uno de los grandes grupos del sinfónico-prog, pero como siempre ocurre con este tipo de música el grupo es conocido solo por los seguidores del rock sinfónico-progresivo.

"Ocean" es el sexto álbum del grupo, salió en 1977 con gran éxito de ventas, incluso en su país natal vendió más que Génesis y Pink Floyd, es un disco espiritual que cuenta la historia del ascenso y caída de la Atlántida. Sería injusto por mi parte no darle un reconocimiento especial y espacial a la imaginación del batería Jurgen Rosenthal quien puso las letras y le dio el argumento y la poesía a este álbum. Es una historia épica, un mundo mitológico, intrigante, es difícil describir con palabras pero no te deja impasible, los textos son pomposos, pretenciosos y cuenta  la historia de Poseidón (mitología griega) y el mito de la Atlántida,  su creación (Poseidon's Creation , Incarnation Of The Logos) la caída (Decay Of The Logos) y su destrucción (Atlantis' Agony).

"Ocean" es imaginación y fantasía constante, puede ser que en su primera escucha pueda dar la sensación de improvisación y pesadez, pero nada más lejos de la realidad, es fascinante desde el principio, pero también hay que reconocer que el disco ha tenido muchas críticas relacionadas con la voz y tengo que decir que es cierto,  a pesar de ser un grupo alemán decidieron cantar en inglés y es aquí donde esta unos de los pocos fallos del disco (por no decir el único), el inglés de Frank Bornemann no es muy bueno que digamos y en algunos momentos la voz es un tanto débil, demasiado educada.

El disco tiene 4 canciones a cual más brillante con diferentes tiempos pero que musicalmente encajan a la perfección, combina sonido atmosférico y melodías con mucha fuerza pero agiles y naturales, el sonido es un sinfónico pesado con un amplio uso del sintetizador y batería, aportando momentos increíbles y mágicos, siendo este el núcleo musical del álbum, efectos envolventes de guitarra para formar un sonido futurista, un bajo poderoso y aplastante. Tengo que decir que he compartido la escucha de este disco con otros colegas y sé que podría no ser del gusto de todos, es posible que para los neófitos les produzca algo de modorra al utilizarse tanto sintetizador, pero les ocurre a los que solo acarician la superficie del disco y buscan la sencillez de oído.

Empecemos a desgranar esta joya, la introducción es gigantesca, "Poseidon’s Creation", la creación de la Atlántida, para mí el mejor tema del álbum y eso que el resto es una maravilla. He oído mucha música y tengo que decir que hay muy pocos temas en la música rock, donde sintetizador, guitarras y batería mantengan un equilibrio musical durante más de 5 minutos, solo los grandes grupos tiene ese "Don".

Nada más empezar los primeros acordes nos vemos envueltos en una atmosfera melodiosa con un portentoso y espacial mellotrón de schmidtchen, te transporta en la alfombra voladora de su teclado, incrementando a cada nota la fuerza de su mellotrón, donde hay momentos de pasajes más pesados que recuerdan a la primera época de Tangerine Dream y otros que recuerdan en ocasiones a Génesis.

Pero no podemos olvidarnos del resto de la "orquesta", el gran protagonista  es esa soberbia batería con esos break maravillosos que aunque son repetición lo ejecuta a la perfección, con un bajo con unos graves maravillosos, preciso y pegadizo…. y sobre todo con una guitarra con evocaciones "Pinkfloydianas", en definitiva una oleada de instrumentos alocados pero bien orquestados, con sonidos de fondo que imitan el eco en algún lugar de las profundidades y justo al final esa guitarra con unos agónicos acordes y acompañamiento de coros.

"Incarnation of the Logos", en la línea del primer tema con mucha influencia de teclados y sobre todo un texto apoteósico de Rosenthal que dice algo así "no hay seres vivos, ni mar, ni cielo, no hay movimiento, ni colores, hay un vacio completo, el universo y los planetas no saben que están atrapados en una zona muerta". La primera parte de la canción a la vez de apacible es desgarradora, intrigante y muy melódica, con voces entrelazadas y donde de nuevo la majestuosidad del teclado de Detlev Schmidten y la batería de Jürgen Rosenthal nos transporta a una atmosfera misteriosa y cósmica, se nota en todo momento la imaginación de los años 70, un perfecto rock espacial y progresivo. Y una segunda parte más vital con riffs en la música y en la letra convirtiéndola en una gran fiesta musical.

