Neuschwanstein - Discografía

Discografía - Battlement (1979)

Nada se crea nada, todo se copia. Empiezo con esta frase para recordar y concluir que en la historia del rock ha habido pocos que hayan creado realmente algo nuevo, sin precedentes.

Ciertamente, solo se perpetuarán los grandes iconos en este sentido. Nombres como los "Beatles", "Jimi Hendrix", "Led Zeppelin", "Beach Boys", "Stooges", entre otros; en resumen, aquellos que dondequiera que estemos, siempre serán recordados por generaciones y generaciones. Si hoy escuchamos a los "Strokes" y recordamos el "Velvet Underground", escuchamos a "Beachwood Sparks" y recordamos a los "Byrds", escuchamos a "El Vez" y recordamos a "Elvis Presley" (una broma de buen gusto), es una señal de que esto siempre existirá y solo el tiempo permitirá que los nombres o las obras sean eternizados o no. Por supuesto, no veo ningún pecado en esto, al fin y al cabo hoy en día es muy difícil crear algo sin ninguna referencia.

Además de esta idea, intenté seleccionar un nombre que no formara parte del grupo selecto de iconos, pero desde luego cuando lo escuchamos recordamos inmediatamente su referencia. Este es el grupo alemán Neuschwanstein, cuya cita inmediata no es otra que la cerebral "Génesis".

A pesar de la referencia (noble, por cierto), el grupo solo publicó un álbum, en 1979, llamado Battlement, que al escucharlo, independientemente de si me recuerda o no al grupo de Peter Gabriel y Phil Collins, me da un gran placer, porque, si parece "Genesis", también se puede decir que si lo grabaran ellos estaría entre sus mejores discos.

Battlement es una obra maestra de principio a fin. Interpretado de forma espléndida, el álbum tiene siete canciones, todas de gran calidad. Ningún instrumento en particular destaca, ya que la fuerza del álbum está precisamente en su conjunto.

La banda estaba formada por Frederic Joos (cuya voz se asemeja, por supuesto, a Peter Gabriel), Roger Weiler (guitarra), Rainer Zimmer (bajo), Thomas Neuroth (teclados), Klaus Mayer (flautas y teclados) y Hans-Peter Schwarz (batería). A pesar de la calidad innegable, el grupo no logró grandes ventas, aunque abrieron conciertos para bandas más famosas como "Lucifer's Friend" y "Novalis".

El álbum tiene una atmósfera muy similar a clásicos como The Lamb Lies Down On Broadway, de 1974, el último álbum de Peter Gabriel en "Genesis". La primera canción es "Loafer Jack", cuyo sonido también recuerda al glorioso "Marillion" (¿no dije que nada se crea, todo se copia?). A pesar de la similitud, mantiene el estilo de la banda, con una flauta preciosa, grandes arreglos — en resumen, un excelente comienzo. A continuación tenemos "Ice With Dwale", otra gran canción, con énfasis en la flauta de Klaus (banda emblemática).

La tercera pista, "Intruders and the Punishment", es igualmente hermosa, con un gran arreglo y sensibilidad superficial. ¡Gran música! ¿Y qué pasa con la sexta canción, "Midsummer Day", si no es perfecta?. Escuchando cada una no puedo saber cuál es la mejor canción del álbum, porque todas son excelentes.

Como conclusión, también pregunto dónde habría llegado "Genesis" si lo hubiera logrado mantener la media de sus primeros álbumes y lanzar álbumes como este Battlement. Quizá este sea el caso del alumno que superó al maestro (si consideramos los comienzos de "Génesis", obviamente no; pero si hablamos de sus últimos álbumes, sin duda). Por supuesto, es muy complicado hacer este tipo de comparación, que por cierto no es mi objetivo, pero dejemos a un lado los prejuicios, porque para quienes disfrutan de la buena música, especialmente el rock progresivo de "Genesis", "Yes" y "Marillion", no deben perderse esta verdadera obra maestra del estilo.

Para quienes no lo sepan, créeme, Battlement es uno de los mayores momentos del rock progresivo de todos los tiempos, una pena que se publicara en el lugar y momento equivocados, al fin y al cabo 1979 no fue una buena época para ese estilo. Pero al fin y al cabo, ¿a quién le importa esto? No lo sé.

