IA-BATISTE - Discografía

Discografía - Chichonera's Cat (1975)

"Un disco excelente y de referencia, incomprensiblemente olvidado". Eso dice con toda la razón Alex Gómez - Font en su obligado libro, "Barcelona, del rock progresivo a la música layetana" (2011 / Editorial Milenio).

Qué mal se porta la historia con los genios. Ia Clua, que venía de un entorno folk con Dos + Un. Y Jordi Batiste, que también procedía de ése estilo desde los finales 60, pero había entrado en los 70 con los progresivos Maquina! Se conocen fortuitamente, y después de terminar la mili, Batiste no decide seguir en la banda del croissant. Hay demasiado en común con Clua. Un dúo que integra surrealismo, psych-folk, proto-prog, CSNY, Sisa y delirantes performances. Debutan en directo en 1972, y a final de año editan "Un Gran Día" (Diábolo - Als 4 Vents), uno de los secretos mejor guardados de la psicodelia underground de éste país. Aún a día de hoy. Y eso que fue reeditado lujosamente por Wah Wah Records  en 2003. Por allí andaban Max Sunyer, Manel Joseph o Albert Batiste.

Un grandioso álbum que pasó en su momento sin pena ni gloria. Y en éste,  porque nunca aparecen en las listas de indispensables del gremio. Acompañarán después a Sisa (buenas migas al instante), tanto como a Serrat. Éste último será el que detrás de su sello Oliba y con su producción,  les graba "Chichonera's Cat" en 1975. De nuevo con la importante aportación de Max Sunyer (guitarras), Jordi Clua (bajo), Francis Rabassa (batería,  percusión), Kitflus (piano, Moog, Elka,  órgano), e invitados al saxo, percusiones, coros.....

Su comienzo con "Bon Día,  Lluna" no puede ser más espectacular.  Como si "Iceberg" tuvieran un giro hacia "Yes". Poesía,  delicadeza, vocales cuidadísimas y una pirotécnica instrumentación  progresiva de primer nivel. Con sus acústicas y voces, Ia-Batiste exploran su interior a base de pequeñas gemas imperecederas. Vibración hippie del momento, paz y positividad, resuena en "Ocell". "Chichonera's Cat" sigue esos derroteros, días de bohemia,  candidez, investigación interior y felicidad, sin pensar en el día siguiente. Bucear en discos como éste,  te hace sentir como aquellos soñadores en tiempos oscuros, (acaso no tan lejanos), a poca sensibilidad que se tenga. También el círculo Ayers / Allen tiene aquí su eco influyente. Un Elka de cuerdas bien insertado hace maravillas, como pasa en "El Llarg i lluent Cami". Cantar en catalán aporta lirismo bucólico  difícil de expresar en letras. Son sentimientos plasmados en sonidos de una época. Su arropo progresivo es evidente y efectivo a más no poder. Qué bonito título es "Canço per a no sentir-se sol", donde la guitarra de Sunyer brilla bajo un mar de percusiones coloristas. Y Kitflus llena con sus sintetizadores,  unas letras intimistas, en un particular mundo para perderse bien a gusto.

El saxo de Pau Casares en "El Noi i la Canço" le da un aire Canterbury.....un no se qué, que conecta con la música de aquel lugar. La magia siempre presente de Ia-Batiste. Añade bonitos arreglos de guitarra y ritmo, y un solo de órgano de Kitflus que eleva la calidad inequívocamente. "Aeronaus" conecta con el universo pot head y sus pixie alumnos de Gong. Desmesurada belleza acústica en "El Gessami i La Rosa". Magia electrónica  para "Imatges de l'estiu", con desbordante fantasía sympho, casi paralela al sonido alemán del sello Sky. Que continúa sin silencios en "Villa Montserrat". Moogs en efervescencia Emerson. "Esqueix de Canço" es otro perfecto instante sonoro del pasado. Melancolía que parece Starcastle en catalán!  La final "Vida de pel-licula" tiene de nuevo olor a Iceberg con voces andersonianas.