"Decay of the Logos" nos cuenta el inicio del final de Atlantis, violencia, guerras, hambre, musicalmente seguimos en la misma línea aunque más corta que las anteriores, pero muy bien confeccionada, más intensa. Este tema también tiene dos partes muy diferenciadas, esta primera muy suave, melódica y una segunda en progresión y con más fuerza, más progresiva, donde me recuerda de nuevo a Génesis. En cuanto a la voz (con un inglés pésimo) no es cantada sino más bien es un relato. Volvemos a un teclado con mucho poder y dando un ambiente espacial, un hermoso y oscuro sonido del bajo. En general es una pieza musicalmente y líricamente más pesada.

Y para finalizar un tema algo caótico, "Atlantis’ Agony At June 5th – 8498 13P.M. Gregorian Earth time", habla sobre la destrucción de Atlantis por los dioses, es una epopeya perturbante y difícil de asimilar. Es la canción más larga de todas casi 15 minutos de música atmosférica con grandes efectos sonoros que dan la impresión de espacio. Si en los temas anteriores el teclado era esencial aquí es determinante y junto con una guitarra sorprendente hacen de este tema una joya del space rock. Comienza con un laberinto de sonidos espaciales, con un órgano hammond a pleno rendimiento y quizás algo denso, al fondo la voz en un monologo de borneman, que por desgracia en esta canción es donde se nota a peor su inglés. Los break de batería son muy "Pinkfloydianos", al igual que el resto de temas empieza suave, para ir intensificándose gradualmente, la estructura de la canción es muy compleja, quizás en la primera escucha algo cargante pero al final la música comienza a surtir efecto y entra fácilmente. El final es frenético y asombroso con todo el grupo dando lo mejor.

En definitiva, un disco apto para todo amante del Space Rock y todo aquel que disfrute del Rock Progresivo en general.

PISTAS:

1. Poseidon's Creation (11:38)
2. Incarnation Of The Logos (8:25)
3. Decay Of The Logos (8:15)
4. Atlantis' Agony At June 5th - 8498, 13 p.m. Gregorian Earthtime (15:35)

ELOY - OCEAN "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: SóloMúsica

The Pretty Things - Biografía

Los "Pretty Things" fueron uno de esos fantásticos grupos que, tras brillar en el circuito de R&B londindense de los años 60, supieron evolucionar de manera creativa hacia sonidos psicodélicos de entidad, dejando para la posteridad uno de los grandes discos del estilo lisérgico y la primera ópera rock de la historia: "S. F. Sorrow" (1968).

El grupo se creó en la Inglaterra de comienzos de los años 60.
Fue impulsado por Dick Taylor (nacido el 28 de enero de 1943), ex-componente de unos primerizos "Rolling Stones", que tras dejar a sus antiguos compañeros decidió unirse como guitarrista al cantante y armonicista Phil May (nacido el 9 de noviembre de 1944), al guitarra rítmico Brian Pendleton, al bajista John Stax y al batería Viv Prince para crear los excitantes "The Pretty Things".
Su primera opción musical era el R&B, más o menos lo que hacía los Stones en los inicios de la década sesentera.

En Fontana Records debutaron con el single "Rosalyn", un tema de Jimmy Duncan y Bill Farley que no consiguió las ventas deseadas, llegando hasta el número 41 en la lista de ventas británica.

Más tarde sí que ampliaron sus logros comerciales con "Don’t Bring Me Down" (número 10) y "Honey I Need" (número 13).

Estas piezas pueden ser encontradas en su LP debut, "The Pretty Things" (1965), un óptimo ejemplo de su enérgico R&B que llegó al puesto 5 en la lista de LPs británicos.

En el disco, producido en principio por Jack Baverstock y culminado por Bobby Graham, suena la batería de Prince, quien dejó pronto el grupo, y de Skip Allan, quien se hizo definitivamente con las baquetas de la banda.