Formación:

Frederic Joos - Voz lider

Roger Weiler - Guitarra

Rainer Zimmer - Bajo

Thomas Neuroth - Teclados

Klaus Mayer - Flauta y teclados

Hans-Peter Schwarz - Batería

PISTAS:

A1. Loafer Jack - 4:42
A2. Ice With Dwale - 6:21
A3. Intruders and the Punishment - 7:34
B1. Beyond the Bugle - 7:31
B2. Battlement - 7:05
B3. Zärtlicher Abschied - 5:52

NEUSCHWANSTEIN - BATTLEMENT "ÁLBUM COMPLETO"

Organisation - Discografía

Discografía - Tone Float (1970)

La primera colaboración en LP entre los dos visionarios que fundarían "Kraftwerk" es un poco como el primer LP de "Tangerine Dream", en el sentido de que guarda poca semejanza con su trabajo posterior dominado por la electrónica y se acerca más al "krautrock tradicional". El álbum de "The Organisation" es básicamente instrumental, muy orientado a la improvisación, cuenta con mucha percusión manual y muestra más influencia de jazz y psicodélica que cualquier cosa que "Kraftwerk" haría jamás.

La canción que da título al álbum, de 20 minutos, comienza con campanas, tambores y percusión manual variada. La sensación inicial es muy de free jazz, de hecho me recuerda mucho a la banda de Archie Shepp con Bobby Hutcherson a mediados de los 60 (¡si te deshaces del saxofón!). Con el tiempo, se establece un groove en los "bongós" (al menos una especie de tambor de mano) y, por suerte, me recuerda al ritmo "Deutscher Cha-Cha" que "Kraftwerk" incorporaría más tarde en su música a través de cajas de ritmos (nunca he encontrado a Kraftwerk especialmente bailable — el suyo es más un "funk para la piel" que para el cuerpo). Después de relajarse con algunos sonidos ambientales de viento electrónico, el órgano de Hutter empieza a hincharse con drones polifónicos que suenan bastante al trabajo de Miles Davis en el órgano Yamaha a mediados de los 70. La batería convierte las cosas en una jam psicodélica pomposa y pausada durante un rato, luego vuelve a descomponerse en una figura de bajo de dos notas acompañada por una pandereta mientras el órgano regresa para un toque modal más jazzístico. Vuelve a crecer hasta algo parecido al "krautrock" antes de suavizarse en una canción guiada por flauta con un aire falso de "Oriente Medio". La característica forma de tocar la flauta de Schneider incluye soplados percusivos, muy parecidos a los de "Ruckzuck" de "Kraftwerk", así como armónicos que recuerdan a Roland Kirk y el uso ocasional y elegante de un efecto de retardo analógico. El conjunto sube en intensidad una última vez (¡incluyendo un ritmo de salsa en las claves!) antes de terminar con algunos sonidos de "percusión tratada" al estilo "Stockhausen".

La siguiente pista (al principio de la cara 2 si tienes el LP) es "Milk Rock", la canción más "rockera" del álbum, con un ritmo constante, un krautbass choogling y riffs percusivos de órgano Hammond (piensa en Lonnie Liston Smith). Schneider toca su flauta a través de algún tipo de efecto electrónico que me convenció durante un tiempo de que en realidad era un moog — la pista es cuando vuelve a empezar con el soplador armónico (la técnica en la que puedes sacar más de una nota a la vez de un instrumento de viento, como solían hacer Coltrane, Shepp, Kirk, etc. — los moogs son monofónicos y solo tocan una nota a la vez). En cualquier caso, este tema me recuerda a algunas de las cosas más extravagantes y orientadas al jazz que Stereolab ha hecho en los últimos años.

"Silver Forest" podría describirse como "jazz rock ambiental del espacio." Es más lenta y majestuosa, y presenta un trabajo etéreo de gong.

"Rhythm Salad" es más o menos lo que cabría esperar del título, aunque comienza con un feedback analógico de retardo que es el sonido más claramente "electrónico" del álbum. Por lo demás, básicamente es una percusión improvisada de forma libre, bastante buena para lo que es y con algunos efectos de paneo estéreo muy chulos. También hay un pequeño canto subliminal fuera del micrófono de alguien del grupo, quien fuera probablemente solo "lo sentía" mientras grababa. Clímax cuando la batería entra para tocar un "solo" al estilo Elvin Jones sobre todos los demás instrumentos de percusión.