La madurez de ésta obra es inmensa. Tal vez demasiado. Al finalizar el año y tras participar en  el recordado Canet Roc, deciden separarse por diferencias artísticas. 

El sueño de una noche de verano de 1975.

FUENTES: J.J.IGLESIAS para Rockliquias

Formación:

Ia Clua - Guitarra acústica, voz

Jordi Batiste - Guitarra acústica, voz

Max Sunyer - Guitarra

Jordi Clua - Bajo

Francis Rabassa - Batería, Percusión, Gong

Kitflus - Elka, Órgano, Moog, Piano

Pau Casares - Saxo

PISTAS:

A1. Bon Dia, Lluna

A2. Ocell

A3. Chichonera's Cat

A4. El Llarg I Lluent Cami

A5. Canco Per A No Sentir-Se Sol

A6. El Noi I La Canco

B1. Aeronaus

B2. El Gessami I La Rosa

B3. Imatges De L'Estiu

B4. Villa Montserrat

B5. Esqueix De Canco

B6. Vida De Pel-Licula

IA-BATISTE - CHICHONERA'S CAT "ÁLBUM COMPLETO"

Kaleidoscope - Discografía

Discografía - Tangerine Dream (1967)

En ocasiones la historia musical puede ser injusta. Eso parece ser el caso de "Kaleidoscope", banda inglesa que emergió en pleno furor del rock psicodélico con un maravilloso álbum que es hoy considerado una gema del género.

Conocida inicialmente bajo el nombre de "The Sidekicks" (1963-1964) y posteriormente "The Key" (1965), Eddy Pumer (guitarra), Steve Clark (bajo, flauta), Danny Bridgman (batería) y Peter Daltrey (voz, teclados), se convirtieron en "Kaleidoscope" en 1967 luego de firmar con el sello Fontana Records, nombre bajo el cual grabaron tres discos (el tercero publicado por vez primera en 1991), antes de mutar en "I Luv Wight" y finalmente en "Fairfield Parlour" y editar un único disco en 1971.

El disco que nos ocupa fue el iniciador de una historia pocas veces contada. Al menos así parece.

El set de once composiciones abre con el tema que da nombre a la banda. En él se aprecia un atractivo juego vocal con Daltrey en la voz líder cantándonos: “Caleidoscopio, Caleidoscopio, Coches y gente corriendo / Míralos reír, escúchalos suspirar / Sonidos satinados, montones de millones de luces de colores ‘Algo de bermellón» / Las flores se mueven o emiten fluorescencia, desapareciendo iridiscente nubes rodantes, sombras de la noche / Rostros negros, Rostros blancos, Caleidoscopio, Caleidoscopio”

La letra pareciera describir un claro trance alucinógeno, lo cual en 1967 fue bastante común.

Seguidamente el cuarteto nos pone a levitar con “Please Excuse My Face”, un tema en slow-tempo con una dulce guitarra arpegiada que en parte nos dice: “En silencio, dices adiós con la mano / Mucho amor desatado / Si mis ojos brillantes se ven tristes / Por favor, disculpe mi cara, / Sonrojada, sonriendo a través de las lágrimas / Por favor, disculpe mi cara”

La tercera pieza es “Dive Into Yesterday” En ella el grupo nos canta: “Sumérgete en el ayer, sumérgete en el ayer / Sumérgete en el ayer / Ahora desde su desaparición a través de los anillos de humo de nuestro tiempo / Mientras el bufón de yeso desafina / En la locura de nadar a la luz de la luna en lo profundo de la cueva de Aladino / Pero con buenos viejos diamantes bailando, todos podemos sonreír demasiado pronto / Oh balanceo y balanceo, dicen los pétalos / Gira por dentro y por fuera y por favor”

El repertorio continua con la ingeniosa “Mr. Small The Watch Repair Ma”. La composición inicia con la flauta dulce, dando así un tinte barroco con los tonos que asociamos a los relojes de antaño. Luego, la misma melodía es usada en parte de la vocalización. El tema es protagonizado por un “pequeño relojero” que nunca está disponible los días domingo.