"Get The Picture" (1965) es otro fenomenal álbum de R&B que contiene los singles "Cry To Me" (número 28), "Midnight To Six Man" (número 46), "London Town" y "Come See Me" (número 43).
Lamentablemente las ventas no fueron tan significativas como en el anterior trabajo y el sobresaliente trabajo de los "Pretty Things" no fue recompensado popularmente, en especial en su mejor época psicodélica.
Después de "Get The Picture" se produjeron las bajas de Pendleton y John Stax y las altas del bajista y vocalista Wally Allen y el teclista, percusionista y vocalista John Povey.

"Emotions" (1967), con el single "Children", fue una obra de inflexión debido a la amplitud de miras sónicas del grupo, alejándose de sus inicios, y las orquestaciones de Reg Tisley que contiene.

En el año 1967 también iniciaron un proyecto paralelo al que llamaron Electric Banana, nombre con el que grabaron en 1967 su debut homónimo "Electric Banana” (1967)".

"Emotions", el último en Fontana y el primero en ser compuesto ya en totalidad por el grupo, fue la antesala de su obra maestra sumergida en ácido y editada en Columbia, "S.F. Sorrow" (1968), un álbum, inspirado por los experimentos de los "Beatles", en el que sonaba la batería de "Twink", quien poco después dejó de colaborar en el grupo. En sus surcos se escuchaban piezas producidas por Norman Smith como "S. F. Sorrow is Born", "Bracelets Of Fingers", o el sencillo "Private Sorrow", con la cara B "Baloon Burning".
En reediciones posteriores en CD añadieron algunas de las mejores canciones de los "Pretty Things" encontradas también en singles del momento.
Entre ellas joyas como "Defecting Grey", "Mr. Evasion", "Talking About The Good Times" o "Walking Through My Dreams".
En su época estas ácidas grabaciones del grupo no encontraron respaldo popular pero estos discos ya se han convertido en clásicos del rock.

La continuación de "S.F. Sorrow" fue otro sobresaliente disco a pesar de la marcha de Dick Taylor, "Parachute” (1970)", un LP, de nuevo con los Fab Four como ascendencia, editado en Harvest y presentado con el magnífico single "The Good Mr. Square", co-escrito entre Phil May y Wally Allen.

Otros singles de este período, no encontrados en el LP original pero sí en las reediciones, son "October 26" y "Stone-Hearted Mama".

En el disco estaba presente el guitarrista Peter Tolson.

Después de la carencia de ventas de "Parachute" el grupo planteó su retirada. Así, se deshizo la formación durante un tiempo para retornar en la Warner con varios cambios, como la entrada del bajista Stuart Brooks y la salida de Allen. Grabaron "Freeway Madness" (1972), un álbum con tendencias más hard y progresivas. Entre sus cortes destacan "Love Is Good", "Country Road" o "Havana Bound".
Dos años después, y en el sello Swan Song, propiedad de "Led Zeppelin", publicaron sin demasiada fortuna "Silk Torpedo" (1974), LP continuado por "Savage Eye" (1976), discos que poco tenían que ver con la etapa gloriosa del grupo.
Después de este último LP, Phil May dejó la banda y ésta rompería poco después.

En los años 80 se reunieron para grabar sin fortuna "Cross Talk" (1980). Más tarde prosiguieron con nuevos proyectos, como reunirse con los "Yardbirds" o recrear de nuevo el "S.F. Sorrow".

Con posterioridad volvieron al estudio y grabaron discos como "Rage Before Beauty" (1999), "Balboa Island" (2007) y "The Sweet Pretty Things (Are In Bed Now, Of Course)" (2015). En el año 2016 publicaron el directo "Live At The Rockpalast" (2016).

Un año después apareció un "Greatest Hits" (2017), con 25 canciones en estudio y un directo del 2010.

El mismo año se incluyó "Talking About The Good Times" en el triple CD "Looking At The Pictures In The Sky (The British Psychedelic Sounds Of 1968)" (2017), editado por Grapefruit Records.

THE PRETTY THINGS - S.F. SORROW "ÁLBUM COMPLETO"

THE PRETTY THINGS - PARACHUTE "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: AlohaCriticón

The Moody Blues - Biografía

Grupo de Birmingham (Inglaterra) fundado en el año 1964.