"Noitasinagro" me suena un poco más derivativo que las otras canciones, el órgano de Hutter tiene una cualidad de "catedral" que recuerda a Hugh Banton de VDGG (en su mejor momento) y a Doug Ingle de "Iron Butterfly" (en su peor momento). También tienes a Schneider hablando con violín electrificado, muy parecido a John Cale en los primeros discos de Velvets (aunque no tan molesto) hasta que empieza a tocar "estilo raga" (la electrónica le da al violín un sonido parecido a un instrumento asiático, creo que se llama Oud?) Otro de los momentos más extraños de esta canción son unas voces de "ah-ah-ah" y un ataque de nervios. Termina con un exagerado sonido de órgano de iglesia que suena como una versión más jazzística del clímax de "In-A-Gadda-Da-Vida".

La reedición en CD en Crown Records incluye un tema extra de 11 minutos, "Vor Dem Blauen Bock" (traducido aproximadamente: "Before The Blue Horse" — también me he encontrado con este tema en forma pirata bajo el título "Truckstop Gondolero"). Esto en realidad no es una canción de "Organisation", sino una grabación en directo de 1971 del programa de televisión Beat Club por una versión de trío de corta duración de "Kraftwerk", formada por Schneider junto con Michael Rother y Klaus Dinger (los dos que se separarían para formar NEU! — Hutter no estaba en la banda en ese momento).

"Bock" comienza con un montón de sonidos electrónicos de Stockhausen antes de que Rother empiece a tocar un riff de guitarra que suena igual que su trabajo con "NEU!", y una vez que Dinger pone en marcha el ritmo "motorik" es prácticamente indistinguible de una melodia de NEU! como "Negativland". Schneider toca primero con flauta eléctrica y luego con violín eléctrico, pero el eje Rother-Dinger domina totalmente. No es difícil entender por qué esos dos dejaron la banda para hacer lo suyo, ¡la NEU básica! El plano ya está completamente expuesto aquí en 1971.

En conclusión, "Tone Float" es prácticamente imprescindible para los aficionados al krautrock, en particular la reedición en CD con la rara (y me atrevo a decir "históricamente importante") pista de ¡Kraftwerk/NEU!. Sin embargo, el álbum podría decepcionar a los fans de "Kraftwerk", que son exclusivamente aficionados a la "electrónica".

Formación:

Ralf Hutter - Teclados
Florian Schneider - Flauta, Violín, percusión
Butch Hauf - Bajo, percusión
Basil Hammoundi - percusión
Fred Monics - Batería

PISTAS:

A1. Tone Float
B1. Milk Rock
B2. Silver Forest
B3. Rhythm Salad
B4. Noitasinagro

ORGANISATION - TONE FLOAT "ÁLBUM COMPLETO"

Carol Of Harvest - Discografía

Discografía - Carol Of Harvest (1978)

"Carol of Harvest" es el álbum debut de la banda alemana de Krautrock del mismo nombre de Fürth. El álbum fue lanzado en el sello Brutkasten de Nuremberg.

A pesar de la pequeña tirada de solo 200 copias y la disolución de la banda poco después de la grabación, el álbum fue notablemente bien recibido, incluso fuera de Alemania.

La banda existió de 1976 a 1978 y recibió su nombre del poema de 1867 A carol of harvest de Walt Whitman. Los modelos a seguir fueron "Camel", "Pink Floyd", "Gentle Giant", "Renaissance" y "Clannad".

Una de las muchas bandas alemanas que lanzaron un solo álbum en un sello privado y lo vieron convertirse en el sueño de un coleccionista. "Carol of Harvest" tocó una mezcla de ensueño de rock progresivo y folk con voces femeninas que podrían compararse con "Mellow Candle" y los primeros "Clannad" mezclados con "Jane", "Pentangle" y "Renaissance". La música tiene el toque adicional de arreglos largos con sintetizador Moog y solos de guitarra ácida, y en realidad tiene poco que ver con Krautrock.