Sigue “Flight From Ashiya”, con su existencial estribillo, “nadie sabe donde estamos”, nos dice:“Ráfagas de algodón blanco pasando por la ventana / Todos hablando, oh, muy bajo / Y el Capitán Simpson parece estar aturdido. / Un minuto alto, el siguiente minuto bajo nadie sabe donde estamos nadie sabe donde estamos / Los cigarrillos se queman cada vez más rápido / Todos hablando del siempre jamás / Y el Capitán Simpson parece estar aturdido. / Un minuto alto, el siguiente minuto bajo nadie sabe donde estamos nadie sabe donde estamos”

“The Murder of  Lewis Tollani” representa el punto medio de esta obra colmada de imágenes ondulantes con espacial colorido.

“En la noche algo se agita / Alguien se mueve sin hacer ruido a sus talones / Tu corazón está acelerado, tu mente está rastreando / Imágenes que puedes ver, Lewis Tollani, soy yo.”

Continúa el álbum con “In The Room of Percussion”, en la cual hay un sonido corrosivo entre los versos que evocan la movida de esa era, llena de trances coloridos y de imágenes que lentamente se mueven en un entorno colectivo en procura de nuevos estados de conciencia que resultan de sustancias psicotrópicas.

Sin duda, un hecho que desvió su camino originario.

El resto del repertorio del lado B lo conforman “Dear Nellie Goodrich”, “Holiday Maker”, “A Lesson Perhaps” y la más extensa de todo el álbum, “The Sky Children.”

La primera de ellas es una canción sobre un hombre que ofrece su amor a una mujer llamada Nellie. Guitarra y teclas dan un tono cálido a esta sencilla canción.

La segunda trata sobre un turista como protagonista central de la historia que nos relata "Kaleidoscope" para luego dar espacio a la recitada “A Lesson Perhaps” que es acompañada por la guitarra clásica de Eddy Pumer. La pieza trata sobre un rey y su reino.

“The Sky Children” cuya lírica la conforman siete estrofas de diez versos cada una, inicia contándonos: Un millón de flores blancas en un campo en el cielo / Parecía deletrear un saludo mientras los niños pasaban volando / Un guardia en un carro de plata y oro. / Les dio a los niños todos los boletos, luego la historia que contó. / De un tiempo en el futuro que era sol y flores / Y los niños se adormecieron en las torres blancas del cielo / Soñaron con la historia que el guardia había exhibido / Vieron todas las maravillas, las mentes diminutas se asombraron / Vieron bosques de dulces y dragones que respiraban fuego / Sobre todo lo que era malo en el fango brumoso…”

Tangerine Dream es, en esencia, un disco sobre la gente y la vida, con temas producidos por Dick Leahy, escritos principalmente por Peter Daltrey con música de Eddy Pumer.

El disco fue reeditado en 2005 con versiones adicionales de dos temas y cinco adicionales no pertenecientes al álbum original. En celebración de los 50 años, el álbum fue publicado nuevamente en 2017 en edición especial con un tiraje de mil unidades en vinilo anaranjado.

Viajemos al año 1967 y descubramos este clásico del rock psicodélico…

FUENTES: Leonando Bigott para Revista LaDosis

KALEIDOSCOPE - TANGERINE DREAM "ÁLBUM COMPLETO"

The Legend - Discografía

Discografía - The Legend (1968)

"The Legend", también conocido más tarde como "Dragonfly", era originario de Colorado, pero iban y venían entre allí y Los Ángeles para grabar y publicar discos. Los miembros incluían a Jack Duncan (bajo), Barry Davis (batería, coros), Gerry Jimerfield (guitarra, voz principal), Randy Russ (guitarra, coros) y Erni McElwaine (teclados).

