Laghonia - Discografía

Discografía - Etcetera (1971)

La banda la formaron los hermanos Conejo, guitarra y batería, en 1.965. En un principio se llamaron "New Juggler Sound" adoptando el sonido de los grupos ingleses de la época. En 1.967 graban sus primeros sencillos y en el 68 se produce el primer cambio en la formación, el guitarrista Alberto Miller es sustituido por Davey Levene. Por fin en el 69 toman el nombre de "Laghonia" e incluyen un teclista, Carlos Salom, con el que graban su primer LP, "Glue". El disco contenía algunos de los sencillos que habían editado y nuevas canciones grabadas con el nuevo miembro. En 1.970 el bajista Zarauz es sustituido por Ernesto Samamé. Su segundo disco llegó en 1.971, "Etcétera", un disco mucho más progresivo que el anterior. Después de la grabación Davey Levene abandona el grupo y la banda opta por la separación.

El disco nos muestra claramente la progresión del grupo tendiendo a estructuras más complejas que en su primer disco sin abandonar la frescura de ciertas armonías vocales. Su sonido podría ser una mezcla entre "King Crimson" y "Led Zeppelin". La edición original contenía ocho temas, posteriormente se añadieron cuatro bonustrack. Temas destacados "Someday", "Lonely People" o "Speed Fever".

Rock psicodélico peruano del bueno, un álbum notable para la época, escúchenlo un poquito y díganme que les parece...

Formación:

Saúl Cornejo - Voz, Piano, Guitarra

Manuel Cornejo - Batería

David Levene - Guitarra, Voz

Carlos Salom - Teclas

Ernesto Samamé - Bajo

Eddy Zarauz - Bajo en "Mary Ann"

PISTAS:

A1. Someday

A2. Mary ann

A3. I'm A Niger

A4. Everybody On Monday

B1. Lonely People

B2. Speed Fever

B3. Oh! Tell Me July

B4. It's Marvellous

FUENTES: Rockliquias

Soft Machine - Discografía

Discografía - Third (1970)

Una de las bandas más ambiciosas e influyentes del rock, pese a no haber logrado éxito comercial, es "Soft Machine", nombre tomado de la novela de Williams Burroughs del mismo nombre. Con su mezcla de jazz, psicodelia, rock progresivo y rasgos electrónicos, logró llamar la atención de los ingleses a mitad de 1966.

Aún activa, su accidentada trayectoria está dividida en cuatro etapas definidas según el estilo y las fuerzas dominantes de cada una.

Así, "Soft Machine" saboreó un poco de psicodelia entre 1966 y 1968 para gradualmente ir abrigando el jazz fusion, al tiempo que por ella pasaban notables músicos como Robert Wyatt, Kevin Ayers, Daevid Allen, Mike Ratledge, John Marshall, Karl Jenkins y Hugh Hopper, entre otros.

Una buena parte de la crema y nata del rock inglés, especialmente del movimiento al que hoy nos referimos como “Canterbury Sound”, había estado manteniendo el legado de "Soft Machine", creando bandas alternas como "Soft Heal", "Soft Head", "Soft Ware", "Soft Mountain", "Soft Bound" y eventualmente "Soft Machine Legacy", entre 1978 y 2015.

Para el momento del lanzamiento de "Third", "Soft Machine" ya no contaba con los seminales Kevin Ayers (bajo) y Daevid Allen (guitarra). Ahora era un cuarteto formado por el debutante Elton Dean en el saxo, Mike Ratledge en las teclas, Hugh Hopper en el bajo y el genial, entonces baterista, Robert Wyatt.

Para la ocasión, el cuarteto se amplió con la adición de Lyn Dobson, Nick Evans y Jimmy Hastings en los vientos y Rab Spall en el violín.

En formato, nuestro celebrado disco guarda similitud con otra obra cumbre del rock progresivo, "Tales From Topographic Oceans" (1973) de "YES". Es decir, un doble LP con un tema por lado cuya extensión promedio es de unos 18 minutos. Todos producidos y compuestos por miembros del cuarteto.

