Ikarus - Discografía

Discografía - Ikarus (1971)

Alemania no solo fue cuna de grandes bandas de krautrock, como "Can", "Ash Ra Tempel", "Tangerine Dream", "Amon Düül II", etc, sino que también dio enormes frutos progresivos más clásicos dentro del género, podemos nombrar algunos conocidos como "Nektar", "Eloy", "Novalis", etc., aunque otros han quedado ocultos, como es el caso de "Odin" o "Nine Days Wonder".

En esta ocasión nos adentraremos un poco en un trabajo de otra de esas bandas progresivas alemanas que quedó en las sombras de la historia, pero que ha dejado algunos sonidos progresivos asombrosos.

"Ikarus" fue un sexteto de jazz-rock progresivo, nacido en 1970, en Hamburgo, Alemania, y liderado por el productor y multiinstrumentista Joachen Peterson, quien luego de terminado el proyecto Ikarus se dedicaría de lleno a su trabajo como productor. La banda estaba integrada por el ya nombrado Jochen Petersen, ademas del pianista Wulf Dieter struntz, el guitarrista Manfred Schulz, el bajista Wolfgang Kracht , el cantante Lorenz Köhler, y el baterista Bernd Schröder.

En 1971 lanzan su primer y único trabajo, el homónimo "Ikarus’", que en líneas generales es bastante arduo, consta de cuatro piezas progresivas extensas, de las cuales dos rondan entre los 12 y 15 minutos de duración, y en ellas se encuentran mundos progresivos propiamente dichos.

Se trata de un rock progresivo algo rustico y sinfónico, no tan estilizado pese a contar con arreglos orquestales, pero con una elaboración profunda, de gran despliegue, y una complejidad llamativa, en la cual aparecen elementos de folk rock, pasajes pesados e instrumentales, etc. Se nota la presencia de la influencia de "King Crimson" y "Van Der Graaf Generator", también se nota un poco algún toque de krautrock en algunos arreglos, pero en líneas generales crean un sonido arduo y propio, pergeñado bajo sus propias reglas progresivas.

Con esa avanzada sonora tan propia que elaboran, reflejan la visión profunda que tienen sobre el uso y la dinámica de los riffs y sobre la combinación de melodías y pasajes. El sonido se construye en base a guitarras acústicas y mellotrones, impecables bases rítmicas, y distintas aplicaciones de cuerdas sinfónicas, flautas, saxos y guitarras eléctricas.

En el primer tema, por ejemplo, dejan algunos arreglos sinfónicos que rozan con lo clásico, para luego pasar a arreglos sinfónicos de cuerdas. En los siguientes temas se siguen viendo los arreglos sinfónicos, entremezclados entre tanto cambio y fluidez de pasajes. La última pieza del disco, llamada "Early Bell’s Voice", que aunque dura solo 7 minutos de duración, la mitad que otras dos, es aun así es más compleja que las anteriores.

También hay lugar para cierto acercamiento a la extravagancia compositiva o ‘avant prog’, extravagancia que los lleva a desarrollan un sonido que, aunque es muy complejo, a la vez es algo minimalista, las progresiones y pasajes se van formando con melodías muchas veces repetitivas y simples. Y a la vez son algo oscuros y rústicos, una rusticidad un tanto post psicodélica.

De esta mezcla tan particular de sonidos, sale un rock progresivo muy poético, tipo art rock, con melodías épicas, letras que hablan sobre la devastación del mundo (por lo mínimo que entendí de las letras en inglés), y una complejidad que, por momentos, demanda ser escuchada varias veces para alcanzar a apreciar el tremendo valor compositivo que desarrollan, un deleite para el oído progresivo setentero.

Muy poca información he encontrado sobre la historia de la banda, por lo cual recaigo en la deducción unilateral de que seguramente se desintegraron sin dejar rastros, luego de haber lanzado su único trabajo, historia repetida ya por muchas otras bandas fugaces de similar condición. Así que nos queda este trabajo de jazz rock progresivo, que se disfrute y pronto volveremos con más.