Los orígenes de la banda se remontan a El Paso, TX, donde en 1965 Duncan y Davis se conocieron y se hicieron amigos rápidamente mientras tocaban en un grupo llamado "The Pawns". Al enterarse de que los Pawns iban a tocar en un concierto en Farmington, NM, los coloradinos Jimerfield y McElwaine hicieron un viaje por carretera al sur para verlos y quedaron muy impresionados. A los 26 años, Jimerfield tenía un poco más de experiencia y ya había tocado en la escena de Los Ángeles, apareciendo en el programa 'Hullabaloo' y, más recientemente, liderando su propia banda llamada "Lords Of London" en Colorado. Citando sus conexiones en Los Ángeles, Jimerfield pronto convenció a Duncan y Davis para que dejaran a los Pawns y se mudaran a Durango, CO, donde podrían quedarse en el motel de sus padres y formar un nuevo conjunto. La banda ensayó allí durante un par de meses y pronto decidió que necesitaban agregar un segundo guitarrista. Duncan y Davis sugirieron a Russ, a quien conocían de sus días en El Paso. El grupo se completó cuando Russ acordó mudarse a Durango y unirse.

A principios de 1967, la banda, que ahora se llamaba a sí misma "Lords Of London", se mudó al área de Denver, donde tocaron en muchos clubes y finalmente se convirtieron en teloneros frecuentes en el teatro Family Dog de Chet Helms. Inquietos en Colorado, luego se fueron a Los Ángeles por un breve período donde cambiaron su nombre a "Jimerfield Legend", pero pronto regresaron a Colorado a tiempo para el Verano del Amor de 1967.

En 1968, regresaron a Los Ángeles, acortaron su nombre a "The Legend" y firmaron con el sello local Megaphone, lanzando tres 45 y un LP homónimo. El álbum contiene principalmente versiones pre-psicodélicas y, según Duncan, la instrumentación fue interpretada principalmente por músicos de sesión que no eran grupales. Sin embargo, el segundo 45 lanzado como The Legend, contiene dos excelentes originales que no son LP ('Portrait Of Youth' y 'Enjoy Yourself'), que luego se rehicieron significativamente y aparecen nuevamente en el LP 'Dragonfly'. Desafortunadamente, todos los discos cayeron en ventas y la banda nuevamente se mudó a Colorado, donde continuaron siendo un acto en vivo bien recibido. Alrededor de este tiempo, McElwaine dejó el grupo y no fue reemplazado.

En 1969, los mismos ejecutivos que representaban las grabaciones de "Legend", vieron a la banda tocando en su antiguo refugio, el Denver Family Dog, y ahora estaban aún más sorprendidos por su originalidad y musicalidad. Esta vez, los ejecutivos discográficos prometieron permitir que la banda grabara un LP de material original, por lo que empacaron nuevamente para Los Ángeles y grabaron lo que se convertiría en el LP 'Dragonfly' en Amigo e I.D. Studios en North Hollywood. Este álbum es absolutamente asombroso e incluye varios originales psicodélicos sobresalientes y más duros, la mayoría de los cuales se tocan en TWOS y se acreditan con el apodo de "Dragonfly". En el momento del lanzamiento, el disco obtuvo una modesta difusión en la radio de Los Ángeles, pero desafortunadamente no se vendió bien y el grupo se separó poco después de su lanzamiento. Jimerfield falleció desde entonces, pero Duncan, Davis y Russ siguen siendo músicos activos hasta el día de hoy.