Los 4 lados de Third:

"Facelift" se lleva los primeros 18’45”. Ya desde el inicio, nos enfrentamos a una pieza sonora orgánica, colmada de espontaneidad y en apariencia amorfa.

Rica en sonidos, es tal vez la propuesta más radical de nuestro celebrado álbum. También apreciamos a un Elton Dean osado. Esta pieza, grabada en vivo en Fairfield Hall Croydon el 4 de enero de 1970 y en él Mothers Club, Birmingham, siete días después, se torna más accesible hacia el octavo minuto.

Los oídos más experimentados tal vez encuentren algunos rasgos de "King Crimson", "Jethro Tull" y "The Mothers of Invention". Sobre todo, hacia el doceavo minuto. Es interesante escuchar como la pieza se va desarrollando sin obedecer a normas preestablecidas.

Hay también intervenciones al performance en vivo que han sido manipuladas para añadir un mayor atractivo a la pieza de Hopper. Unas frases más equilibradas signan el final de esta estridente experiencia.

El lado B del primer LP lleva por título "Slightly All The Time", que incluye los fragmentos "Noisette", "Backwards" y un reprise de "Noisette".

Concebida por Ratledge y Hopper, oímos al bajo tomar el rol central en la primera parte, acompañado por el hi-hat al que se le incorpora Dean con una melodiosa línea auditivamente menos dejada al azar.

En torno a Dean escuchamos acordes percutidos sobre las teclas del órgano. Esta suerte de cálido post bop abre espacio a cada miembro del cuarteto con Elton Dean liderando el tema. Dobson es también apreciado acá.

La dinámica cambia hacia el minuto seis y la melodiosa flauta va ganando espacios. Dos minutos más tarde la banda cambia ligeramente la dirección. Ratledge resalta en el Hammond, mientras Elton y Mike impregnan la atmósfera de una calidez muy especial apoyados en la sección rítmica de Hopper-Wyatt que culmina con una buena descarga con órgano y viento al unísono.

El segundo disco abre con una pieza de Wyatt titulada "Moon in June", la única que aún presenta reminiscencias de los dos primeros discos. “En un dilema entre lo que necesito y lo que quiero, siento una sensación entre tus muslos, cuánto tiempo puedo resistir la tentación…”

Nos canta Robert Wyatt en esa onda "canterburiana" acompañado por el órgano. Acá recordamos un poco a "Caravan", otro de los bastiones del "sonido Canterbury". La letra es todo un acto de seducción con una música ligeramente fantasmal.

Hopper hace un interesante solo y Wyatt es más nostálgico y familiar. Las teclas toman un rol central en los primeros cinco minutos. Robert nos recalca en uno de sus versos que “La distancia puede decir mentiras…”.

En los siguientes minutos a partir del noveno, el cuarteto desarrolla la parte instrumental con varios cambios interesantes. La voz de Wyatt es otro instrumento más en esta sección. El caos sónico encuentra un abrupto cambio hacia el minuto catorce con un "Soft Machine" más orgánico y en donde apreciamos a Rab Spall.

Poco a poco los sonidos se van ensamblando de un modo oscilatorio manteniendo esa invertida sensación y frustrando un poco nuestros instintos. Hacia el quinto minuto, un poco de jazz fusión reordena todo y poco a poco nos va atrayendo a predios más estructurados en las manos de Mike, quien luego abre camino a la sección de vientos. En el punto medio la pieza retorna al motivo inicial. Nuevamente las teclas toman el control junto a los vientos y Dean nos deja llevar con un llamativo solo.

En esta pieza la espontaneidad del grupo está más controlada. Otro atractivo es el doble saxo y el cambio que ocurre hacia el minuto catorce. Al igual que el segundo tema, son motivos claramente distintos y diferenciables que me recuerdan los "soundscapes" de Eno y Fripp.

Así, la pieza se va diluyendo en el silencio.