Formación:

Wolfgang Kracht - Bajo, voz

Bernd Schröder - Batería, percusión

Jochen Petersen - Guitarra, Guitarra 12 cuerdas, Saxofón alto/tenor, Flauta, Clarinete, voz

Manfred Schulz - Guitarra, voz

Lorenz Köhler - Voz lider

Wulf Dieter Struntz - Órgano, Piano

PISTAS:

A1a. Scyscrapers (And)

A1b. Sooner Or Later

A2. Mesentery

B1. The Raven Including 'Theme For James Marshall'

B2. Early Bell's Voice

IKARUS - IKARUS "ÁLBUM COMPLETO"

José Cid - Discografía

Discografía - 10.000 Depois entre Venus e Marte (1978)

Ya apareció  el teclista portugués José Cid por éstas páginas,  con su anterior banda "Quarteto 1111" y su magnífico "Onde, Quando, Cómo, Porqué Cantamos Pessoas Vivas" (1975). Tres años después,  José Cid se embarca en éste proyecto conceptual en solitario, su propio "Space Oddity" en clave sympho-prog. Ayudado por Zé Nabo (bajo, guitarras), Ramón Galarza (batería), Mike Sergeant (guitarras) y el propio José Cid (omnipresente Mellotron, strings synths, teclados varios, Moog y voz, además de producción).

La odisea en el espacio da comienzo con "O Último Día Na Terra" (4'21). Un edén analógico  de típica sonoridad en los finales 70. Junto a la colosal coral mellotrónica y la potencia de un grupo de rock, su musculado prog convence al instante. Cantado con solvencia, en portugués,  no anda alejado de una suntuosidad propia del "Ciclos" de Canarios o el "Earth" de Vangelis. El carácter sólido y grupal de la obra le hace ganar puntos, aún a pesar de que los teclados son los absolutos protagonistas.

"O Caos" (6'00) toma patrón casi hard-prog, al estilo de los primeros "Asfalto". Acústicas,  Solina y Mellotron dominan, mientras un fino solo de guitarra los atrae hacia "Eduardo Bort" en su primer e inolvidable álbum. Podría también ser RPI (Rock Progresivo Italiano) de estar cantado en ése idioma, (Biglietto Per L'Inferno/ Museo Rosenbach, p. e.).

Piano y sintetizadores,  seguido de Mellotron de voces y fuerte y grandilocuente rítmica, exponen "Fuga para o Espaço" (8'10), donde la guitarra evoca grandiosidad propia de Bloque. El armatoste blanco es el líder entre la jauría teclística. Es sabido que José Cid era propenso a la mellotronitis aguda. Bendita enfermedad. El Moog aporta majestuosidad necesaria para que los críticos-haters de la época  se cagaran a gusto ante éstas "pretensiones". Sensacional ejemplo demostrativo sinfo-progresivo que en su día,  por aquí ni nos enteramos de su existencia. Y mira que estamos cerca. Exhibe un dramatismo apasionado acorde con el de nuestro "Jesucristo Superstar" (Canarios de nuevo).

Vuelta de cara para "Mellotron, o Planeta Fantástico" (6'43), en una onda Socrates Drank the Conium/Axis (no olvidemos que en los primeros estuvo Vangelis). Con una guitarra de ataque wah wah a lo Garybaldi. Rhodes y texturas de calado puro prog tal que unos "Aphrodite's Child" en "666". Con desembocadura instrumental Bloque que se erige formidable en todo su contexto y esplendor.

"10.000 Anos Depois Entre Venus e Marte" (6'05) posee un leve aire aflamencado-floydiano que los acerca a "Imán Califato Independiente", tal cual. Que no es mala cosa. En su tratamiento dramático-vocal están sin embargo más en onda "Módulos",  con los que también puede encontrárseles semejanzas. La proximidad hispana deja plasmadas influencias evidentes.

"A Partir do Zero" (4'43) parece un outtake de Il Balletto di Bronzo o La Máquina de Hacer Pájaros. Sintetizada horda de teclas en plenitud, apoyada por el sagrado Mellotron a saco y sección rítmica desbocada. Ésto es una gloriosa bacanal sinfo-progresiva, para darle en el morro a ése amigo pelma fan del garage escandinavo o el glam italiano (que manda cojones).

"Memos" (2'07) no son los mencionados, sino el final del álbum,  con floydismos hispanos a la Araxes II / Azahar.