Formación:

Jack Duncan - Bajo
Barry Davis - Batería, Coros
Gerry Jimerfield - Guitarra, Voz principal
Randy Russ - Guitarra, Coros
Erni McElwaine - Teclados

PISTAS:

A1. With A Girl Like You (R. Presley) - 2:22
A2. The Sky That Is Blue (B. Corso) - 3:03
A3. Zeppelin's Good Friday (E. Brooks, S. Romans) - 2:48
A4. Where On Where Is Mother? (B. Corso) - 3:08
A5. Yesterdays Child (B. Corso) - 2:37
A6. Eyes Of The World (D. Mcginnis) - 2:30
B1. The Kids Are Alright (P. Townshend) - 2:58
B2. Cold Wind In August (B. Page) - 2:34
B3. Sunny Day (E. Brooks, S. Romans) - 2:13
B4.You'll Be Sorry Someday (B. Corso) - 2:13
B5.Gigi (Lerner, Loewe) - 2:20
B6.Baby Blue (B. Dylan) - 6:11
13.Portrait Of Youth (G. Jimerfield) - 2:44
14.Enjoy Yourself (R. Russ, B. Davis) - 2:51
15.I Love The Little Girls (M. Kelly, G. Jimmerfield, Radcliff) - 2:15
16.I Know (B. George) - 2:11
(Bonus tracks 13-16)

THE LEGEND - THE LEGEND "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Rockasteria

Supertramp - Discografía

Discografía - Breakfast In America (1979)

El disco que convirtió a "Supertramp" en super estrellas. Analizamos su mayor éxito comercial, un excelente pop rock con tintes progresivos.

Supertramp para muchos es una banda desconocida, sin embargo, es una banda que a lo largo de su carrera han tenido grandes lanzamientos, para muchos, es considerada como una de las bandas más influyentes en la década de los 70’s y 80’s. Los liderados por Rick Davies, trabajaron continuamente en su sonido durante cinco álbumes para finalmente llegar a su sexto… «Breakfast In America», un disco que los lanzó a la cima de la fama, convirtiéndolos en super estrellas.

El sonido de este trabajo fue agradable y comprensible para las masas, sin dejar sus orígenes progresivos y técnicos, poniéndolos en segundo plano, cubriendo las necesidades auditivas tanto de conocedores, como de escuchas amateur. Hoy comentamos «Breakfast In America», un clásico de los 70’s que vale la pena escuchar de inicio a fin.

La combinación y el balance perfecto entre el Pop y el Rock, las composiciones del disco se basan en el piano Wurtlizer, mismo que se encuentra presente en la mayor parte del tiempo del trabajo; hablando de composición, todos y cada uno de los diez temas de «Breakfast In América» están muy bien pensados, a pesar de predominar el pop, las progresiones, los acordes, las melodías y los arreglos no son nada predecibles, es decir, tienen un arduo trabajo que únicamente los músicos de alto nivel pueden llevar a la realidad, y aquí radica lo especial que es este trabajo, pues grandes músicos se encargaron de confeccionar esta serie de piezas con la más alta calidad musical en cuanto a diseño y producción de las mismas se refiere.

Escuchamos música de la más alta calidad, las guitarras son pertinentes, cuando lucen lo hacen con una arquitectura muy planeada, las voces y los coros enaltecen al disco, hacen que se escuche muy grande sin importar la época en la que se escuche, el bajo lleva una rítmica que le da el groove a las canciones, se aprecia muy definida la ejecución con los dedos por parte de Dougie Thomson, la batería es muy precisa y amarra muy bien a la banda, marcando una serie de obligados que evocan mucho al estilo progresivo de la banda, y por último, los arreglos de vientos, metales y cuerdas son la cereza del pastel que decora con elegancia a «Breakfast In America».

Muchos críticos compararon a la banda con "Genesis", posiblemente por su influencia de Rock Progresivo, sin embargo, para nuestro gusto, Supertramp se escuchaba como una banda adelantada a su época, una agrupación que evolucionó para evocar a un virtuosismo colectivo. A pesar de que «Breakfast In America» se lanzó en 1979, su nivel puede confundirse con un lanzamiento de años posteriores, alrededor de mediados de los 80′.

