La música de "Ainigma" la tocaron tres chicos jóvenes de Garmisch-Partekirchen (Alemania) y estuvieron activos entre 1972 y 1974. Willy Klüte (órgano y voz), Wolfgang Netzer (guitarra, bajo y voces) y Michael Klüte (batería). Su único álbum "Diluvium" es un de los verdaderos pilares de psicodélia progresiva y pesada alemana. Está entre los más raros.
Obra incluida dentro del género Krautrock, como germanos que son, de carácter descarnado y oscuro. Desde un principio se muestran tal y como son, disco primitivo con una exigua producción, una voz que no alcanza el aprobado y sin ningún tipo de arreglos. Solo batería, bajo, guitarra y teclados, nada más, algo que le concierne una aureola de autenticidad a la vez que rudeza. Su irrupción es atronadora y abrupta en donde solo hay lugar a la crudeza en un entorno similar a un páramo desolado con un sonido pesado proporcionado por el órgano duro y aguerrido, que se acrecienta por una guitarra sucia sumida en la distorsión, que proviene del abuso en el pedal "fuzz", sin abandonarlo ya hasta el final.
El estilo dentro del Krautrock más próximo al progresivo, tiende hacia terrenos y elementos de garaje bañados en sustancias psicodélicas, estando a caballo entre ambos. No se prodiga en diversidad de variaciones y seccionado de los temas, más bien al contrario y por supuesto se aleja de cualquier intento de crear armonías, sumergiéndose en atmósferas oscuras y decadentes, casi agobiantes. Sesiones construidas sobre una base simple de cuatro compases muy marcados, con muros de sonido potente sobre los que se levantan con piruetas de órgano y guitarra, castillos de naipes para derribarlos y regresar a la frase inicial. Solos de teclado (amigo de los barridos) y guitarra que se intercalan pero no enfocadas al dialogo, incluyendo aspectos improvisados y echando mano a la inspiración.
Mención especial para Michael que trabaja una batería magnífica, rica en ritmos, cuya labor es esencial para llevar el peso de la robusta maquinaria creada por sus compañeros, evitando caer en un discurso demasiado lineal en la interpretación de la música.
"Thunderstorm" es un tema que en el álbum original no constaba, ocupando la homónima "Diluvium" toda la segunda cara en un LP algo corto de minutos. Su producción es peor que la del resto, estando a la altura de una maqueta casera.
Los orígenes del grupo tienen lugar en 1966, en Gran Bretaña, con una banda llamada "The News", que cambiara poco a poco su estilo en búsqueda de nuevo horizontes. Cerca de 1968 el tecladista Tim Hinkley se acercaría el grupo, el cual se reformaría en un trío, completado con Barry Wilson en batería, e Ivan Zagni, guitarrista y uno de los fundadores originales de la formación, que decidió reformar el grupo en búsqueda de un sonido más definido y concreto.
"Jody Grind" publicó dos álbumes, algo oscuros, en el corto periodo en que funcionaron. Su primer disco "One Step On" fue un debut muy honesto y emocionante, un sonido en carne viva con un estilo propio y conciso. Un típico disco psicodélico de la época, con algo de blues, rock & roll, rock psicodélico, de gran nivel, con el agregado de que en la primera pieza nos encontramos con una sesión de 20 minutos, dividida en cuatro partes, que transita por varios estados y momentos, una avanzada épica con grandes solos de teclas Hammond y guitarra eléctrica, la cual, hacia el final, termina con la interpretación de ‘Paint in black’, de los "Roling Stones", una pieza que encarna las reminiscencias tempranas de los sonidos progresivos británicos, muy agradable al oído, una sesión épica.
Las composiciones que mantienen hacen que el rock psicodélico se vuelva proto-progresivo, las piezas se las ingenian para no caer en el convencionalismo, los sutiles cambios que aplican dan cuenta de esto, a lo que se le suma arreglos orquestales de viento, que le da un color propio al sonido y realza la calidad general. A grandes rasgos mantienen una fuerza en la interpretación que hace de un sonido vertiginoso, donde el Hammond tienen un papel de protagonista, que, sumado a los cambios y arreglos de vientos, hace recordar bastante al sonido de los coetáneos de "The Crazy World Of Arthur Brown".
