O.W.L. - Discografía

Discografía - Of Wondrous Legends (1971)

Of Wondrous Legends es uno de los santos griales del acid folk/folk-rock desconocido. Según cuenta la historia, Stephen Titra había tocado en varios grupos locales de Chicago, siendo los más populares Uncalled Four (folk tradicional), Rhythm's Children (garage folk-rock) y, por supuesto, la legendaria banda de jam "Mountain Bus". Titra dejó "Mountain Bus" justo antes de que el grupo ganara tracción seria, y finalmente lanzó su gran LP de psicodelia rural inspirado en Dead de 1971. Of Wondrous Legends fue grabado en Universal Recording Inc. en 1971. Titra intentó vender el producto final a marcas como Elektra, Fantasy, A&M, Capital y RCA, pero no hubo compradores. Muchos de los representantes de A&R de los sellos discográficos encontraron la música de "O.W.L." difícil de comercializar, alegando que la música no era lo suficientemente comercial y que ninguna canción del LP se destacaba como un posible sencillo. Esta música es difícil de categorizar, ya que no encaja en ningún nicho cómodo. La única razón por la que esta música fue reeditada es porque Dawson Prater encontró una de las pocas prensas (¡tal vez la única!) de "O.W.L." en una tienda de Chicago a mediados de la década de 2000.

El proyecto "O.W.L." no se parece en nada a "Mountain Bus". Titra había estado tocando muchas de estas canciones en vivo desde 1967-1968. En el momento en que entró en el estudio, muchas de sus creaciones estaban completamente desarrolladas y listas para grabar. Of Wondrous Legends tiene un término medio entre "Left Banke" (piensa en "Shadows Breaking Over My Head") y el magnífico LP The Use Of Ashes de "Pearls Before Swine". No hay sitares, efectos psicodélicos, retroalimentación, solos de guitarra eléctrica enloquecidos o voces distorsionadas. Titra, voz y guitarras, está respaldada por una gran cantidad de otros instrumentos musicales que incluyen vibraciones, marimba, flauta, alto, violonchelo, batería, bajo, piano, moog, mandolina y una variedad de trompas. En todo caso, la producción del álbum le da un toque psicodélico.

El álbum es muy fuerte y muy recomendable para aquellos a los que les gusta el "folk progresivo". "Upon The Wings Of Gabriel" y "A Tale Of A Crimson "Knight" son poderosas rebanadas de acid folk que tienen valores de producción espaciales: estos temas no deben perderse para los fanáticos de la psicología. "Be Alive" es como podrían haber sonado los "Left Banke" si hubieran progresado a principios de los 70, aunque con un enfoque más folk-rock en su música. La pieza más progresiva de "O.W.L.", de ensueño de ocho minutos y medio "Midnight Carnival", es otra intrincada pieza musical cuya letra trata sobre la unidad y el caos. Finalmente, "Sunsets Of Smiles", la canción de cierre, es una canción folk muy bonita que se siente mucho menos producida en comparación con los números que la preceden.

Formación:

Stephen Titra - Percusión, Voz
Dick Boyell - Cuerda, Arreglos de trompa
Ellen Olsen - Piano
Al Keeler - Marimba, Campanas de Orquesta, Percusión, Vibráfono
Sam Larderuccio - Piano eléctrico 

John Knudson - Flautas
Frank Schabold - Bajo eléctrico 

Tommy Radke - Batería, Percusión
Steve Kauffman - Batería, Percusión

PISTAS:

A1. Legends - 5:02
A2. A Tale Of A Crimson Knight - 4:12
A3. Be Alive - 3:53
A4. Renaissance And Rococo - 4:21
A5. Midnight Carnival - 8:27
B1. Dawn Of Albion - 3:21
B2. Upon The Wings Of Gabriel - 3:02
B3. Breton Landscape - 2:52
B4. Everyman And The Philosopher King - 5:37
B5. Peace Of Mind - 3:49
B6. Salvation Song - 3:49
B7. Sunset Of Smiles - 1:56

O.W.L. - OF WONDROUS LEGENDS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Por Jason Nardelli para Rockasteria

The Beatles - Discografía

Discografía - Revolver (1966)
Ha transcurrido más de medio siglo de la publicación de «Revolver», el séptimo y revolucionario álbum de "The Beatles".