El CD cuenta con un magnífico bonus que no entró en el álbum original, "Vida (Sons do Quotidiano)" (12'41). Piano+spoken word+bebé llorón y grandilocuente entrada de banda sinfonata a más no poder. José Cid hace de Campeador de los sintes, cargándose sarracenos nuevaoleros a golpe de Moog y Mellotron de épica inmensa y drama italiano. Puro RPI/ Sky sound/ Spanish prog/ Telón de Acero style. Un enorme álbum éste,  que no tuvo continuación en la carrera de José Cid. Optó por otras vías musicales más rentables. Eso sí, nos dejó un clásico estratosférico.

FUENTES: J.J.IGLESIAS para Rockliquias

Formación:

Zé Nabo - Bajo, Guitarras

Ramón Galarza - Batería

Mike Sergeant - Guitarraa

José Cid - Mellotron, strings synths, teclados varios, Moog y voz

PISTAS:

A1. O Último Dia Na Terra

A2. O Caos

A3. Fuga Para O Espaço

B1. Mellotron, O Planeta Fantástico

B2. 10.000 Anos Depois Entre Vénus E Marte

B3. A Partir Do Zero

B4. Memos

JOSÉ CID - 10.000 ANOS DEPOIS ENTRE VÉNUS E MARTE "ÁLBUM COMPLETO"

Neuschwanstein - Discografía

Discografía - Battlement (1979)

Nada se crea nada, todo se copia. Empiezo con esta frase para recordar y concluir que en la historia del rock ha habido pocos que hayan creado realmente algo nuevo, sin precedentes.

Ciertamente, solo se perpetuarán los grandes iconos en este sentido. Nombres como los "Beatles", "Jimi Hendrix", "Led Zeppelin", "Beach Boys", "Stooges", entre otros; en resumen, aquellos que dondequiera que estemos, siempre serán recordados por generaciones y generaciones. Si hoy escuchamos a los "Strokes" y recordamos el "Velvet Underground", escuchamos a "Beachwood Sparks" y recordamos a los "Byrds", escuchamos a "El Vez" y recordamos a "Elvis Presley" (una broma de buen gusto), es una señal de que esto siempre existirá y solo el tiempo permitirá que los nombres o las obras sean eternizados o no. Por supuesto, no veo ningún pecado en esto, al fin y al cabo hoy en día es muy difícil crear algo sin ninguna referencia.

Además de esta idea, intenté seleccionar un nombre que no formara parte del grupo selecto de iconos, pero desde luego cuando lo escuchamos recordamos inmediatamente su referencia. Este es el grupo alemán Neuschwanstein, cuya cita inmediata no es otra que la cerebral "Génesis".

A pesar de la referencia (noble, por cierto), el grupo solo publicó un álbum, en 1979, llamado Battlement, que al escucharlo, independientemente de si me recuerda o no al grupo de Peter Gabriel y Phil Collins, me da un gran placer, porque, si parece "Genesis", también se puede decir que si lo grabaran ellos estaría entre sus mejores discos.

Battlement es una obra maestra de principio a fin. Interpretado de forma espléndida, el álbum tiene siete canciones, todas de gran calidad. Ningún instrumento en particular destaca, ya que la fuerza del álbum está precisamente en su conjunto.

La banda estaba formada por Frederic Joos (cuya voz se asemeja, por supuesto, a Peter Gabriel), Roger Weiler (guitarra), Rainer Zimmer (bajo), Thomas Neuroth (teclados), Klaus Mayer (flautas y teclados) y Hans-Peter Schwarz (batería). A pesar de la calidad innegable, el grupo no logró grandes ventas, aunque abrieron conciertos para bandas más famosas como "Lucifer's Friend" y "Novalis".

El álbum tiene una atmósfera muy similar a clásicos como The Lamb Lies Down On Broadway, de 1974, el último álbum de Peter Gabriel en "Genesis". La primera canción es "Loafer Jack", cuyo sonido también recuerda al glorioso "Marillion" (¿no dije que nada se crea, todo se copia?). A pesar de la similitud, mantiene el estilo de la banda, con una flauta preciosa, grandes arreglos — en resumen, un excelente comienzo. A continuación tenemos "Ice With Dwale", otra gran canción, con énfasis en la flauta de Klaus (banda emblemática).