Con Denny Laine en su filas y temas como "Go Now", "Let Me Go", "He Can Win" o "And My Baby’s Gone", "The Moody Blues" comenzaron su carrera en la Decca interpretando estupenda música R&B; pero el R&B auténtico, no el soul pachanguero moderno, a miles de años luz del soul de Motown o Stax, que no se por qué demonios le llaman R&B confundiendo al personal ya que nada tiene que ver, a no ser sus raíces negras, con el excitante R&B de los años 50 y 60. Bueno, da igual…

A finales de los 60, con la salida de Laine del grupo y la entrada de Justin Hayward, los Moody Blues abandonaron estos primeros sonidos para abrazar la psicodelia, el prog-rock y sonidos orquestales, alcanzando la inmortalidad gracias a la canción "Nights In White Satin" y discos magníficos como "Days Of Futured Passed", "On The Treshold Of a Dream" o "In The Search Of The Lost Chord".

La banda, representada por Tony Secunda (quien también se hizo cargo de la carrera de los "Move"), estaba compuesta en principio por el cantante y guitarrista Denny Laine (nacido el 29 de octubre de 1944 en Jersey), el teclista y vocalista Mike Pinder (nacido el 12 de diciembre de 1942 en Birmingham), el vocalista, flauta y armonicista Ray Thomas (nacido el 29 de diciembre de 1942 en Stourport on Severn), el bajista Clint Warwick (nacido el 25 de junio de 1940 en Birmingham) y el batería Graeme Edge (nacido el 30 de marzo de 1941 en Rochester).

Antes de unirse el quinteto, sus miembros ya habían tocado en diferentes bandas, habiendo compartido grupo Thomas y Pinder en proyectos como El Riot & The Rebels o The Krew Cats, banda que llegó, como los Beatles, a tocar en Hamburgo.

Por su parte, Denny Laine había sido el líder de Denny & The Diplomats, y Graeme Edge formó parte de Gerry Levene & The Avengers.

Convertidos en los Moody Blues, grabaron en la Decca en el año 1964 el single "Lose Your Money (But Don’t Lose Your Mind)", rítmico tema escrito por la pareja Laine/Pinder que pasó sin pena ni gloria por las tiendas de discos, todo lo contrario que el siguiente, "Go Now", canción escrita por Larry Banks y Milton Bennett, grabada previamente por Bessie Banks, que les llevó al número 1 en el Reino Unido y al 10 en los Estados Unidos en 1964.

Un año después aparecieron otros singles: "I Don’t Want To Go On Without You" (número 33), tema escrito por Jerry Wexler y el productor Bert Berns; "From The Bottom Of My Heart (I Love You)" (número 22), compuesto por Laine y Pinder, al igual que "Everyday" (número 44).

Todos estos temas se encuentran en su LP debut, "The Magnificent Moodies" (1965), ampliado en reediciones posteriores de manera espléndida con sensacionales canciones encontradas solamente en la época en formato single.

Aunque las ventas de sus últimos sencillos no habían sido baladíes tras conseguir un número 1 con "Go Now", el grupo se sintió un tanto decepcionado con la respuesta comercial, en especial de las estupendas canciones "Boulevard De La Madelaine" y "Life’s Not Life".

Este hecho provocó que el grupo variase su formación de manera muy importante.

De los Moody Blues, ahora con la representación de Brian Epstein, se marcharon Clint Warwick, sustituido por otro componente de los El Riot & The Rebels, el bajista y vocalista John Lodge (nacido el 20 de julio de 1945 en Birmingham), y el miembro clave de la banda hasta el momento, Denny Laine, que fue reemplazado por el cantante y guitarrista Justin Hayward (nacido el 14 de octubre de 1946 en Swindon).

Laine alcanzó la fama en los años 70 junto a Paul McCartney formando parte de los "Wings".

Los nuevos Moody Blues sacaron al mercado "Days Of Future Passed" (1967), un gran álbum conceptual producido por Tony Clarke y orquestado por Pete Knight que contó con la participación de la London Festival Orchestra.

Ofreció sonidos psicodélicos y progresivos ejemplificados en el single escrito por Hayward "Nights In White Satin" (número 19 en 1967).