Para 1966, Lennon y Paul McCartney dejaron de ser una dupla compositora, George Harrison comenzaba a escribir canciones innovadoras y Ringo Starr se consagraba como baterista revolucionario, que definió un ritmo dentro de la música popular.

Los experimentos en el estudio dieron como resultado sonidos nunca antes oídos en la música popular, utilizaron el estudio como un instrumento más. El resultado fue espectacular, «Revolver» se desliza desde el rock, pasando por la música clásica, india, electrónica y avant garde, aderezado por una fuerte influencia de las drogas —especialmente LSD.

El álbum fue grabado a inicios de 1966, la época cuando Londres se consideró la capital cultural y artística de todo el mundo. Al mismo tiempo, inauguró la etapa psicodélica en la cultura occidental.

Musicalmente es una obra maestra. "The Beatles" aprovecharon las oportunidades del estudio, como la grabación en seguimiento doble automático, conocida como ADT. Esta técnica consiste en ocupar dos grabaciones de cintas conectadas para crear pistas vocales duplicadas.

El tema más innovador fue «Tomorrow Never Knows», en la que John Lennon grabó su voz dentro de dos altavoces giratorios de un gabinete Leslie que fue diseñado para ser utilizado en un órgano Hammond. El acompañamiento musical consiste en bucles de cintas preparadas muy al estilo de Karlheinz Stockhausen. El proceso de grabación se llevó en una sola toma, con la cinta de la canción unidos clips, y lápices de oficina.

«Revolver» fue el primer álbum de música popular en incluir una canción influenciada enteramente en la música india: «Love You To», escrita por George Harrison, quien también aportó la oscura «I Want To Tell You». McCartney fue la mente maestra para «For No One», que contiene un solo de corno francés, también un hito dentro del rock.

El LSD está presente en «Dr. Robert» y «She Said She Said», que da muestra de la maestría de Ringo Starr en la batería, uno de los músicos más subestimados de la historia.

«Abracadra», «The Four Sides Of The Circle» y «Beatles On Safari», fueron opciones para el título del álbum que fue publicado junto con una excelsa portada: un dibujo-collage realizado por Klaus Voormann, amigo del Cuarteto desde los días de Hamburgo, y un único sencillo: «Yellow Submarine/Eleanor Rigby».

«Revolver» cambió las reglas de la música popular para siempre, su sonido es el de los años sesenta en pleno. Fue un parteaguas, "The Beatles" arriesgaron todo en su momento cumbre. 55 años después, «Revolver» sigue sonando fresco y atemporal.

El álbum es considerado como una obra que expandió los límites dentro de la música. Al mismo tiempo, fue pionero en las técnicas de grabación en el estudio, con lo que inspiró la creación del rock psicodélico, rock progresivo, música electrónica y música del mundo. Los críticos más respetados de la industria lo consideran como el mejor trabajo del Cuarteto por encima de «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band».

Ocupó el primer lugar de las ediciones de Los 1000 Mejores Álbumes de Todos los Tiempos, escrito por Colin Larkin. Mientras que la Rolling Stone lo colocó primero en su lista de 500 Mejores Álbumes de Todos los Tiempos, en su edición 2003; para 2012 actualizó lugar a la tercera posición.

THE BEATLES - REVOLVER "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Por RODRIGO CASTILLO EN El Heraldo de México

The Beatles - Discografía

Discografía - Sgt. Pepper's lonely hearts club band (1967)

El octavo disco largo de los Beatles fue grabado en un momento especialmente dulce de su carrera: acababan de decidir, por unanimidad, abandonar las giras y centrarse en grabar discos; podían entrar en los estudios de Abbey Road a grabar lo que quisieran y cuando quisieran; aún vivía Brian Epstein, verdadero amigo e impulsor de su carrera, que los mantenía unidos, y se hallaban, en definitiva, inmersos en un universo pleno de éxito, fiestas, sexo, drogas alucinógenas y reconocimiento casi unánime por parte de todos los sectores que, aunque no podía terminar de otra manera que haciendo explosión en cualquier momento, todavía les brindó unos años álgidos de inspiración y de concentración disciplinada en su trabajo.