Dos son las canciones que posicionaron al álbum como un éxito comercial rotundo, la primera «The Logical Song» y la segunda «Breakfast In América», su éxito no fue gratis, ambas canciones cuentan con una técnica excepcional en su ejecución de cada uno de los instrumentos, además de que las melodías son muy pero muy memorables, simple y complejamente un pop del más alto calibre, a destacar ambos puentes de ambas canciones, en «The Logical Song» con un muy buen solo de Saxofón y una serie de obligados progresivos, y en  «Breakfast In America» con una serie de voces muy al estilo circense acompañado de vientos y percusiones orquestales… dos canciones con una finísima producción que cautivaron a todo tipo de oídos.

Este álbum marcó la pauta como pionero en el pop ochentero, sirviendo como escuela para toda una ola de bandas y artistas que crearon himnos enteros a lo largo de esta década, basta con escuchar canciones como «Just Another Nervous Wreck» para escuchar la influencia que esta banda logró, y es que sus raíces Rock son muy notorias, sobre todo en las guitarras y las baterías, así como los épicos solos de guitarra.

Después de pasar por una serie de baladas, el álbum cierra con «Child Of Vision», un track que confirma todo el groove y la maestría en arreglo y composición de la banda, manteniendo el sonido del piano «Wurtlizer» a lo largo de la canción, pero presentado de forma estelar con un riff que le da una emoción cardiaca a todo el tema. Posiblemente esta sea la canción más progresiva del álbum, con un outro que se escucha muy al estilo «Jam» de músicos de otro planeta.

«Breakfast In America» es un clásico que sentó la bases para la música comercial de los años 80′, un álbum que explota las infinitas posibilidades de la música, aterrizado a un nivel popular suavizado… ¡Una joya!

FUENTES: The Rock Review

Formación:

Rick Davies - Teclados, voz

Roger Hodgson - Guitarra, voz

Bob C. Bengerg - Batería

Dougie Thomson - Bajo

John Anthony Helliwell - Saxo

PISTAS:

A1. Gone Hollywood

A2. The Logical Song

A3. Goodbye Stranger

A4. Breakfast In America

A5. Oh Darling

B1. Take The Long Way Home

B2. Lord Is It Mine

B3. Just Another Nervous Wreck

B4. Casual Conversations

B5. Child Of Vision

SUPERTRAMP - BREAKFAST IN AMERICA "ÁLBUM COMPLETO"

Beach Boys - Discografía

Discografía - Pet Sounds (1966)

"The Beach Boys" es ciertamente una banda referencial dentro del rock y más específicamente de la llamada onda "surf" y de la psicodelia americana pero con un sonido más accesible si se les compara con algunos de sus contemporáneos.

El álbum "Pet Sounds", lanzado en mayo de 1966, representa, dentro de su vasta discografía, el Dark Side of the Moon o el Rubber Soul de estos chicos de la playa. Y como a veces sucede, este álbum es uno de esos que parece cobrar valor con el paso del tiempo.

Sí, así como el buen vino que con un sorbo nos atrapa y con doce más nos embriaga hasta la médula sin más consecuencias que el pleno disfrute de un grato encuentro, así es Pet Sounds, que en 1966 era ya el onceavo disco de la agrupación californiana.

Brian Wilson es la figura central de esta banda que durante casi 60 años, con sus altos y bajos y algunas desavenencias entre sus integrantes, ha permanecido activa con una música fresca, bien definida e influida por una diversidad de géneros que incluyen la música barroca, la balada pop y una clara influencia vocal rica en armonías que solemos encontrar en estilos como el doo wop, R&B, góspel, espirituales y la música a capella.

"The Beach Boys" delineó su estilo con ellas para evocar un romance, los carros de moda y el surf, elementos indisolubles de lo que se dio por llamar el "California Sound", una música asociada a un estilo de vida hedonista, despreocupada y fiel retrato de la vida playera de la juventud del sur de California, Estados Unidos, que estéticamente encontró en el sonido de la ‘guitarra surf’, un  elemento determinante en músicos como Dick Dale y más pertinente en lo vocal con dúos como "Bruce & Terry", "Jan & Dean" pero que sin duda tuvo su máxima y permanente expresión en "The Beach Boys".