La tercera pista, "Intruders and the Punishment", es igualmente hermosa, con un gran arreglo y sensibilidad superficial. ¡Gran música! ¿Y qué pasa con la sexta canción, "Midsummer Day", si no es perfecta?. Escuchando cada una no puedo saber cuál es la mejor canción del álbum, porque todas son excelentes.

Como conclusión, también pregunto dónde habría llegado "Genesis" si lo hubiera logrado mantener la media de sus primeros álbumes y lanzar álbumes como este Battlement. Quizá este sea el caso del alumno que superó al maestro (si consideramos los comienzos de "Génesis", obviamente no; pero si hablamos de sus últimos álbumes, sin duda). Por supuesto, es muy complicado hacer este tipo de comparación, que por cierto no es mi objetivo, pero dejemos a un lado los prejuicios, porque para quienes disfrutan de la buena música, especialmente el rock progresivo de "Genesis", "Yes" y "Marillion", no deben perderse esta verdadera obra maestra del estilo.

Para quienes no lo sepan, créeme, Battlement es uno de los mayores momentos del rock progresivo de todos los tiempos, una pena que se publicara en el lugar y momento equivocados, al fin y al cabo 1979 no fue una buena época para ese estilo. Pero al fin y al cabo, ¿a quién le importa esto? No lo sé.

Formación:

Frederic Joos - Voz lider

Roger Weiler - Guitarra

Rainer Zimmer - Bajo

Thomas Neuroth - Teclados

Klaus Mayer - Flauta y teclados

Hans-Peter Schwarz - Batería

PISTAS:

A1. Loafer Jack - 4:42
A2. Ice With Dwale - 6:21
A3. Intruders and the Punishment - 7:34
B1. Beyond the Bugle - 7:31
B2. Battlement - 7:05
B3. Zärtlicher Abschied - 5:52

NEUSCHWANSTEIN - BATTLEMENT "ÁLBUM COMPLETO"

CAI - Discografía

Discografía - Más allá de nuestras mentes diminutas (1978)

Cuatro largos temas de estructura un tanto indefinida conforman este primer LP de la banda gaditana. En palabras de su teclista Chano Domínguez se tratan de temas “volados con muchas modulaciones y largos desarrollos, que eran los procedimientos típicos de la época”. Tras esta definición se esconde una música intrincada en la que junto a algún momento memorable, hay otros de aburrimiento y especulación sonora sin rumbo fijo.

El primer tema “Alameda” es el más sinfónico de los cuatro con claras influencias de los teclados e ideas de Keith Emerson. El tema que presta su título a todo el disco se adentra en ritmos fronterizos con el jazz, con Chano haciendo diabluras con el sintetizador y el mellotrón, bien replicado por el toque aflamencado de la guitarra de Paco Delgado. La voz está un tanto metida con calzador en su intervención, ya que es por encima de todo una pieza netamente instrumental en su concepción.

“Solución a un viejo problema” es el tema de estructura más asequible y representa una fusión del rock ralentizado con elementos lejanamente andaluces. A veces, los instrumentistas mantienen su tendencia a perderse en divagaciones que poco aportan al tema. Los cerca de once minutos del cuarto tema pesan en algunos momentos como el plomo. Lo mismo ocurre con “Pasa un día”, largo y especulativo. Uno de esas piezas difíciles de seguir para el oyente con una mezcla de toques y estilos de lo más dispar en los que uno acaba agradeciendo que la aguja del tocadiscos llegue al final de la cara, a pesar del vibrante remate instrumental del tema.

Al margen de lo estrictamente musical, hay que comentar ese subtítulo de “sonido andaluz” que aparece en la portada, cuando en realidad de andaluz el disco tiene más bien poco, pero es que en ese momento el rock andaluz se vendía muy bien y no era cosa de dejar de engatusar con esa etiqueta al potencial comprador.

Formación:

Sebastián Domínguez - Teclista

Paco Delgado - Guitarra

Diego -Fopi- Fopiani - Batería, voz

José Laureano Vélez-Gómez  - Bajo, voz

PISTAS:

A1. Alameda

A2. Mas Allá De Nuestras Mentes Diminutas

B1. Solucion A Un Viejo Problema

B2. Pasa Un Dia

CAI - MAS ALLA DE NUESTRAS MENTES DIMINUTAS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: LaFonoteca

Renaissance - Discografía

Discografía - Scheherazade and Other Stories (1975)

El 15 de julio de 1975 se publicó el sexto disco de la emblemática banda inglesa de rock sinfónico, el más ambicioso de su carrera.