En estas circunstancias se grabó uno de los discos más geniales, redondos e influyentes que ha dado la música popular, cuya estela perdura y tiene visos de seguir perdurando indefinidamente, de generación en generación. Se ha dicho toneladas de cosas sobre su formato vagamente conceptual, su portada, los disfraces de los gachós y demás, así que todo eso lo dejo para los eruditos y tertulianos diversos del pop, que los hay a espuertas. Simplemente dejar claro que, quizá por primera vez, los miembros del grupo se implicaron en gran medida y con enorme ilusión en todo lo que rodeaba al disco. Estamos en ese momento mágico en que los LPs dejan de ser una colección de singles recopilados por la compañía de discos, con una simple foto del "pescao" que se trata de vender, y pasan a convertirse en un trabajo del propio artista, que cada vez en mayor medida toma las riendas de la producción, el arte de la portada, el orden de los temas, etc.

La canción homónima que abre el disco es una especie de "jirón" del medio frustrado carácter conceptual que McCartney pretendía dar al disco entero, y nos mete de lleno en lo que parece que va a ser simplemente un disco de rock bastante majete y energético. Sin embargo, la entrada paulatina de elementos como aplausos y risas enlatadas, coros amplios o secciones de trompas nos empieza a sacar de la cabeza cualquier idea preconcebida. Cuando el final de la canción (cuya letra anuncia algo, una actuación) da paso a la melancolía de Ringo en "With a little help from my friends", un alegato a la amistad y el buen rollo cuya música parece brotar como el agua del final del tema anterior, ya no cabe duda: estamos ante un monstruo de muchas cabezas recién ensillado. Nos vamos de viaje.

Y a todo esto falta por manifestarse todavía el mismísimo John Lennon, que hace su aparición en ese mismo instante. La llegada de "Lucy in the sky with diamonds" (esa mítica alusión al LSD) podría tomarse como un cambio de esquemas que no pega del todo, una especie de "disidencia" interna por parte del aguardentoso e inquietante Lennon… si no fuera porque las dos primeras canciones han dejado el ambiente preñado de una solidez tan mágica y particular que, contra todo pronóstico, cabe en adelante pensar en el disco como en un todo a pesar de sus constantes golpes de timón.

Pasada la tormenta de alucinaciones de "Lucy", McCartney vuelve a tomar las riendas y, siempre contrapesado por las maquiavélicas y agudas maquinaciones del difícil Lennon, nos regala con "Getting better" y "Fixing a hole" un nuevo rato de alegría pura y exultante, que desemboca en la triste y sensible historia de "She’s leaving home". En este momento la participación de Lennon se torna crucial, no sólo porque aportó un nuevo ángulo de visión en el estribillo, sino porque, terminada la canción, es él quien nos saca de allí amablemente, disolviendo la tristeza de la historia a base de zambullirla de nuevo en un barril de LSD puro: "Being for the Benefit of Mr. Kite!" no es más que un juego, un experimento sonoro cuya inspiración brotó de un simple cartel que vio Lennon, pero es para mí uno de los mayores aciertos de este disco. La melodía serpenteante, concisa y maravillosa de esta canción, aparte de su redondez mágica propia de los más grandes, tiene un no sé qué irónico, lúcido y chistoso, que le confiere un aire maligno pero a la vez curativo.

La cara B se regodea en el ambiente ya creado, y nos va llevando de aquí para allá con un abanico de contrastes aún mas marcado. Un George Harrison por fin plenamente empapado de pasión por el hinduismo y por el sitar, instrumento que ya había empezado a chapurrear bajo la tutela del gran Ravi Shankar, nos propone zambullirnos en la escucha de "Within you without you" que, aunque quizá sea el corte más plomizo del disco, engarza mágicamente con el resto. No en vano estamos ya hipnotizados. Y es que en "Sargent Pepper’s", cualquier canción compuesta por un genio bajo el peso de grandes cogollos de marihuana, y que dijera cosas más o menos enérgicas, bonitas o positivas, no estaba de más. Así son todas, así quedaron. Quien tenga "soniquete", que lo repita si puede.

Poco tardamos en sacudirnos el "plastón" hindú: llega de nuevo McCartney con la caballería. La amabilidad de "When I’m sixty four" y la brillante ironía de "Lovely Rita" (canción en la que tira los tejos con elegancia a una tipa que le había puesto una multa por aparcar mal o algo así) nos ponen de nuevo en nuestro sitio, sonrientes, felices y con la mirada rumbo a quién sabe dónde. Los coros de "Lovely Rita" miran de nuevo al cielo, llevan ese sello Beatle que suena como si te subes el Everest a buen paso mientras roes sin descanso barritas energéticas.