El LP resultó más exitoso en los Estados Unidos que en su propio país, llegando al puesto 3 en el Billboard y al 27 en Inglaterra.

Con anterioridad habían publicado en sencillo los temas "Fly Me High", compuesto por Hayward, y "Love And Beauty", escrito por Mike Pinder.

"In The Search Of The Lost Chord" (1968), con sonidos de mellotron (siendo Pinder un maestro del instrumento), prorrogó el sonido psicodélico, lírico y conceptual de esta nueva etapa y prosiguió incrementando su audiencia internacional, tanto en sus actuaciones en directo como en la venta de sus vinilos, que en el Reino Unido le llevaron al número 5.

Entre los temas de "In The Search Of The Lost Chord" se encuentran los singles "Voices In The Sky" (número 27) y "Ride My See-Saw" (número 42).

El álbum "On The Threshold Of a Dream" (1969) alcanzó el número 1 en Gran Bretaña gracias a canciones como "Lovely To See You" o el single "Never Comes The Day"; mientras que "To Our Children’s Children" (1969), editado en su propio sello Threshold Records, llegó al puesto número 2.

Si el final del decenio había sido estupendo para los Moody Blues, el comienzo de los años 70 resultó igual o incluso mejor, ya que tanto "Question Of Balance" (1970), con el single "Question" (número 2), como el fenomenal LP "Every Good Boy Deserves Favour" (1971) alcanzaron lo más alto en el Reino Unido y el número 2 en los Estados Unidos.

Las ganas de volar en solitario por parte de sus diferentes miembros provocó que, en la cumbre de su carrera, el grupo cesara sus actividades durante un largo tiempo después de publicar el LP "Seventh Sojourn" (1972), disco muy apreciable con temas como "For My Lady", "New Horizons", "Lost In A Lost World"l, "Isn’t Life Strange" o "I’m Just a Singer (In a Rock’n’Roll Band)" que les aupó al número 5 en el Reino Unido y al número 1 en los Estados Unidos.

Justin Hayward y John Lodge publicaron el disco "Blue Jays" (1975). Hayward y Lodge debutaron en solitario años después con, respectivamente, "Songwriter" (1977) y "Natural Avenue" (1977).

Pinder había iniciado su carrera como solista con "The Promise" (1976), al igual que Thomas con "From Mighty Oaks" (1976) y Edge con su Graeme Edge Band y el disco "Kick Off Your Muddy Boots" (1975).

A finales de los años 70, los Moody Blues volvieron a unirse para grabar "Octave" (1978), disco que les devolvió al número 1 en las listas británicas.

Un año antes habían preparado su vuelta editado el disco en directo "Caught Live + 5" (1977), álbum que recogía actuaciones del grupo en los años 60.

Tras "Octave", Mike Pinder, pieza muy importante en el sonido clásico de la banda, fue sustituido por Patrick Moraz.

En las siguientes décadas, The Moody Blues grabaron trabajos en estudio como "Long Distance Voyager" (1981) y "The Present" (1983), ambos producidos por Pip Williams, "The Other Side Of Life" (1986), "Sur La Mer" (1988) y "Keys Of The Kingdom" (1991), todos ellos con producción de Tony Visconti, o "Strange Times" (1999), sin Moraz y con los teclados de Danilo Madonia, y "December" (2003), sin la participación de Ray Thomas.

Este último falleció el 4 de enero del año 2018 tras sufrir un cáncer de próstata. Tenía 76 años.

THE MOODY BLUES - IN SEARCH OF THE LOST CHORD "ÁLBUM COMPLETO"

THE MOODY BLUES - DAYS OF FUTURE PASSED "ÁLBUM COMPLETO"

THE MOODY BLUES - NIGHTS IN WHITE SATIN

FUENTES: AlohaCriticón

Kaleidon - Biografía

"Kaleidon" fue una banda de jazz rock / fusión italiana que fue fundada por el tecladista Stefano Sabatini a partir de las cenizas de su antiguo grupo de pop psicodélico, "Free Love", grupo nacido a finales de los 60 en Roma. De hecho, solo lanzó dos buenos sencillos de rock en su corta carrera, uno de los cuales fue utilizado como banda sonora de una película spaghetti-western. Lamentablemente, en 1972 dos miembros de Free Love mientras volvían de un concierto en Sicilia, cuando la furgoneta de los músicos sufrió un accidente de tráfico: Gianni Caia (bajo) y Steve Stogel (guitarra y voz), murieron mientras que los otros, Stefano Sabatini y Mauro Montaldo (bajo), resultaron gravemente heridos.