Una banda alemana de un pueblo semi-rural inmediatamente al oeste de Fürth y Nuremberg, los miembros de la banda acababan de salir de la escuela secundaria (excepto por la adición tardía, la cantante Krause, que solo tenía 16 años cuando se unió a la banda, 17 o 18 en el momento de grabar este álbum). Hay tantas influencias diversas en los matices psicodélicos de esta música folk progresiva. Con la voz cristalina de Beate al estilo de Celia Humphries / Jacqui MacShee / Sandy Denny cantando en perfecto inglés británico, uno podría confundir fácilmente esta música con algo que viene de la Isla de los Británicos.

1. "Put On Your Nightcap" (16:02) Los sonidos de onda/viento sintetizados o filtrados proporcionan el fondo para una construcción de acordes de blues estándar con guitarra eléctrica durante su introducción de dos minutos. Cuando entra la inquietante voz de Beate Krause, es con sorprendente confianza y madurez. El bajo y la batería finalmente se unen, al igual que las capas de voces de fondo (proporcionadas, sin duda, por Krause). La vocalización similar a la de Annie Haslam en el quinto minuto precede a un cambio a un segundo motivo en el que un interesante sintetizador hace un solo sobre la sección rítmica fundamental de dos acordes. El inglés seguro y claro con acento británico de Beate también es notable por su falta de acento alemán.

Muy buen solo de guitarra eléctrica principal en el décimo minuto antes de que la canción se desvanezca en ondas electrónicas para dar paso a un nuevo movimiento más pastoral basado en acordes de guitarra arpegiados de múltiples guitarras. El estilo vocal de Beate imita impasiblemente el de las mejores cantantes de folk femeninas de Gran Bretaña de la década anterior, especialmente las de Jacqui MacShee y Sandy Denny. En el minuto trece, la banda aumenta el ritmo y el volumen con una especie de motivo de "Just a Singer in a Rock 'n' Roll Band" dentro del cual el teclista Jürgen Kolb se vuelve un poco loco. Beate hace una aparición final en el último minuto para cerrar el pasaje de ritmo rápido y luego para marcar el comienzo de la canción con una melodía de ensueño, similar a una canción de cuna. ¡Cosas maravillosas!.

2. "You And Me" (2:31) en esta canción folclórica más tradicional, la voz de Beate suena años mayor de lo que sugeriría su edad, como si fuera una mujer sábia que canta sobre una relación de mucho tiempo. Notable. Dos, o más guitarras acústicas entrelazan su selección para la segunda mitad a medida que las letras de Beate se agotan.

3. "Somewhere at the End of the Rainbow" (6:26) la guitarra eléctrica arpegia cuatro acordes antes de que Beate se una con una voz quejumbrosa. Un sintetizador similar a un acordeón se une y luego el bajo y la batería se activan para apoyar el coro mientras Beate baja su tono una octava completa. ¡Uau! Eso fue inesperado. ¿Puede esta cantante tener realmente solo 17 años? La música es muy cálida y atractiva, aunque no muy sofisticada técnicamente, pero la interpretación vocal es notable.

4. "Treary Eye" (4:17) ¡La apertura de guitarra de este suena tan British Folk! Qué bien. Seguí esperando que se deslizara en una canción de "JETHRO TULL" o algo de "Fairport Convention". Cuando Beate entra, su voz etérea mueve la música más hacia el reino de la hipnótica Jacqui MacShee. ¡Ella es una fuerza! Una excelente canción folclórica.

5. "Try a Little Bit" (9:59) la música es quizás un poco simplista y unidimensional, pero el canto increíblemente seguro de la joven Beate Krause ilustra cuán pulida y dedicada estaba la banda a su oficio y canciones.

Un estilo y sonido de Prog Folk que resuena muy profundamente en mí. La Sra. Beate Krause (más tarde Sampson) merece el crédito y el reconocimiento alabados por las grandes sirenas populares británicas de la época.