Y aquí llega de nuevo Lennon con "Good morning good morning", una especie de descacharrante y animada cuadratura del círculo en la que la musicalidad más exquisita y natural no está reñida con los cambios de compás más inesperados. Qué jodío el andoba. Buenos días, buenos días… ¡BUENOS DÍAS!, nos dice sin perder su flema inglesa. No sabe uno bien de quién se está riendo, pero desde luego se debió partir el pecho a gusto mientras la inventaba.

Hasta aquí llega el disco, porque tanto esta canción como las otras dos que la siguen pueden ser un perfecto broche de oro. Pero no renunciaron a ninguna de las tres (menos mal) y las colocaron en fila india y en perfecto orden lógico. Tras "Good morning" llega el cierre natural: la segunda parte de "Sargent Pepper’s", que remata la (supuestamente) fallida faena conceptual de McCartney y se puede escuchar como quien ve pasar los títulos de crédito mientras hace un repaso de la suculenta película que ya toca a su fin. Pero las luces del cine no se apagan, porque esta obra maestra merece un final apoteósico. Señoras y señores, aquí llega "A day in the life", una monstruosidad de canción apañada a partir de sendos "trocitos" de tema, primero uno de Lennon y luego otro de McCartney, con los cuales no sabían que hacer sus respectivos autores, y que fueron diabólicamente unidos a huevo puro, empastándolos mediante un arreglo orquestal grandilocuente que te deja sin habla. El famoso arreglo no es más que un crescendo lento en el que los instrumentos van tocando notas cada vez más agudas, subiendo de semitono en semitono. Se repite dos veces: la primera sirve para separar las intervenciones de los dos genios, y la última, más incisiva, va en busca de un majestuoso y extenso acorde conclusivo en el que se concentra todo lo escuchado hasta el momento. Si en muchas ocasiones el "truco" de la música consiste en elevar la tensión hasta un punto poco tolerable y resolver por fin con una distensión liberadora, pocos ejemplos de este método pueden servir de una manera tan plena, tan clara como éste.

Así termina la que para muchos es la obra cumbre de los Beatles, pues si bien quedaban todavía tres o cuatro exquisitos platos que degustar antes del temido fin, que quizá fueron mejores aún en algún sentido, ninguno fue ya tan redondo, tan prieto y homogéneo (¡sin serlo en realidad!) como "Sargent Pepper’s". Eso sí, debe ser escuchado entero, con tiempo y en paz. Nada es indivisible en este mundo, como dijo Jack el Destripador, pero cosas como ésta merecen ser consideradas como un todo. Vale la pena.

Nota: por cierto, quedaron fuera del LP dos grandísimos temas que salieron aparte en single: "Strawberry fields forever" (del Lennon más lisérgico) y "Penny Lane", del McCartney más "Willy Fog". Imprescindibles ambas también.

Formación:

Paul McCartney - voz, bajo, coros
John Lennon - voz, guitarra, coros
George Harrison - Guitarra, voz, coros
Ringo Starr - Batería, voz

PISTAS:

1. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
2. With a Little Help from My Friends
3. Lucy in the Sky with Diamonds
4. Getting Better
5. Fixing a Hole
6. She's Leaving Home
7. Being for the Benefit of Mr. Kite!
8. Within You Without You
9. When I'm Sixty-Four
10. Lovely Rita
11. Good Morning Good Morning
12. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)
13. A Day in the Life

THE BEATLES - SGT. PEPPER'S LONELY HEARTS CLUB BAND

THE BEATLES - A DAY IN THE LIFE

FUENTES: El Portal del Metal

Left Banke - Biografía

The Left Banke fue una banda neoyorkina que con el paso del tiempo ha terminado convirtiéndose en un grupo de culto para los amantes de la música de los años 60 gracias a su LP "Pretty Ballerina/Walk Away Renée", una obra maestra de pop barroco a la altura de los mejores trabajos de grupos de la época como The Beatles, Love o The Zombies. 

Fue en su inicio un proyecto del teclista Michael Brown (Lookofsky), talentoso compositor de bellas melodías pop nacido el 25 de abril del año 1949 en la ciudad de Nueva York.

Su padre era Harry Lookofsky, un veterano músico y productor que poseía su propio estudio de grabación.
En ese recinto fue en donde el joven Michael se aficionó a las técnicas de experimentación sonora.
Al mismo tiempo se convirtió en un excelente pianista ocupando en su adolescencia ese puesto en grupos como Reparata & The Delrons o Christopher & The Chaps.