Se celebró un concierto en el Piper de Roma para conmemorar a los músicos y recaudar algo de dinero para mantener a sus familias.

En el verano se reunió una nueva formación con el mismo nombre de "Free Love", que incluía a Stefano Sabatini, Carl Stogel (bajo), el baterista Giovanni Liberti y el saxofonista Stefano Cesaroni, más tarde reemplazado por Massimo Balla para el concierto Caracalla-Wembley en Roma en otoño de 1972.

De esta formación, con el bajista recién llegado Franco Tallarita, derivó el nuevo grupo Kaleidon.

En 1973 lanzan su único álbum, "Free Love" (llamado así en honor a su banda anterior). LP totalmente instrumental. La pista de apertura, "Kaleidon", comienza con un toque de jazz atmosférico (en el buen sentido), construyéndose gradualmente hasta que se asienta en un ritmo fresco del baterista Giovanni Liberti, acompañado por el agradable ritmo de bajo fuzz de Franco Tallarita. Sax y wah-wah mezclaron el piano electrónico durante un rato, luego el ritmo cambia, se vuelve más rápido y la interferencia continúa. ¡Jazz rock psicodélico muy fresco! La pista 2, "Inverno", comienza con un toque de percusión tribal ligero, acompañado de un piano electrónico y un bajo que flota suavemente sobre todo. El saxo se suma, animándolo un poco, pero esta melodía es muy suave y espacial. Sigue "Dopo La Festa", que se abre con un golpe de batería, luego algo de improvisación de psy-jazz. Esto eventualmente se resuelve en una agradable jam de jazz sobre un ritmo tartamudo y más trabajo de bajo genial de Tallarita. La cuarta melodía, "Polvere", comienza con una línea de bajo repetida, a la que pronto se unirá el resto del grupo, y la jam de jazz comienza de nuevo, con puentes ocasionales que conectan cada sección de la jam. "Oceano" es el siguiente, donde la flauta hace acto de presencia aquí, tocada por Balla, y es un cambio de ritmo bienvenido, que se suma al tapiz que se va tejiendo mientras escuchas el álbum. La melodía es otra excelente jam de jazz rock con una gran interacción de todos los miembros de la banda. La última pista del LP es "Free Love" y es una melodía de jazz pura, con un trabajo de piano estelar de Sabatini complementado con hermosos solos de saxo de Balla. Un final agradable, tranquilo y bastante no psicodélico para el álbum, pero funciona.

Tristemente, el álbum se hundió silenciosamente en el olvido y la banda pronto se separó.

"Free Love" de Kaleidon no es una obra maestra de jazz rock / fusión, pero es un espléndido ejemplo de la gran música que surgió a principios de la década de 1970 y que la mayoría de la gente nunca llegó a escuchar. Si hay un defecto en "Free Love", es que no hay mucha variación de una pista a otra. Pero, al mismo tiempo, eso es lo que lo convierte en un álbum sólido y consistente para sentarse y escuchar de principio a fin. Si desea una copia física, me imagino que las copias originales son extremadamente raras y caras. Fue reeditado en CD en 1994 en el sello Mellow Records, pero esos son raros y costosos también. Afortunadamente, el sello italiano BTF reeditó el LP en vinilo en 2014, y parece que hay copias disponibles en el sitio de Internet que elijas. Además, ¡debes amar la portada de ese álbum!

1ª cara:

- Kaleidon

- Inverno '43

- Dopo la festa

2ª cara:

- Polvere

- Oceano

- Free Love

KALEIDON - FREE LOVE "ÁLBUM COMPLETO"

Foghat - Biografía

Tras formar parte de "Savoy Brown", el cantante y guitarrista “Lonesome” Dave Peverett (nacido el 16 de abril de 1943 en Dulwich, Londres, Inglaterra), el bajista Tony Stevens (nacido el 12 de septiembre de 1949 en Londres) y el batería Roger Earl (nacido el 16 de mayo de 1946 en Hampton Court Palace, Londres), junto al guitarrista Rod Price (nacido el 22 de noviembre de 1947 en Willesden, Londres), formaron esta banda de hard rock, blues rock y boogie rock, conjunto británico que resultó mejor recibido en los Estados Unidos que en su propio país, especialmente gracias a sus interpretaciones en directo.