Formación:

Roger Högn - Batería
Jürgen Kolb - Teclados
Beate Krause - Voz
Heinz Reinschlüssel - Bajo
Axel Schmierer - Guitarra

PISTAS:

A1. Put On Your Nightcap - 16.02
A2. You and Me - 2.31
B1. Somewhere At The End Of The Rainbow - 6.26
B2. Treary Eyes - 4.17
B3. Try A Little Bit - 9.59

CAROL OF HARVEST - CAROL OF HARVEST "ÁLBUM COMPLETO"

Missing Link - Discografía

Discografía - Nevergreen! (1972)

La banda alemana "Missing Link" lanzaría en 1972 su único álbum titulado Nevergreen! Esta banda sólo editó el álbum del que hablamos y sus integrantes eran el guitarrista Markus Sing, el soprano y saxo alto Gunther Latuschik, el bajista Dave Schratzenstaller, vocalista Gabriel Dominik Mueller, Sahara Holger Brandt como batería, y en el teclado Dieter Miekautsch.

Este era el típico y clásico jazz rock que se estaba haciendo en Alemania (bandas como Thirsty Moon, Missus Beastly, Kraan, Embryo, etc.) muy distinto del sonido de bandas como Nucleus, Keith Tippett o el propio Miles Davis. El jazz rock alemán tenía un fuerte componente hard rock progresivo apoyado en instrumentaciones y atmósferas sinfónicas, sonidos electrónicos y experimentales dando a todo el conjunto un sonido característico que se sumaría a la corriente musical generalmente conocida con el nombre de krautrock, etiqueta que engloba a la práctica totalidad de los grupos alemanes de la época. Este tipo de sonido, más bien jazz prog, parecía estar más influenciado por bandas del tipo de Soft Machine o Nucleus que del propio jazz en sí.

Volviendo al disco, es un trabajo muy bien hecho y un disco genial, al menos desde mis gustos, si bien es cierto que este es uno de los más desconocidos de un género muy amplio, me refiero al jazz rock. Junto con otras bandas del tipo de Morpheus, Kraan o las británicas Nucleus, Soft Machine o Egg, hacen un tipo de música muy característico y que puede resultar idóneo para iniciar a los más incondicionales del rock en la música jazz.

FUENTES: Discos Oscuros

Formación:

Markus Sing - Guitarra

Gunther Latuschik - Saxo alto y soprano

Dave Schratzenstaller - Bajo

Gabriel Dominik Mueller - Voz

Sahara Holger Brandt - Batería

Dieter Miekautsch - Taclados

PISTAS:

A1. Spoiled Love

A2. Song For Ann

A3. Time Will Change

A4. Only Me

B1. Sorcery

B2. Filled Up

B3. Kids Hunting

B4. Fryday On My Mind

MISSING LINK - NEVERGREEN! "ÁLBUM COMPLETO"

Can - Discografía

Discografía - Tago Mago (1971)

De vuelta a nuestros "Clásicos Del Género", viajemos de nuevo a la sabia e influyente base de los 70, a los indicios del krautrock desde la incipiente Alemania de aquellos tiempos y acariciar la noche de este viernes que da paso al fin de semana, bajo las surrealistas visiones de un director de orquesta como era el tristemente desaparecido hace unos meses Damo Suzuki.

El simple hecho de pensar que a este tipo lo recogieron de las calles de Munich y lo alinearan tras la salida del vocalista original Malcom Mooney tras sufrir un colapso metal, dio rienda suelta a que este mago de la localidad japonesa de Kobe, dirigiera la época prolífica de estos "Can", conocido por muchos medios de ser los grandes pioneros del krautrock.

Para esto, la huella inmortal de un disco como "Tago Mago", una forma de entender su materia de lo más influyente, intromisiones que en su rítmica conectan con el jazz, la improvisación tejiendo texturas entre sus muchas jam sessions y esa idiosincrasia esculpida de la mano de Suzuki.

Los alemanes "Can" tiene una trilogía esencial que yo considero que entra con este "Tago Mago" del 71 y prosigue con "Ege Bamyasi" justamente un año después para cerrarlo con "Future Days" en 1973.

Es verdad que la llama de este proyecto se apaga a finales de los 80 tras la salida de su último álbum de estudio "Rite Time", undécima obra de una discografía totalmente espectacular, salidas de la banda, alineaciones renovadas, separaciones y reuniones de vuelta, en todo su legado setentero y su parte ochentera. El núcleo de esa creatividad y la máxima espontaneidad del krautrock, recae en toda su esencia en "Tago Mago", el primero de los cuatro discos que la banda firmaría con United Artists.