Viajamos a mayo de 1975, específicamente a los famosos Abbey Road Studios de Londres, donde David Hitchcock y "Renaissance" producían esta magna obra que es por muchos considerada como el  pináculo de la banda y un hito del género progrock y sinfónico.

Vayamos a los comienzos de la década de los 70, cuando Keith Relf (armónica) y Jim McCarty (batería), ex miembros de la legendaria  "The Yardbirds", quedaban a la deriva con una idea más ambiciosa, formar un grupo con un mayor énfasis en la música clásica, para lo cual unieron esfuerzos con el teclista John Hawken y el bajista Louis Cennamo, añadiendo un toque femenino en la voz líder con Jane Relf , hermana de Keith.

Así nacía "Renaissance" a finales de los 60. Esa primera formación lanzó dos álbumes, uno bajo el nombre de la banda en 1969 y otro titulado Illusion en 1971. Con baja resonancia, esa formación transmutaría radicalmente cuando John Tout tomaba el puesto de Hawken en las teclas.

Eventualmente, se irían incorporando el bajista Jon Camp, el baterista Terrance Sullivan y el guitarrista Michael Dunford (†) quienes completarían la parte instrumental que acompañaría a la soprano y nueva cantante Annie Haslam, cuya distintiva voz operática cantaría las poéticas letras de la reconocida Betty Thatcher.

Con la contribución de Dunford y Tout en varias de las composiciones, la banda tendría una seguidilla de álbumes exitosos a partir de 1972 de los cuales recordamos "Prologue", "Ashes are Burning", "Turn of the Cards", nuestro celebrado "Scheherazade and Other Stories" y el infaltable doble disco en vivo "Live at Carnegie Hall" con la New York Philarmonic dirigida por Tony Cox.

En el ir y venir de los tiempos, "Renaissance" ha sufrido transformaciones importantes, aunque sus discos posteriores han perdido el atractivo que les llevó a la fama pero no queriendo decir con ello que no tengan la calidad musical que sus fans esperan de ella. "Tuscany" de 2001  y "Grandine Il Vento" conocido también como "Symphony of Light", son sus más recientes producciones discográficas con un adicional álbum en vivo lanzado hace dos años bajo el nombre de "A Symphonic Journey".

Considerado por algunos críticos como el esfuerzo más coherente y sólido del grupo, "Scheherazade and Other Stories" se nos presenta con un dibujo arabesco como parte del diseño de portada de Hipgnosis. Con John Kurlander tras la consola de audio en Abbey Road Studios, "Renaissance" nos ofrece tres excelentes temas por un lado y la épica suite que da titulo al álbum como única pieza del lado B.

Inicia el set con la movida, autobiográfica y fantasmal composición “Trip to the Fair” (Viaje a la feria), compuesta por Dunford, Thatcher y Tout en la cual, tras un extenso intro, nos canta Annie: “Viajé para darle un vistazo a la feria, cuando arribé no encontré a nadie allí, parecía que estaba yo sola, debe ser que todos se fueron a casa”. Camp va marcando el ritmo con su Rickenbacker y un ligero aire barroco se deja colar al fondo.

La sección vocal es seguida de un largo y hermoso pasaje instrumental donde el teclado es el centro de atención. Annie, con la voz como otro instrumento más, nos cautiva. La banda, de un modo magistral, nos recrea con sonidos comúnmente encontrados en una feria, como por ejemplo el órgano. Hacia el final el tempo aumenta y un breve juego vocal se diluye para poner fin.

“The Vultures Fly High” (El buitre vuela alto) con el piano abriendo con un cierto staccato, es la segunda pieza que "Renaissance" nos ofrece en este excelente disco. Poseedora de una atractiva dinámica, Annie nos cuenta: “Mientras en las calles de nuestros temores, reinan supremos tras las ordenes, son los últimos en opinar y los últimos en saber que no importa como lo intentes, no importa lo que digas, siempre verán con ojos vacíos, pues para humillarte siempre encontrarán un modo para criticar…”

Un contrastante pasaje de sintetizador, en las manos de Tout, le da un espaciado pincelazo que es parte del lenguaje prog que Renaissance emplea con sutileza.