Las mayoría de los temas tienen una atmósfera seudo-psicodélica, pasajes pesados, compactos, muy entretenidos, sobrecargados con contundencia y una búsqueda sonora, cuasi improvisada, que hace que avancen robustamente en continuo; nacen de una mezcla de jazz, blues y hard rock, y terminan siendo lo que la misma banda termina alcanzando de la mezcla de estos estilos en una misma cosa. Con un prog duro, impulsado por órganos, el grupo se las arregla para conservarse fresco, enérgico, manteniendo su entusiasmo alto todo el tiempo.
Un trabajo que encierra pasajes brillantes, el cual no debe pasar desapercibido para los amantes del progresivo.
El segundo álbum del grupo "Far Canal" es un asunto algo diferente en comparación con su álbum de debut: se han ido los arreglos de viento, dejando al grupo con una composición mucho más sobria, menos improvisada y con un sonido más duro. El grupo sufrirá dos grandes cambios de alineación, un nuevo baterista Pete Gavin así como un nuevo guitarrista (que también cantaba) Bernie Holland y, para finales de 1969, sólo Hinkley quedaría del grupo original. Pronto el grupo se desarmaría tan pronto como comenzó, no dejando ninguna noticia a su paso más que los dos formidables álbumes dejados tras su corta vida.
Por su parte, el inglés Tim Hinkley continuó con su carrera como cantante, compositor y productor, especialmente como músico de sesión. Su notable paso por "Jody Grind" sería solo un ejemplo de los tantos proyectos en los que pasarían, entre ellos incluyen "The Konrads" en el que participaba Davy Jones, quien mas tarde cambiaría su nombre al de David Bowie, además de bandas como "The Bow Street Runners " o "Chicago Blues Line", al comienzo de su carrera. También trabajaría con gente como Alvin Lee,Al Stewart,Humble Pie, Thin Lizzy, Rolling Stones, The Who, Tim Buckley, Steve Marriott o Alexis Korner, entre otros.
"Ache" es uno de los grupos más destacados e importantes para la música progresiva danesa de su época, su origen tuvo lugar en Conpenhage en enero de 1969, por lo que en su formación estuvieron fuertemente influenciados por la psicolódelia típica de esa época, esto sumado a las incursiones en la música progresiva que emprendieron dio como resultado una música que llevaba fuertemente marcado estos estilos, un sonido embrionario característico típico de esa época de transición.
La historia de la banda comienza cuando tres músico provenientes de la banda "The Harlows", el teclista y graduado de la academia de música danesa, Petter Mellin, el baterista Glenn Fisched y el bajista y cantante Torsten Olafsson, se unen en un trío con la idea de comenzar a gestar su propio sonido, mas tarde se les uniría Finn Olafsson, joven guitarrista de 15 años, hermano del bajista.
Juntos comenzaron a trabajar fuertemente entre la primavera y verano de 1968, en sesiones y jams que llevaban a cabo. El guitarrista Finn Olafsson recuerda que: "Improvisábamos mucho, pero eran improvisaciones sobre ideas que cada músico había creado por su parte. Algunas melodías o riffs iban apareciendo en las sesiones y todos nos uníamos con ideas y sugerencias. En este periodo el sonido y la dinámica del grupo estaba en pleno desarrollo, era un momento donde todos sentíamos un profundo placer por lo que hacíamos, al explorar, crear y expresarnos a nosotros mismo en un proyecto conjunto."
Leí por ahí que el sonido de "Ache" es: ‘’mas melódico que "The Nice", más astuto que el de los "Moody Blues", mas naturalmente dulce que "King Crimson" o "Van Der Graaf Generator" y más apasionado que "Pink Floyd", no sé si será para tanto, pero seguramente se merecen un lugar más alto en la consideración general. El debut musical de "Ache" es imponente, su primer trabajo publicado es "De Homine Urbano", lanzado internacionalmente por Philips a principios de febrero de 1970, se compone de dos largos suites, uno a cada lado del LP.
La cara A del disco, "De Homine Urbano", fue grabado en un solo día, a principios de junio de 1969, en el "Metronome Studio A" en Copenhague. "De Homine Urbano" es una pieza puramente instrumental, grabado con órgano Hammond, guitarras eléctricas y acústicas, piano, bajo eléctrico y batería. La cara B del disco, "Little Things", también se grabó en un solo día, en el mismo estudio, en octubre de 1969. "Little Things" es predominantemente instrumental, pero en este caso aparecen, a través de la pieza, algunos pasajes cantados, en ingles.