"Third" es una obra llena de elementos vanguardistas que demandan un criterio muy amplio. Su planteamiento estético rompe todas las reglas de armonía y melodía, sobre todo en los momentos más caóticos, una suerte de "British Free Jazz" aunque la base rítmica es más mesurada.

Me atrevo a añadir que unos meses antes, con la salida del paradigmático "In The Court Of The Crimson King", este álbum no gozara de la misma atención. Si bien "Third" no es fácil de escuchar, nos presenta algunos momentos accesibles que nos mantienen atentos.

Actualmente, "Soft Machine" la integran John Marshall en la batería, Roy Babbington en el bajo, John Etheridge en la guitarra y Theo Travis en las teclas y vientos, quienes en 2018 editaron "Hidden Details", su más reciente disco.

Formación:

Mike Ratledge - Órgano

Hugh Hopper - Bajo

Elton Dean - Saxo

Robert Wyatt - Voz, Baterista

PISTAS:

A. Facelitt

B. Slightly All The Time

1. Noisette
2. Backwards
3. Noisette (Reprise)

C. Moon In June

D. Out-Bloody-Rageous

FUENTES: Leonardo Bigott para Revista LaDosis

Deep Purple - Discografía

Discografía - In Rock (1970)

Los tres primeros álbumes de "Deep Purple" —Shades of Deep Purple (1968), The Book of Taliesyn (1968) y el homónimo Deep Purple (1969)— fueron interesantes proyectos de rock progresivo influenciados por la escena psicodélica de finales de la década. Sin embargo, uno de los líderes de la banda, el virtuoso guitarrista Ritchie Blackmore quería un sonido más contundente y probar un rock más duro. Para ello, decidieron despedir al vocalista Rod Evans y al bajista Nick Simper, formando la composición más exitosa de la banda, la conocida como Mark II: Ritchie Blackmore (guitarra), John Lord (teclados), Ian Paice (batería), y las nuevas incorporaciones Ian Guillian (voz) y Roger Glover (bajo).

El álbum "Deep Purple in Rock" (1970) muestra en su portada los rostros de los cinco músicos esculpidos en el Monte Rushmore sustituyendo a los cuatro presidentes norteamericanos. Una declaración de intenciones: a partir de ese momento iban a convertirse en amos y señores del rock. Los propios músicos afirmaban: «Tocábamos cada instrumento lo más fuerte que podíamos. El sonido saturaba la grabación (…) había un enfoque abstracto hacia la música. ‘Deep Purple’ se convirtió en una bestia de interpretaciones individuales (…) como si fuera jazz rock, disfrutábamos de esa libertad”. El disco, considerado como uno de los pilares fundamentales del hard rock, plantó las primeras semillas del heavy metal junto con sus coetáneos "Black Sabbath" o "Led Zeppelin".

Todo comienza con el frenético tema de apertura Speed King. Una distorsionada y caótica introducción donde la protagonista guitarra de Blackmore da paso a la suave melodía de teclado de Lord. Este contrapunto desemboca en el potente riff principal de guitarra y las letras del imponente Guillian, inspiradas en los clásicos del rock como Little Richard («Tutti Frutti was oh so rooty«) o Elvis Presley («Hard headed woman and a soft hearted man»). Como es habitual en la mayoría de las composiciones de este álbum, la canción contiene una espectacular sección intermedia donde la guitarra de Blackmore y el teclado de Lord batallan sin compasión alguna.

Pero lo que convierte a "Deep Purple in Rock" en un álbum clásico y referente del género hard rock es la épica canción "Child in Time". El origen del tema parte del teclista Lord, el cual adaptó la melodía de la canción "Bombay Calling" del grupo "It’s a Beautiful Day". A estas hermosas notas de teclado y a una tranquila batería cortesía de Paice, se suma la mejor interpretación vocal de la carrera de Guilliam. Comienza cantando preciosas metáforas antibélicas «Sweet child, in time, you’ll see the line, The line that’s drawn between good and bad, See the blind man shooting at the world, Bullets flying taking toll» para terminar con su espectacular e insuperable falsete orgásmico. Tras un largo crescendo la canción estalla con un cortante riff y alcanza el clímax con el impresionante solo de guitarra de Blackmore, con claras influencias blues y de más de dos minutos de duración. El pausado teclado de Lord y los delicados cantos de Guilliam despiden finalmente la canción con una sensación de serenidad absoluta. "Smoke on the Water", es la canción de "Deep Purple" conocida por todos, sin embargo, si solo se disponen de diez minutos para escuchar al grupo, Child in Time es la mejor inversión que se puede hacer. Simplemente, eterna.