La hermosa “Ocean Gypsy” (Gitana del océano) prosigue el repertorio. “Intenté quitarlo todo y comprendí su libertad justo durante el día, y encontré su alma, encontré sus sueños disipados, quisieron hacer de su amor los suyos, sin darle nada a cambio que ella quisiera tener… Rocas y aros de oro y plata danzas de la luna, nadie más puede saberlo, ella está de  pié sola…”

Destaca el delicado solo de piano que hace Tout en esta composición de Dunford-Thatcher. Contemplativa, ensoñadora e interpretada con gran sentimiento, esta pieza, versionada por Richie Blackmore, es también una de las más hermosas del grupo y del catalogo del progrock.

La obra suma cum laude de "Renaissance" es esta ambiciosa suite que da título a este extraordinario disco que la banda nos ofrece a lo largo de 24 minutos y medio en nueve partes que inician con “Fanfare”, y así comienza.

Abre la orquesta con los metales y los arreglos de Tony Cox. Este intro es un mágico y misterioso instante donde la banda desarrolla ampliamente su vocabulario musical entretejido con la orquesta y marcados contrastes de gran belleza.

El bajista Jon Camp narra: “Rey Sultán cruel majestad, ordenó la muerte de sus esposas, una sola noche para todas, se dio placer y les arrancó sus vidas, el Sultán se salió con la suya, las esposas lanzadas a la muerte, su nombre en su moribundo aliento…”

En este extenso viaje, Tout va enlazando las historias con los cadenciosos pasajes de piano que apreciamos en las primeras partes de la suite. Banda y orquesta van de la mano con sobrado equilibrio.

Hacia los siete minutos y medio escuchamos el “Tema de amor” un delicado pasaje instrumental con los violines de la orquesta acompañando al piano. Annie y Dunford nos atrapan en el siguiente segmento vocal de la obra “El jóven príncipe y la princesa según narra Scheherazade. “Cristal y arcilla, noches y el día, todo en el sello del príncipe, águila celestial, león de la tierra, esto es lo que vale el sello…”

La orquesta adorna con delicados matices en los vientos. Un breve silencio nos deja reflexionando en el punto medio y en poco menos de dos minutos emergen de nuevo los sonidos con un dramático motivo. Bajo y piano se entrecruzan en “Festival Preparations” con la orquesta.

Luego, un excelente y sincopado intro de Tout nos presenta a “Fugue of Sultan”, estamos alrededor del minuto veinte donde aproximadamente este tema se diluye con “Festival” donde Annie nos relata: “Scheherazade este es tu día, ahora quienes portan tus ofrendas están a tu alrededor, la más fina seda hecha en la tierra aguarda que la escojas, brilla en tus manos, Scheherazade tu vida has ganado, hoy tienes el amor del Sultán…

El pueblo observa tu paso hacia el sol, puestos de todo tipo con comida apilada en tejidas hojas para que todos coman, flautas y tambores una  y otra vez, la música colada entre las multitudinarias calles, caravanas de distantes lugares que traen gente alegre que viene a ver al sultán en Bagdad hoy…”

Como nota final vale mencionar que, si bien la historia está inspirada en el milenario cuento  de la reina persa que da nombre al disco, la obra no guarda relación con aquella del renombrado compositor ruso Nikolai Rimsky-Korsakov, aunque escuchemos ciertos motivos que indiquen lo contrario porque cierto es que el compositor ruso era parte influyente del "Renaissance" de aquellos días.

FUENTES: Leonardo Bigott para Revista LaDosis

Formación:

Michael Dunford - Guitarra acustica, voz

John Camp - Bajo, voz

Terence Sullivan - Batería, percusión

John Tout - Teclados, voz

Annie Haslam - Voz lider

PISTAS:

A1. Trip To The Fair - 10:48

A2. The Vultures Fly High - 3:07

A3. Ocean Gypsy - 7:05

Song Of Scheherazade (24:37)

B1. Fanfare - 2:37

B2. The Betrayal - 4:55

B3. The Sultan - 2:46

B4. Love Theme - 2:29

B5. The Young Prince And Princess As Told By Scheherazade - 4:04

B6. Festival Preparations - 1:07

B7. Fugue For The Sultan - 2:12

B8. The Festival - 2:12

B9. Finale 2:30

RENAISSANCE - SCHEHARAZADE AND OTHER STORIES "ÁLBUM COMPLETO"