Una autentica obra psicodélico-progresiva (ya que en ella convergen de manera directa estos dos estilos), compleja y extensa, elaborada e ideada con una ambición sinfónica que hace que los temas (que son solo dos, dos extensas suites de 19 min cada uno) sean realmente complejos y elaborados, cada uno con sus correspondientes introducciones, desenlaces, solos, pasajes y conclusiones, todo esto sin perder nunca el sonido rustico y psicodélico que tomaron en sus orígenes, de las influencias tempranas.
Un Hammond, al estilo de "The Nice" y una guitarra chillona, al estilo de "SRC", son los encargados de dirigir las sesiones sinfónicas que se plantean, con una rigidez y potencia alucinantes. Extienden una incontable serie de progresiones sinfónicas, implícitas en las estructuras más estables, como también en las excursiones largas y en los momentos de improvisación. Exploran sonidos progresivos psicodélicos, con la potencia de un heavy prog, y la acidez de la heavy psicodelia, inundando los tracks con incontables pasajes, riffs, que varían en intensidad y duración.
Otra cosa a destacar, es que estos tipos realmente eran fanáticos de los Beatles y no escondieron su fascinación para nada. En este primer disco, la segunda suite, llamada 'Little Things', pareciera ser un cover de un tema de los Beatles, justamente del tema llamado ''Every Little Thing''; y no solo eso, de ser un cover... seria una reinterpretación progresivo/sinfónica de la música de los Beatles, ya que no solo es un cover sencillo sino que se encargaron de estirar el tema, haciéndolo realmente complejo, y de una manera formidable ya que el cover, por mas extenso que sea, no pierde jamás la esencia del tema original, es tan agradable como la versión original.
Otro indicio de la fascinación que tenían por los Beatles es otro cover que hacen, en este caso del tema ''We Can Work It Out'', este aparece ya en el segundo disco del grupo, otra reversión progresiva, también compleja, donde toman el tema original, lo estiran libremente y lo mutan agregándole todo tipo de variaciones y cambios.Entre las influencias que tuvo la banda también se pueden reconocen a "The Nice", "The Artwoods", "Vanilla Fudge", "Procol Harum" y los mismísimos "Hansson & Karlsson". Aunque emplean tantas herramientas, que su sonido recuerda a aun mas banda, como ‘’Beggar's Opera‘’, ‘’Atomic Rooster ‘’ o ‘’SRC’’.
En teoría, crearon la música teniendo en mente el ballet y la imagen de una bailarina, e incluso en la portada del disco se puede percibir una bailarina haciendo una figura artística. Lo cierto es que finalmente el sonido poco tiene que ver con el ballet, pero afortunadamente mucho tiene que ver con sonidos progresivos…
En 1971 lanzan su segundo disco, "Green Man", dicho disco junto al primero que lanzaron, serían sus trabajos más emblemáticos. En este segundo disco la banda sigue incursionando en el rock progresivo elaborado y sofisticado, y también siempre dentro de un sonido con mucho aire psicodélico impulsado especialmente por un órgano hammond de ensueño, aun en esta segunda entrega la banda se diversifica en piezas más cortas, no tan largas como las presentadas anteriormente.
Los temas son potentes y muy agradables, el ya mencionado órgano hammond le brinda al sonido su característica esencial, estando presente a todo momento y completando cada pasaje con su sonido rasposo y salvaje, característica a la cual a veces también se suma la guitarra, que por momentos aparece distorsionada.
Todas las piezas son buenas aventuras progresivas oscuras, ambientes melancólicos y oscuros que se suceden entre cambios de ritmo y distintos pasajes instrumentales. Algunos tracks en particular se podrían destacar del resto pero primero vale la pena resaltar que todo el disco es cohesivo, sigue una misma línea progresiva, un mismo "concepto", y todas las piezas se encuentran en un gran nivel.
Se podría considerar a la primera pieza del disco, "Equatorial Rain", como una de las destacadas del disco, un sonido progresivo contundente y muy eficaz, una pieza muy agradable con cambios de ritmos y ambientes oscuros donde resaltan agregados de grabaciones de sonidos de lluvia.
Otra pieza que resalta es la última del disco, que se trata de un cover que hicieron de un tema de los Beatles, "We Can Work It Out", canción que tomaron, la estrujaron, la estiraron y la convirtieron en una aventura progresiva alucinante, es un gran mérito de la banda el sonido que alcanzan en esa reversión, no quedándose ni conformándose con el sonido original sino transformándola según sus fulgurantes e inquietas visiones. Como ya escribo más arriba lo mismo hicieron en el primer disco que lanzaron, tomando un tema de los Beatles y convirtiéndolo en una composición progresiva muy compleja. Al parecer, el cuarteto de Liverpool ha deja una huella y gran influencia sobre ellos.