En aquellos días de vinilo que tanto limitaban la duración de la experiencia musical, Brian Wilson compuso 13 temas (poco más de 35 minutos), en algunos casos coescritos entre él, Mike Love y Terry Sachen, con textos de Tony Asher, para así contarnos otras historias con una musicalidad que más de cinco décadas después han hecho de "Pet Sounds" una piedra angular en el desarrollo del rock a través de la experimentación, empleando elementos de la electrónica, la psicodelia y hurgando en texturas orquestales y otras sonoridades más exóticas como las del electro-Theremin, un tren y ladridos de perros.

El alcance o influencia de éste álbum ha impactado a músicos, críticos, literatos y artistas de diversas corrientes por igual, en especial a bandas norteamericanas como "Mercury Rev", "The Flaming Lips" y otras por el estilo.

Y es que al sacarlo del estante para escucharlo una vez más, en lugar de encontrarse sólo con un recuerdo, se encuentra con una experiencia de un sonido fresco y cristalino aún cargado de cierta inocencia pero que al mismo tiempo nos toma por sorpresa, como se aprecia en el tema título. Un hermoso y raro instrumental con un dejo que recuerda a Burt Bacharach.

La evocadora "God Only Knows", con un claro aire barroco, destaca por el uso del corno francés, el clavicordio, un cuarteto de cellos y violas, y el uso de cascabeles, dándole al tema un carácter sinfónico.

Como dato curioso, la palabra Dios es usada en el título. Algo nada común en aquellos días. Hacia el final, el título es repetido cíclicamente a modo de canon.

Ciertamente una de las más atractivas de este excelente álbum que entra en esa categoría de "opus" surgidos de conflictos como "Rumors" (1977) de "Fleetwood Mac" o "Let it be" (1970) de "The Beatles", pues "Pet Sounds" apunta a ser más un trabajo de Brian Wilson (retirado de las giras un año antes) que el resultado de un esfuerzo grupal, lo que para aquella oportunidad hizo que el resto de la banda no aceptara de buenas a primera el material por considerarlo deslindado de lo que hasta ese momento venían haciendo.

Se creó así un cierto desaire y tensión entre Wilson, quien además se encargó de toda la producción, y el resto del grupo, vale decir Al Jardine (voz), Bruce Johnston (voz), Mike Love (voz), y sus hermanos Carl Wilson (voz, guitarra líder, bajo, piano, órgano) y Dennis Wilson (voz, batería).

Wilson escribió casi la totalidad de los temas con un hilo conductor líricamente en lo sentimental pero instrumentalmente en lo experimental, sugiriendo un álbum conceptual más por la excelencia musical como un todo que por una narrativa o historias conexas entre sí, lo cual en mi opinión no es el caso de "Pet Sounds".

Más de 50 músicos de sesión o invitados especiales participan a lo largo de los 13 temas, entre los cuales están muchos de los que conformaban el famoso "The Wrecking Crew" utilizado en muchas producciones por Phil Spector y "The Sid Sharp Strings".

Allí estaban Hal Blaine (batería, percusión), Glen Campbell (banjo, guitarra), Al Casey (guitarra), Frank Capp (percusion, vibráfono), Steve Douglas (saxos, clarinete, flauta), Al De Lory (clavecín, órgano, piano), Jim Horn (saxos, clarinete, flauta), Larry Knetchel (clavicordio, órgano, piano), Paul Horn (flauta), Jim Gordon (batería), entre muchos

Otro momento muy interesante del álbum es "Let’s Go Away for a While", instrumental de gran belleza reflejado en la orquestación y la dinámica cuyo tinte especial se encuentra también en el uso del oboe, el saxo, los violines y una guitara tocada con slide (botella en este caso). La percusión también resalta disolviéndose en el final.