"Deep Purple in Rock" supuso el despegue definitivo de "Deep Purple", tras el cual llegará otro gran disco como Machine Head (1972) y el inolvidable directo Made in Japan (1972). A partir de ese momento, el ruido, la potencia y el virtuosismo se convertiría en tendencia.

Formación:

Ritchie Blackmore - Guitarra.

John Lord - Teclados.

Ian Paice - Batería.

Ian Guillian - Voz.

Roger Glover - Bajo.

PISTAS:

A1. Speed King

A2. Bloodsucker

A3. Child In Time

B1. Flight Of The Rat

B2. Into The Fire

B3. Living Wreck

B4. Hard Lovin' Man

DEEP PURPLE - IN ROCK "ÁLBUM COMPLETO"

East - Discografía

Discografía - East (1972)

Esta banda de exiliados japoneses lanzó solo un álbum, que apareció por primera vez en 1972. Un conjunto melódico y musical con instrumentos japoneses como el Shakuhachi, el Koto y el Taisho-goto junto con los adornos tradicionales del rock and roll occidental, es una colección muy agradable que atraerá a todos los fanáticos de la psicodelia con tintes orientales.

Fácilmente uno de los actos más geniales que Capitol Records firmó en la década de 1970 (y uno de los menos conocidos), East fue una banda de rock japonesa de cinco integrantes.

Tienes que preguntarte cómo el grupo terminó fichado por Capitol. A juzgar por su excelente debut homónimo de 1972, también debe preguntarse cómo Capitol perdió la oportunidad de convertir a estos muchachos en estrellas internacionales.

Con Seto manejando la mayor parte de las tareas de escritura (Morita y Yoshikawa contribuyeron cada uno con una canción), este no era un álbum de rock japonés, sino un álbum de rock estadounidense con influencias japonesas ocasionales. Esas influencias iban desde el folk de principios de la década de 1960 ("Lumberer Moses") hasta la psicodelia de la costa oeste de finales de la década de 1960 ("Beautiful Morning"). La distinción era más que una simple semántica ya que estos muchachos claramente habían absorbido más de lo que les correspondía de la cultura estadounidense. He jugado este para docenas de amigos; todos ellos asombrados al descubrir la nacionalidad de la banda. Como vocalista principal, Seto fue bastante impresionante. No solo su inglés era impecable (las notas del transatlántico indicaban que lo aprendió viajando por la India), sino que tenía una voz que era dinámica y simpática al instante. El resto de la banda eran igualmente talentosos, cambiando de marcha sin esfuerzo entre la instrumentación tradicional japonesa y el rock directo. El baterista Adachi y el bajista Asahi fueron especialmente buenos.

"Beautiful Morning" abrió el álbum con una fascinante porción de folk-rock (énfasis sobre el componente rock). Completo con muchas guitarras acústicas de 12 cuerdas rasgueadas y un toque ocasional de instrumentación japonesa para el color, imagina el Kingston Trio si alguna vez hubieran decidido grabar una porción de psych-rock y tendrás una idea de esto. Fácilmente uno de los aspectos más destacados del álbum.

"Me" fue un intento interesante de fusionar los movimientos psicológicos de la costa oeste con la instrumentación japonesa. El resultado fue una balada de medio tiempo sorprendentemente alucinante que también sirvió para mostrar la agradable armonía vocal de la banda.

"Geese On the Road" encontró a la banda mostrando su habilidad para producir un número con sabor a country. Probablemente no habrías prestado mucha atención a una canción como esta, pero el hecho de que la interpretaran con tanta autenticidad (fíjate en el acento country en la voz de Seto).