Surge todo en1970cuandoJosé Luis Jiménez forma el grupoTicketsy graba dos canciones para el sello Columbia, "El rigor de las desdichas" y "Someone like you",la primera compuesta por Vainica Doble a quien acompañaban en algunas ocasiones. Sus componentes por aquel entonces eranJosé Luis Jiménez(bajo y voz),Pancho Company (batería y voz) y Mario del Olmo (guitarra y voz).En 1972 el trío abandona el sello, que estaba poco acostumbrado a los grupos de rock y del que no recibían ningún apoyo, y se ven obligados a cambiar de nombre. Este es el comienzo de Asfalto. Pasan a Discos Acción, distribuido por Zafiro, de la mano de Pepe Nieto y Manolo Díaz donde graban dos sencillos en 1972 "Jenny / Razones" (Acción, 1972) y "Quiero / The First Dance" (Acción, 1972), ambos producidos por Manolo Díaz y con la colaboración de Lele Laína y Terry Barrios, que serian futuros compañeros en Asfalto y en Topo. Debido a desavenencias musicales y personales, el trío pronto se convirtió en cuarteto con Félix García a la batería y Armando de Castro (futuro Barón Rojo) a la guitarra. En 1974José Luis Jiménez deshace el grupo y comienza de nuevo con Chema Arrillaga y dos miembros del grupo Handicap, Julio Castejón y Enrique Cajide, pero enseguida se marcha Chema y es sustituido por Lele Laína que venía de Los Zurdos. En 1975 y Asfalto está dispuesto a comenzar de nuevo con José Luis Jiménez (bajo y voz), Lele Laína (guitarra y voz), Julio Castejón (guitarra y voz) y Enrique Cajide (batería).
Con esta formación grabaron un primer un álbum, publicado solo en cassette, en 1976 titulado "Homenaje a Los Beatles" (Percasa, 1976) con doce temas de los de Liverpool que les sirvió para hacer rodaje antes de pasar a ser el primer grupo en grabar para el nuevo sello Chapa Discos (dependiente de Zafiro) y dirigido por Vicente -Mariscal- Romero. Así, en 1978 sale a la calle su primer álbum "Asfalto" (Chapa, 1978), un disco con algunas de sus más recordadas canciones como "Capitán Trueno", "Días de escuela" o "Rocinante". Un disco mítico para muchos aficionados y recordado como uno de los mejores de la época, aunque el resultado no debió dejar satisfecho a todos, ya que José Luis Jiménez y Lele Laína abandonaron el grupo para dar vida a Topo, una decisión que no comprendió casi nadie.
Con la disertación de José Luis Jiménez y Lele Laína parecía ser el fin del grupo pero se incorporaron José Ramón Guny Pérez al bajo y Jorge García Banegas a los teclados, el grupo resurgió con más fuerza. El tándem Julio Castejón-Jorge García Banegas empezó a producir canciones de gran calidad que tenían la capacidad de emocionar hablando de temas cotidianos. Así, en diciembre aparecía su segundo álbum "Al Otro Lado" (Chapa, 1978) grabado en Londres donde fueron el primer grupo español en actuar en el Marque Club. Del disco se destaca "El viejo" y "Mujer de plástico", aparte del magnífico tema que da nombre al disco, lo cierto fue que todos los temas rayaban a gran altura. El estilo de Asfalto había pasado del rock urbano de su primer álbum a algo más parecido al rock sinfónico o progresivo, pero la banda siempre fue difícil de clasificar. Debido a su heterodoxia y amplitud de miras Asfalto navegaban en aguas turbulentas que nunca les dejaron salir a flote y ser reconocidos en toda su valía.
Al año siguiente publicaron "¡¡Ahora!!" (Chapa, 1979), que seguía en la línea del anterior, menos sinfónico pero con excelente canciones como "Nada" o "La otra María", y a continuación "Lo Mejor" (Chapa, 1980) el primer recopilatorio de un grupo de rock español, aunque con una selección discutible. También fueron los pioneros cuando al año siguiente salió a la calle "Déjalo Así" (Chapa, 1981), el primer disco doble de una banda española y producido por ellos mismos con un buen número de canciones, si bien de calidad desigual y en el que no están tan inspirados como en los anteriores. Este fue su último disco para Chapa ya que por desavenencias con el sello no tuvo la repercusión debida y crearon su propia firma, Discos Snif. Con Snif comenzó una época de gran auge de la banda. Entró como vocalista Miguel Oñate que les da otro aire más duro. Grabaron con esta formación dos magníficos discos "Más que una Intención" (Snif, 1983), publicado como video-disco con canciones como la que da título al disco, "La Paz es verde" o "El hijo de Lindbergh" y "Cronophobia" (Snif, 1984), del que se destaca "Es nuestro momento" o "Desaparecido". La banda estaba en un gran momento creativo y triunfaba allá donde iba, pero como en otras ocasiones llegan los problemas.