En el sello Bearsville el grupo publicó con producción de Dave Edmunds y Tom Dawes (ex-miembro de "The Cyrkle") "Foghat" (1972), disco homónimo en el que alternan excelentes composiciones propias como "Trouble Trouble", "Fool’s Hall Of Fame", "Highway Killing Me" o "Sarah Lee", con sensacionales adaptaciones de temas ajenos como "I Just Want To Make Love To You" escrito por Willie Dixon e interpretado originalmente por Muddy Waters, "Maybelline" de Chuck Berry o "Gotta Get To Know You" de Bobby Bland.

"Foghat" eran unos músicos de primer nivel y aquí lo demuestran con creces, mereciendo mención especial la extraordinaria interacción guitarrera entre el vocalista Dave Peverett (rítmica) y Rod Price (solista y slide), regalándonos pasajes de auténtica excitación rockera que se encuentran entre lo más destacado de este muy recomendable trabajo.

Al año siguiente, junto a conciertos multitudinarios en los Estados Unidos, el grupo regresó a las tiendas de discos con otro buen trabajo de rock y boogie llamado "Foghat (Rock’n’roll)" (1974), LP producido de nuevo por Daves que incluye el single "What a Shame".

Después de "Energized" (1974), disco en el que versionan a Buddy Holly con "That’ll Be The Day" y a Big Joe Turner con "Honey Hush", su productor fue el estadounidense Nick Jameson (nacido el 10 de julio de 1950 en Columbia, Missouri), quien produjo "Rock And Roll Outlaws" (1974). Más tarde sustituyó en el bajo a Stevens.

"Fool For The City" (1975) es uno de sus discos más conocidos en el que aparece el single "Slow Ride".

Craig McGregor (nacido el 13 de septiembre de 1949 en Iowa) reemplazó a Jameson en "Night Shift" (1976), un LP producido por Dan Hartman.

El directo "Foghat Live" (1977) cosechó su mejor recibimiento comercial, llegando al puesto número 11 en el Billboard.

Con el fin de la década de los 70, su boogie rock comenzó a perder el favor del público, a pesar de que "Stone Blue" (1978) y "Boogie Motel" (1981), con sonidos más "prosaicos" que en sus primeras entregas, todavía encandilaron a sus muchos seguidores, principalmente estadounidenses.

Sus últimos discos, como "Tight Shoes" (1980), "Girls To Chat & Boys To Bounce" (1981), "In The Mood For Something Rude" (1982) y "Zig-Zag Walk" (1983), pasaron bastante inadvertidos, hecho que provocó su ruptura en el año 1983.

Con posterioridad se reunieron para girar en los años 90, llegando también a grabar el LP "Return Of The Boogie Men" (1994).

Peverett murió a causa de un cáncer el 7 de febrero del año 2000 en Orlando, Florida (Estados Unidos). Tenía 56 años de edad.

Tres años después, alejados de los "Foghat" originales, el grupo volvió al estudio con "Family Joules" (2003).

El 22 de marzo del año 2005 falleció Rod Price después de padecer un ataque al corazón. Tenía 57 años.

Craig MacGregor murió el 9 de febrero del año 2018 tras sufrir un cáncer de pulmón. Tenía 68 años.

En la actualidad, "Foghat" siguen girando como trío formado por Roger Earl, Bryan Basset (ex-miembro de Wild Cherry) y Charlie Huhn (músico de Ted Nugent).

1ª cara:

- I Just Want To Make Love To You

- Trouble, Trouble

- Leavin' Again (Again)

- Fool's Hall Of Fame

- Sarah Lee

2ª cara:

- Highway (Killing Me)

- Maybelline

- A Hole To Hide In

- Gotta Get To Know You

FOGHAT - FOGHAT "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: AlohaCritición