Phylter - Discografía

Discografía - Phylter (1978)

"Phylter" fue una excelente banda progresiva sinfónica del norte de Bélgica, cuyo álbum debut homónimo fue grabado en un pequeño estudio en Brujas y lanzado en 1978. Un álbum conceptual que cuenta la historia de marineros a bordo de un barco que encuentran refugio en una isla deshabitada en una cueva durante una tormenta en el mar. La entrada a la cueva, (como se puede ver en la obra de arte de la hermosa portada), termina obstruida por un desprendimiento de tierra, obligándolos a ingresar a ella mediante descensos y ascensos, hasta que finalmente aparece en escena un nuevo mundo que estaba escondido en el fondo del mar.

La banda estaba formada por Patrick Philips, un teclista de primer nivel, que comparte la armonizada voz con el gran guitarrista Van Marc Bortel, y el impecable bajista Paul van Bortel, además de Christian Zaman a la batería, siempre perceptible aportando un perfecto apoyo rítmico. Sorprendentemente, dada la calidad, y habiendo sido muy bien valorado por la crítica y el público, fue el único disco.

Remasterizado en 1993 por el sello francés Spalax, también contó con Jean-Marie Aerts y Rens Van der Zalm como invitados especiales, tocando la guitarra rítmica y el violín respectivamente, ambos son grandes momentos destacados.

Las informaciones sobre el álbum "Phylter" son escasas, sin embargo su reconocimiento se extendió a las fronteras del rock progresivo en todas partes, un disco realmente bueno en todo su contenido, ratificando el concepto de los belgas como excelentes representantes del arte. En este caso, el material producido tiene características sonoras muy similares a "Génesis", "Camel" o "Yes" de la misma época, y fluye con gran competencia, lo que lo convierte en una escucha agradable.

Por estar centrado en su instrumental, cabe mencionar a Patrick Philips, un teclista muy técnico, a la vez que oscuro, poco se sabe más allá de esta interpretación de su carrera. El álbum tiene todos los ingredientes que uno quiere para la primacía del género, y las voces están en inglés y son muy buenas. Progresivo potente, dinámico, lleno de alternancias dramáticas y hermosas melodías, como en la epopeya de quince minutos, "Down and Mood for Change", en "Overture", "Consideration" o en "Phylter". Y la suavidad armoniosa de una rara belleza melódica combinada con los riffs de guitarra y los brillantes solos de teclado en "Promenade" y "Dreams Of Yesterdays". ¡Feliz escucha!

Formación:

1. Overture 

2. Dreams of Yerterdays

3. Phylter

4. Promenade 

5. Consideration

6. Down and Mood for Change

PISTAS:

Patrick Philips - Voz, teclados 

Marc Van Bortel - Guitarra, voz 

Paul Van Bortel - Bajo,voz 

Christian Zaman - Batería

PHYLTER - PHYLTER "ÁLBUM COMPLETO"

Morgan - Discografía

Discografía - Nova Solis (1972)

A pesar del nombre de ésta banda británica,  dos fueron sus líderes. Por un lado el sobresaliente teclista Morgan Fisher. Cabeza visible de la misma, que venía de los "Love Affair" en los 60, y sería más conocido como teclista de "Mott the Hoople". También de sus escisiones, como "Mott y British Lions". Además de "Third Ear Band", "Medicine Head", "Yoko Ono" y un sinfín más. En 1982 participó como teclista de apoyo en la gira de "Queen". Y ahí tenemos la otra conexión con ésta banda. El cantante y guitarras acústicas,  Tim Staffell.

A menudo vemos que detrás de toda gran banda, hubo grandes perdedores. O miembros que dejaron pasar el tren por precipitación en el abandono de la misma. Pete Best (Beatles), Dick Taylor (Rolling Stones), Terry Reid (Led Zeppelin / Deep Purple), Bob Klose (Pink Floyd) o Jeff Jones y John Rutsey (Rush), serían buenos ejemplos.