Miguel Oñate deja la formación para dedicarse a su carrera en solitario. Le sustituyó Ricardo Richi Benítez, con el que grabarían un solo disco, "Corredor de Fondo" (Snif, 1986) con canciones como "No es solo amor" o "Prisionera enmarcada", pero al final de la gira Richi dejo la banda ya que no se adaptaba a la vida en Madrid y volvió a su Mallorca natal. Al año siguiente se reunieron todos los antiguos miembros de Asfalto excepto Oñate para celebrar su decimoquinto aniversario y volver a grabar sus éxitos más el inédito "El teatro de la vida" en el disco "1972-1987. 15 Años de Música" (Snif, 1987) que marcó el fin de su etapa más gloriosa. Al año siguiente y en plena inactividad vería la luz otra recopilación "Los Singles" (Snif, 1986).
El grupo se reorganizo ya que Enrique Cajide dejó la batería para dar entrada a Terry Barrios, antiguo colaborador de la banda y ex de Topo. Por otro lado, volvieron los también antiguos socios y ex de Topo José Luis Jiménez y Lele Laína, que tras un intento fracasado de hacer versiones en inglés de los clásicos del rock con el nombre de La Rockorquesta volvieron a la denominación de Asfalto para grabar el disco "Solo por Dinero" (Libélula, 1990), que no fue muy de agrado por sus seguidores debido, posiblemente, al cambio radical que habían experimentado estilísticamente. Aún así, había buenas canciones como "El lado oscuro de la calle" o "Lo que el viento no se llevó". Dos años más tarde, tras la trágica muerte de Terry Barrios, vuelve a la bateríaEnrique Cajide juntándose así de nuevo los integrantes de aquel añorado primer LP para grabar "El Planeta de los Locos" (Libélula, 1994), un disco de gran nivel con excelentes canciones como la que le da título "Espera en el cielo", "Al otro lado del espejo" y "Carpanta", pero que tampoco tuvo la repercusión esperada, produciéndose al año siguiente la disolución del grupo.
Todos los miembros de Asfalto siguieron de alguna manera activos en el mundo de la música excepto Enrique Cajide. Julio Castejón publica dos discos en solitario con Los Trípodes como grupo de acompañamiento. Pero aunque pudiera parecerlo, este no es el fin de la historia. En 2006Julio Castejón decide resucitar la banda y junto a Carlos Parra (teclados), Raúl Santamaría (guitarra), Viti Ilarraza (batería) y Juanvi García (bajo) vuelven a los escenarios y graban "Utopía" (Leyenda, 2008), su último disco de estudio. Un disco excelente en el que la banda vuelve a resucitar ese rock progresivo que abandonarían ya hace más de treinta años con temas como la suite "Utopía", además de otros de primer nivel como "Transparencias", "Lusitania Express", "El último vuelo" o "El pescador de sueños", y que hace pensar que habrá Asfalto para rato. Otras dos canciones más amables y que sorprendieron agradablemente son "Gente como tú" y "Nunca está de más". Tras la grabación del disco Juanvi García deja el grupo y entra Alejandro Pollo Ollero al bajo. Tan sólo al año siguiente sale su primer directo en disco y DVD ¡Al Fin Vivos! (Leyenda, 2009), grabado en el auditorio Pilar Bardem de Rivas-Vaciamadrid el 3 de julio de 2009 con una selección de temas de siempre y algunos de los nuevos. En 2011 deja la bateríaViti Illarraza tomando su puesto Marcos Parra, experimentado batería. Con esta formación grabarían el EP "Music Was My First Love" (The Fish Factory, 2011). Ese mismo año se edita el recopilatorio "Inédito" (Lazsound, 2011).