El tema es seguido de una rareza en el contexto ya que se trata de una canción tradicional originalmente titulada "The John B. Sails" y acá presentada bajo el titulo de "Sloop John B", unos de los temas en los que destaca el acompañamiento de "The Wrecking Crew".

Con esta pieza comenzaron las sesiones en julio de 1965, es decir, 10 meses antes de la publicación del disco, un tiempo bastante considerable para los estándares de aquellos días en que la urgencia de editar singles, EPs y LPs era muchas veces enemiga de la perfección que buscaba Wilson.

Otra canción relevante es "I Know There’s an Answer", que resulta de la experiencia de Wilson con el LSD. La pieza destaca por el solo de saxo acompañado del banjo, pero también por el uso de la armónica baja y lo que suele llamarse tac-piano, que no es otra cosa que clavos y tachuelas puestos en el fieltro que cubre a los martillos que percuten las cuerdas, creando en consecuencia un peculiar sonido.

El tema tuvo además cierta controversia por una disputa legal sobre la autoría entre Mike Love y Brian Wilson que finalmente fue resuelta en corte a favor de Love.

Entre mis favoritos está el tema que cierra el álbum, "Caroline, no" coescrita junto a Tony Asher. Esta hermosa balada sobre un amor no correspondido incorpora una alteración en la clave original para la cual fue escrita.

La idea fue hacer la voz de Wilson sonar más joven. El final de la canción nos deja escuchar un tren y el ladrido de perros al paso de éste. Una hermosa versión de este tema fue grabada por el grupo "America" para su álbum "Back pages" (2011).

El disco contiene auténticas joyas atemporales que pueden ser escuchadas una y otra vez con el mismo placer. "Wouldn’t it Be Nice", cantada por Brian Wilson y Mike Love es la perfecta bienvenida al singular universo de "Pet Sounds", con elementos de la etapa previa pero también de lo nuevo.

Enseguida aparecen varias exquisiteces como la introspectiva "You Still Believe in Me", "That’s Not Me" -la más cercana a una estructura rock-, la complejidad armónica de "Don’t Talk (Put Your Head on My Shoulder)" -que trata de la comunicación no verbal entre amantes-, "I’m Waiting for the Day" y ya en el lado B del disco, "Here Today" -con el bajo en plan estelar-, y "I Just Wasn’t Made For These Times", en la que Brian deja colar que muchos lo consideraran loco mientras concebía "Pet Sounds".

La totalidad del contenido del álbum es de necesario conocimiento para entender la evolución de la música pop, considerado material esencial dentro de la historia de la música, al punto de formar parte de la colección de la Biblioteca del Congreso y el Registro Nacional de Grabaciones por su importancia estética, cultural e histórica.

En 2016, con motivo del 50 aniversario, se publicó una inmersión total en "Pet Sounds" en forma de Box Set, que contiene las versiones remasterizadas en estéreo y mono, instrumentales, demos, tomas alternas, en vivo y otras joyas que quedaron fuera de aquella legendaria sesión de grabación, todo acompañado de un libro de tapa dura pleno de información.

Formación:

Al Jardine - Voz
Bruce Johnston - Voz
Mike Love - Voz

Brian Wilson - Voz, Bajo, Órgano, Piano

Dennis Wilson - Voz, Batería

Carl Wilson - Voz, Guitarra líder, Bajo, Piano, Órgano

PISTAS:

A1. Wouldn't It Be Nice

A2. You Still Believe In Me

A3. That's Not Me

A4. Don't Talk (Put Your Head On My Shoulder)

A5. I'm Waiting For The Day

A6. Let's Go Away For Awhile

A7. Sloop John B

B1. God Only Knows

B2. I Know There's An Answer

B3. Here Today

B4. I Just Wasn't Made For These Times

B5. Pet Sounds

B6. Caroline, No

THE BEACH BOYS - PET SOUNDS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Revista Ladosis