Tras el fracaso de un par de sencillos, Brown y su padre Harry, que actuaba como productor, arreglista y manager de las bandas de su hijo, formaron The Left Banke.

Para ello reclutaron al batería George Cameron (ex The Morticians), al bajista Tom Finn (ex The Castels), al guitarrista Jeff Winfield y al fabuloso cantante Steve Martin Caro, pieza clave también en el sonido del grupo.

Con esta formación publicaron el sencillo "Walk Away Renée" (la cara b fue “I Haven’t Got The Nerve”), que Michael Brown dedicó a la novia de Tom Finn, Renée Fladen, de la que estaba secretamente enamorado.

Esta extraordinaria canción consiguió un gran éxito logrando alcanzar el puesto número 5 en listas americanas.

Menos fortuna tuvo su también magistral segundo sencillo, la bella melodía “Pretty Ballerina” (con la cara b “Lazy Day”) que obtuvo un estimable número 15.

Aunque quienes daban la cara en la portada del que sería su primer y ya mítico disco grande “Walk Away Renee/Pretty Ballerina” (1967) eran los cinco integrantes oficiales, muchos músicos de sesión sin acreditar participaron acompañando al quinteto en las sesiones dirigidas por el padre de Brown, quien se encargó junto a su hijo de la producción y los arreglos. En medio de la grabación, Rick Brand sustituyó en las seis cuerdas a Jeff Winfield.

El álbum (número 67 en las listas), editado en Smash Records, es una maravilla pop llena de sublimes momentos armónicos y melódicos con la ornamentación barroca dominada por los teclados de su líder.

Además de los citados destacan joyas como “She May Call You Up Tonight”, “I’ve Got Something On My Mind”, “Let Go Of You Girl” o “Shadows Breaking Over My Head”, que demuestran el excepcional talento para la escritura de Michael Brown y la fascinante vocalidad de Martin Caro.

La que podría ser una de las mejores carreras de la historia del pop-rock americano se quebró al anunciar Brown su retirada de la banda para dedicarse exclusivamente a la producción y a la composición.
Esta decisión provocó una disputa legal por el nombre de The Left Banke, ya que los otros componentes, que habían incorporado al teclista Emmett Lake, deseaban proseguir con el nombre al igual que Brown y su padre Harry, quienes con varios músicos de sesión publicaron un single llamado “Ivy Ivy”, magnífico tema que fracasó completamente en las tiendas de discos, principalmente debido a que sus excompañeros de grupo presionaron a las emisoras radiofónicas para que no promocionasen la canción.
Poco después, Left Banke limaron asperezas y se reunieron de nuevo para publicar el sencillo “Desiree”, que no consiguió los logros en ventas de sus dos primeros 45 rpm.

En vísperas de la presentación de su segundo LP "The Left Banke too" (1968), inferior a su debut pero aún así un muy buen disco que había incorporado al guitarra Tom Feher y en el que todavía se incluían temas escritos por Brown, éste abandonó de nuevo el grupo.

Los resultados en ventas de su segundo LP (con el dominio compositivo Feher Finn) fueron mediocres, lo que provocó la ruptura de la formación en 1969.

En los años siguientes Michael Brown formo parte de proyectos musicales como Montage, Stories o The Beckies.

Los demás componentes volvieron a reunirse y grabaron un LP titulado "Strangers on a Train" (1978), editado en los años 80 por Bam-Caruso Records.

En 1992 se editó el recopilatorio "There's Gonna Be a Storm: The Complete Recordings 1966-1969".

George Cameron murió el 24 de junio del año 2018 tras padecer cáncer. Tenía 70 años de edad.

Steve Martin Caro falleció el 14 de enero del año 2020 después de sufrir un fallo cardiaco. Tenía 71 años.

THE LEFT BANKE - PRETTY BALLERINA

FUENTES: AlohaCriticón

Jupiter Sunset - Biografía

Desgraciadamente pocos datos tengo de esta banda Francesa.

Su único LP "Back In the Sun", fue lanzado en 1970 y la formación de "Jupiter Sunset" estaba compuesta por José Bartel de origen Cubano (voz y piano), Jacques Certain (bajo), Dominique Perrier (teclados) y Francois Auger (batería). El álbum fue producido por Frederick Leibovitz y hasta donde yo sé, ninguna de las diez canciones eran originales de la banda.  