Can se forma a finales de los 60 en Colonia, y lo que principio era pura instrumentación con Holger Czukay (bajo), Jaki Liebezeit (batería), Michael Karoli (guitarra) y Irmin Schmidt (teclados) esa fascinación por las sesiones improvisadas tomaban un primer nombre de proyecto conocido como Inner Space.

Tras la llegada de Malcom Mooney en el 68, se estrenaría con su demo "Prepare To Meet Thy Pnoom". Sería el propio Mooney el que sugería a la banda cambiar el nombre a "Can". Dentro de un castillo se gestaría el que es su álbum debut titulado "Monster Movie", con algunas versiones de aquella demo y conciertos posteriores que llevaría a Mooney a un bloqueo mental en uno de sus primeros conciertos, desapareciendo de la banda por consejos médicos.

"Tago Mago" es la presentación de Damo Suzuki y su arte más liberado y expresivo por la creación de psicodelia experimental y sus muchos ramalazos al krautrock y el jazz. Bajo una naturaleza magnética, el hipnotismo que derrocha este álbum es pura lisergia, prosperando en todas esas circunstancias y emociones que llevan al oyente al narcotismo sideral.

Desde una primera parte con temas importantes de su discografía como "Paperhouse" o "Oh Yeah", se pasa a las largas improvisaciones y el dominio rítmico de temas largos y pegajosos como "Halleluhwah", una visión propia de Syd Barret caminando paralelo a "Can" y sus primeros Floyd en "Aumgn" y ese cierre que sigue el mismo círculo de demencia ambiental en "Peking O".

Queda claro que la vanguardia de "Can" lleva un cuarto creciente en la estructura de "Tago Mago", desde su principio hasta su posterior final. La firma de "Can" en aquel 1971 dejo una bestia del rock psicodélico que con el tiempo se les considera uno de los grandes hitos del movimiento. Pionero desde luego, pero desde las variaciones de guitarra de la propia "Paperhouse", hasta las vibraciones que despierta "Mushroom", "Can" nos absorbe a un remolino de instrumentación empapada de LSD, y canciones que van inflamando el subconsciente, con ese mencionado potencial de hipnotizar al oyente.

Un clásico de su especie para cerrar otra semana más en nuestro umbral psicodélico.

FUENTES: La Habitación 235

Formacion:
Holger Czukay - Bajo

Jaki Liebezeit - Batería

Michael Karoli - Guitarra

Irmin Schmidt - Órgano, Piano eléctrico

Damo Suzuki - Voz

PISTAS:

A1. Paperhouse

A2. Mushroom

A3. Oh Yeah

B. Halleluwah

C. Aumgn

D1. Penking O

D2. Bring Me Coffee Or Tea

CAN - TAGO MAGO "ÁLBUM COMPLETO

Irmin's Way - Discografía

Opus Destroy - Discografía (1976)

A mediados de la década de 1990, "Irmin's Way" era una oscura banda anglo-alemana de la década de 1970 que solo obtuvo un LP en 1976 y permaneció inédita hasta 1995. Hay un gran misterio sobre ellos, excepto que la banda fue conocida originalmente con un nombre diferente y, a petición de los músicos, el nombre original y la identidad de los músicos nunca fueron revelados. Si todo esto resulta ser un engaño, es ciertamente convincente.

Para el lanzamiento del álbum, tomaron el nombre "Irmin's Way", en honor al dios sajón que mató a un dragón, un nombre que encajaba con el álbum como trabajo conceptual impregnado de mitología. En la tradición clásica de las bandas de Krautrock de la época, "Irmin's Way" destaca notablemente por el lado cósmico de "Pink Floyd" o el espacio psicodélico de "Gäa". Con un toque amateur, es decir, rudo y listo, y no tan bien realiza, no deja de ser un clásico del genero.

Según la información de Martin Heide, dijo que el verdadero nombre de "Irmin's Way" era Tin Pan Alley. Al parecer, Ege Sound Studio existe y el ingeniero residente Dieter Ege todavía trabaja allí.

PISTAS:

A1. Past & Present (9:23)
A2. Eremite (9:13)
A3. Alone (5:20)
B1. Opus: Destroy (22:36)

IRMIN'S WAY - OPUS DESTROY "ÁLBUM COMPLETO"