Sumidos en problemas económicos, en junio del 2012 y en plena Gira 40 aniversario, Raúl Santana y Carlos Parra dejan la banda y regresando a ella Jorge García Banegas tras 25 años de ausencia. El puesto de Raúl lo cubre uno de los hijos de Julio, Paul Castejón. Con esta nueva formación la banda recupera al fantástico teclista y compositor que es Jorge y pierde la portentosa voz de Raúl que de momento no parece tener sustituto. Debutan el 14 de julio en el Festival Rock Circus de Leganes (Madrid). En diciembre del 2012 dejan también la banda Alejandro Ollero y Marcos Parra, ambos excelentes músicos y los dos que quedaban de la última formación más o menos estable. Ocupan sus puestos Pablo Ruiz(bajo) y Tony Mangas (batería) que debutan el 20 de diciembre en la sala La Trinchera de Málaga en una gira que les llevaría también a Sevilla y Cádiz. Con estos últimos cambios se cierra la etapa que comenzó en 2008 con el disco "Utopía" y se abre un gran interrogante sobre su futuro.
Se formaron en el barrio bohemio de Greenwich Village, New York a mediados de los 60 por el guitarrista Danny Kalb (que había tocado sesiones para varios álbumes de folk y folk-rock de Elektra), Steve Katz (guitarrista de Even Dozen Jug Band de Elektra ), flautista-bajista Andy Kulberg, el baterista Roy Blumenfeld y el cantante Tommy Flanders . Al Kooper , de veintitantos años y veterano de las sesiones de rock, se unió después de participar en la audición de Columbia Records de la banda, aunque terminaron firmando con Verve, una subsidiaria de MGM. El primer miembro Artie Traum (guitarra) abandonó durante los primeros ensayos; Flandesse se iría después de su primer LP, Live at the Cafe Au-Go-Go (1966).
El currículo ecléctico de los músicos, que provenían de orígenes de folk, jazz, blues y rock, se reflejó en la elección del material. Blues de Muddy Waters y Chuck Berry se escucharon junto con versiones de canciones de folk-rock contemporáneas de Eric Anderson y Patrick Sky , así como con las originales del grupo. Estos fueron generalmente escritas por Kooper , que ya había contribuido escribiendo canciones como co-autor de Smash'This Diamond Ring' de Gary Lewis y estableció una reputación como un importante con sus contribuciones Folk-rock de Bob Dylan mediados de los 60. Kooper también proporcionó los aspectos más destacados a la banda con sus brillantes riffs de órgano.
El primer álbum del grupo, Live at Café au Go Go (1966), documentó una sesión típica y candente en dicho lugar. Sin embargo, la obra maestra del grupo fue Projections (1967), en esencia su único álbum de estudio (producido por el destacado Tom Wilson para la compañía Verve y con las fotografías de Jim Marshall, es decir: la cosa era importante).
El álbum fue un libre mosaico de blues, jazz, folk, rock progresivo y toques psicodélicos. Se trató, en retrospectiva, de uno de los productos no sólo musicales, sino culturales, más significativos de los años sesenta, un verdadero crisol, al que la gran mayoría aún no estaba preparada, tuvieron que pasar otros cinco años para que se comprendiera su magnitud, para entonces Blues Project ya se había disuelto en infinidad de proyectos sustantivos y trascendentes por cuenta propia.
El último álbum grabado por el grupo con su alineación original fue Live at Town Hall, editado en 1967 al poco tiempo de que Kooper dejara al grupo. Kooper formó entonces la banda Blood, Sweat and Tears, a donde lo siguió Steve Katz. Kulberg y Blumenfeld, por su parte, mantuvieron a The Blues Project con vida para un álbum más, Planned Obsolescence (1968), antes de cambiar el nombre del grupo a Seatrain. Danny Kalb se perdió de vista por un tiempo después de un mal viaje de ácido y luego reapareció a comienzos de los setenta, para encabezar una nueva versión de The Blues Project con dos álbumes con la compañía Capitol. El efímero primer cantante del conjunto, Tommy Flanders, a quien puede escucharse en algunos de los tracks del Café au Go Go, a continuación grabó un LP con sabor a folk para Verve, The Moonstone, el cual se convirtió en un objeto de culto.
A excepción de la versión en vivo de la pieza "Flute Thing" incluida en el álbum The Blues Project/Projections (Verve), todos los tracks de dicha colección provienen de discos o sencillos grabados por los componentes originales de Blues Project para Verve entre 1965 y 1967. La versión en vivo de "Flute Thing" fue tomada de la reunión del grupo en 1973, plasmada en Live in Central Park, pero no fue incluida en el álbum doble que registró dicho evento. Desde entonces, Blues Project se presenta con algunos de sus antiguos o más recientes miembros de forma esporádica.