Su estilo yo lo enmarcaría dentro del rock progresivo con toques de psicodélia y pop barroco que bien podrían recordar a los "Left Banke".

Inspirados en grupos como los "Moody Blues" y "Procol Harum" fue una banda que tuvo bastante éxito en Europa, principalmente en Francia y Bélgica llegando a estar en las listas de Billboard durante un tiempo. Sus inicios surgieron por casualidad como resultado de reuniones entre amigos, que decidieron crear, sin pretensiones una canción, emergiendo así el nombre de Jupiter Sunset. Después de un breve exito el grupo acabo desapareciendo para resurgir en 1977 en plena ola de la música disco bajo el nombre de "Jupiter Sunset Disco Band" pero aquello ya era otra parada, otro estilo.

Yo descubrí este grupo por pura casualidad buscando otro grupos y me gusto tanto el álbum que lleva el nombre de la banda que no me los pensé dos veces y me hice con un LP en excelentes condiciones. Os recomiendo porque vale la pena escuchar las canciones de este álbum que fue lanzado en Francia en 1970 por la discográfica EMI.

PISTAS:
A1. Novorod
A2. Starligthter
A3. HighWay Man
A4. Run Peeble Run
A5. Acre of Land
B1. Back in the Sun
B2. Monte-Carlo
B3. Don't slam the door when you leave
B4. So long Lorraine
B5. Two Castles

JUPITER SUNSET - BACK IN THE SUN "ÁLBUM COMPLETO"

Módulos - Biografia

Dentro de la fauna sonora del rock en la España de finales de los 60 se hallaban olvidables émulos de los grupos más significativos de la Invasión Británica, con especial predilección por remedar las primeras composiciones de los Beatles, grupos y solistas propios de verbena estivalera, o proyectos sin consistencia más allá de algún acierto parcial.

Sin embargo, muchos otros nombres merecen una consideración por su elevado talento vocal, instrumental y compositivo, entre ellos los Módulos, grupo liderado por el gran cantante y guitarrista Pepe Robles.

Tanto se erigieron como pioneros de la música psicodélica y progresiva en la Península, con una escritura al estilo de conjuntos como "Vanilla Fudge", "The Nice", "Procol Harum" o "Gentle Giant", como en prorrogadores de temas pop con melodías de gran calidad que plasman su pleitesía con los "Beatles", su banda favorita, los "Hollies" o los grupos vocales californianos, y cortes abarrocados, bellamente arreglados y producidos que tanto recuerdan a las maravillas del pop barroco de "Left Banke" como a las composiciones clásicas de Johann Sebastian Bach.
Todo ello ejecutado de manera espléndida, no obstante eran excelentes instrumentistas, con significación para los omnipresentes teclados de Tomás Bohórquez y la guitarra de Robles, uno de los mejores vocalistas de la historia de la música rock en español que impregna a sus temas de desamor un cautivador tono triste y melancólico.

Los Módulos surgen en el Madrid del año 1969, cuando el cantante y guitarrista Pepe Robles (nacido en 1948), quien también se ocupaba de tocar los bongos y de interpretar los instrumentos de viento, como la flauta o el oboe, fue requerido por el productor del sello Hispavox, Rafael Trabuchelli, impresionado por su talento cuando puntualmente formó parte de la banda "Los Angeles", para liderar un nuevo conjunto musical.

En este proyecto el malagueño estaba acompañado por el bajista Emilio Bueno, el batería Juan Antonio García Reyzábal y el teclista Tomás Bohórquez (nacido en 1948), quien tanto interpretaba un moog como un mellotron, un órgano Hammond o un acordeón. Reyzábal además de las baquetas también tocaba el violín eléctrico.

En el año 1969 apareció su primer single, “Ya No Me Quieres”, un dulce tema pop con rasgos psicodélicos y ritmo estilo "Hollies" en el que ya se apreciaba su tacto melódico y su gusto por exquisitos arreglos.

Al año siguiente publicaron su tema más conocido, uno de los grandes clásicos del rock español, la fenomenal balada “Todo Tiene Su Fin”, de enorme intensidad melodramática, con la inolvidable intro del órgano de iglesia, la voz apenada de Robles, una sección rítmica prominente y unos soberbios arreglos vocales e instrumentales.