Tim Staffell fue el culo-inquieto que no tuvo paciencia en "Smile". Prometedor power trío en el que también estaban los desconocidos Brian May y Roger Taylor. Sólo seis temas fueron grabados por "Smile" a nivel promocional. Pero en ellos ya se vislumbraba a las claras que el estilo de los próximos "Queen" ya estaba prefijado. Luego llegaría Farrokh Bulsara, alias Freddie Mercury, (con el estilo vocal directamente heredado de Staffell), y lo demás es historia. Ahora se han acordado de él,  porque les convenía. Para regrabar  algún corte de "Smile" para el biopic de la banda que lo va a petar. Por lo menos se echará unas libras al bolsillo, el buen hombre. Además de los royalties de "Doing All Right", del primer album de Queen (tema de Smile). El resto de "Morgan" eran Bob Sapsed (bajo) y Maurice Bacon (batería). Dos desconocidos que destacan sobremanera en toda la grabación. No deja de ser curioso que los fiche la RCA italiana. Pero con el frikismo prog que se vivía en ese momento en aquel país, no me extraña nada.

En 1972 sale "Nova Solis", grabado en los RCA Studios de Roma, con todos los atributos de los grandes del momento. Componen Fisher y Staffell.

"Samarkhand the Golden" (8'04) debe principalmente a "ELP", pero con un vocalista de línea Jon Anderson. La sección rítmica es también muy "Yes". Atención a Sapsed y su "squirecaster". Morgan  Fisher se sobra con el Moog y el Hammond lo que quiere. Sus desfases son comparables a "Emerson", pero también a un desconocido Duncan Mackay y su colosal "Chimera". Menuda "ensalada de cerebros"; para comenzar. Algo así como un "Tales from Topographic", tocado por Triumvirat. Eso sí,  Staffell no puede evitar su "deje Queen", que por otra parte nadie le puede reprochar. Porque como diría Freddie,  "mis queridos",  eso pertenece a él. Y es que éste cantante se merece por sí sólo un artículo - homenaje.

Como se deja ver en "Alone" (5'17), nostálgica pieza perfecta para la voz y cuerdas de Greg Lake. "War Games" (7'03) deja claras sus intenciones. Power sympho de speedicas teclas y majestuosa épica instrumental.  Situate si te nombro a "The Trip" en el álbum "Time of Change", para entendernos. Morgan Fisher se lo pasa en grande, como buen "chupón de las teclas", emulando a los "Wakemerson", con la tranquilidad de jugar sólo en el campo (no hay guitarra eléctrica).

La segunda cara nos depara la tremenda "Nova Solis Suite" (20'17), dividida en nueve partes que incluyen desde fragmentos de Holst,  a dos piezas de "Smile": " Earth" (una de las seis que grabaron y que puedes oír en el no-oficial de Queen, "In Nuce"), y "May i Remember". Imagina "Tarkus" y "The Six Wives" con una voz a la Mercury. Pues eso. Total dedicación al prog más sinfo y espectacular,  que seguro maravilló a la parroquia spaghetti.

Un disco soberbio si te van éstas músicas, que te van, que lo se yo, si no "pa rato" lees hasta aquí. E indispensable para Queen die-hards,  por todo lo que supone. Fue reeditado en vinilo por Black Widow (Italia de nuevo) en 2001, e imagino que está más descatalogado que Rajoy. Al año siguiente saldría "The Sleeper Awakes" (1973), también conocido como "Brown Out", y que mantenía el mismo nivel de divina excentricidad progresiva. Y yo lo busco.

Después de "Morgan", sus dos líderes tomarán distintos caminos. Fisher se fue a Japón,  haciendo jingles , arreglando horteradas para japos,  tocando música de improvisación,  y  dedicándose a su otra gran pasión,  la fotografía. Tim Staffell ha estado dando tumbos, tocando por pubs en Inglaterra, y contando a todos lo tonto que fue. Claro que May y Taylor deberían retomarlo y juntar de nuevo "Smile". Ah, perdón,  a veces me olvido en qué plano dimensional me muevo.....Que la decencia aquí no está bien vista.

FUENTES: J.J.Iglesias para Rockliquias

Formación:

Morgan Fisher - Teclados

Tim Staffell - Voz, Guitarra

Bob Sapsed - Bajo

Maurice Bacon - Batería

PISTAS:
A1. Samarkhand The Golden
A2. Alone
A3. War Games
B1. Nova Solis Suite

MORGAN - NOVA SOLIS "ÁLBUM COMPLETO"