Como cara B del tema previo incluyeron “Nada Me Importa”, otra canción de similares características, a excepción de su estribillo, conformando uno de los mejores singles del período en el mercado español.

Después del tercer single, “Tú Ya No Estás”, otra pieza psico-progresiva de gran valía con un Pepe Robles excepcional y una interacción instrumental comparable a cualquiera de las mejores bandas anglosajonas, apareció su primer LP, “Realidad” (1970), sobresaliente álbum con sus dos primeros éxitos y cortes estupendos, como el homónimo, “Dulces Palabras” o “Noche de Amor”.

También aparecían en este disco dos curiosas versiones progresivas de dos conocidos temas de los Beatles, “Yesterday” y “Hello Goodbye”.

En el año 1971 sorprendieron de nuevo con su nuevo single, la maravilla pop “Solo Tú”, rítmica pieza iniciada con una guitarra de influencia oriental que podría haberla compuesto el mismísimo Michael Brown para "Left Banke". Una joya que define la sensibilidad y el lirismo de todo el conjunto, una sensibilidad innata que es la que suele marcar diferencias entre artistas.

Esta canción formó parte de su segundo álbum, “Variaciones” (1971), disco muy aprovechable marcado como siempre por su intensidad lírica con temas como “Adiós Al Ayer” o “Un Nuevo Día”, estupendo corte con deje jazzístico.

En su segundo LP realizan una nueva versión, “Los Sonidos Del Silencio” de "Simon & Garfunkel".

La pieza fue abordada de una manera totalmente original, llevándola al terreno progresivo con un genial Bohórquez en los teclados, por no hablar de la guitarra de Robles y la sección rítmica, siempre con personalidad, de Bueno y Reyzábal.

Tras “Variaciones” apareció otra nueva gema en single, “No Quiero Pensar En Ese Amor”, hermosa pieza contenida en “Plenitud” (1972), disco magnífico que además de la imprescindible “No Quiero Pensar En Ese Amor” incluía canciones tan destacadas como la bellísima melodía “Piensa En Mí”, pieza en tono triste y nostálgico acentuado por el empleo del violín, o “Algún Día Sabrás Niña”, canción con gran sentido del ritmo y una parte de seis cuerdas que recuerda a la guitarra del “You Never Give Me Your Money” de los Beatles.

Tras un recopilatorio, los Módulos regresaron al estudio para grabar en el año 1974.
El nuevo single, “Sólo Palabras”, recoge pautas más comerciales, convirtiénse en un tema convencional, agradable, con bonita melodía, pero con un tratamiento menor a nivel instrumental y vocal.
La canción apareció en “Módulos 4” (1974), álbum más comercial y menos complejo que previas grabaciones del grupo.
A pesar de ello contiene temas pop aprovechables como “Cerca De Las Cinco” o “Tú Eres Mi Mundo”.

Después de “Módulos 4”, el grupo participó en un proyecto de UNICEF con “Alguien En Quien Confiar”, canción con armonías a lo "Crosby, Stills & Nash".

La banda parecía no encontrarse cómoda y sin rumbo definido en lo musical en este período, lo que terminó provocando su ruptura.

En el año 1979, y con diversos cambios en la formación, como la salida de Bueno y Reyzábal y la entrada del bateria “Chupi” y el bajista José Luis Campuzano, “Sherpa”, los Módulos grabaron en el sello Olympo su último disco, “Módulos” (1979), un LP muy poco conocido que es un estupendo muestrario de rock progresivo de calidad con temas como la estupenda “Otoño En Cualquier Lugar”.

En el disco se realiza un sentido homenaje a los Fab Four, en la más que apreciable “Beatles”, y recreaciones prog-rock religiosas de la figura de “Cristo”.

La poca repercusión del álbum supuso la ruptura definitiva de los Módulos hasta su resurgimiento en décadas posteriores pero en una factura muy alejada de sus primeros y recomendables trabajos que convirtieron a la banda madrileña en una de las mejores del panorama hispano de comienzos de los años 70.

En el año 2000 volvieron al estudio y publicaron el disco grande “Pensado y Hecho… En La Intimidad” (2000).

Tomas Bohórquez falleció el 11 de abril del año 2018. Tenía 70 años de edad.

TODO TIENE SU FIN, LUZ ERRANTE Y CUANDO TE ESPERO.

FUENTES: AlohaCriticón