"She", era una balada acústica bonita y ligeramente discordante que recordaba algo que David Crosby podría haber escrito para una canción de CS&N.

"Lumberer Moses" se confundía un poco en la traducción japonés-estadounidense. Otro número de folk-rock, este era un poco demasiado Kingston Trio para mi gusto, aunque sus voces armónicas eran estelares y la mandolina era bastante agradable.

Abriendo con una mezcla de instrumentación de rock discordante y algunas notas tradicionales japonesas, "Deaf Eyed Julie" se transformó rápidamente en una agradable balada teñida de lisérgico.

No había mucho en la letra, pero "Black Hearted Woman" ofreció una buena canción de rock obrero que mejoró mucho cuando las guitarras (incluyendo algo de fuzz) se activó durante la última sección de la canción. El baterista Adachi merecía atención por mantener a la banda en el paso y la dirección en este caso.

"Call Back the Wind" comenzó como una gran balada hipersensible y luego tomó un giro de jazz del que nunca se recuperó realmente.

"Jar" canción simplona. Aunque para gustos no hay nada escrito.

"Everywhere" ofreció una mezcla sorprendentemente impresionante de instrumentación tradicional y estructura de canciones con letras en inglés. Al menos para mis oídos, los resultados fueron fascinantes con un toque psicodélico distintivo.

La única actuación en japonés, "Shin Sorllan" era supuestamente una melodía tradicional japonesa, pero sonaba como un grupo de hombres de negocios japoneses borrachos intentando una canción country. Completo con furiosas guitarras acústicas y lo que suena como balalaikas.

Desafortunadamente, lanzar un álbum con ventas mínimas terminó con su carrera estadounidense.

Formación:

Fumio Adachi - Baterista
Noboru Asahi - Bajista
Gen Morita - Multiinstrumentista
Ruese Seto - Cantante, Guitarrista
Ted Yoshikawa - Multiinstrumentista

PISTAS:

A1. Beautiful Morning

A2. Me

A3. Geese On The Road

A4. She

A5. Lumberer Moses

A6. Deaf Eyed Julie

B1. Black Hearted Woman

B2. Call Back The Wind

B3. Jar

B4. Everywhere

B5. Shin-Sorllan

EAST - EAST "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: TYME-MACHINE

Gentle Giant - Discografía

Discografía - Octopus (1972)

El 1 de diciembre de 1972 fue publicado el maravilloso cuarto álbum de la banda inglesa con la reconocible portada de Roger Dean.

Si existe una banda que me produce un placer especial en comentar, esa banda es "Gentle Giant".  Ella demostró, entre 1970 y 1980, que se podía hacer una música atractiva, compleja y amena, rica en armonías vocales, frases sincopadas y un aroma que fluctuaba entre el folk, el jazz, el rock y rasgos clasicistas de pinceladas barrocas, medievales y románticas que decantaban con frecuencia en una música de cámara adaptada a aquella gloriosa década de los 70.

Todo en manos de músicos con un lenguaje instrumental políglota que era siempre un reto al oído más exigente, aunque sus tres últimas grabaciones, The Missing Piece (1977), Giant For A Day (1978) y Civilian (1980) ya reflejaban un gran hastío, como si se tratara de la más fervorosa pasión que con suerte alcanza una década. Ya era necesario cesar.

"Gentle Giant" fue el punto de encuentro de los hermanos Phil, Derek y Ray Shulman con el guitarrista Gary Green, el teclista Kerry Minnear y, para este álbum que hoy cumple nueve lustros, el baterista John Weathers. Este último participaba en la banda por primera vez en sustitución de Malcolm Mortimore.

Aunque no fue un álbum conceptual en el sentido tradicional, una parte de los temas de Octopus están basados en los libros Gargantua y Pantagruel de François Rabelais, Knots de R.D. Laing y en ocasiones inspirado en Albert Camus.

La imagen de Roger Dean (carátula original, hay otra para el mercado norteamericano) nos prepara para un álbum que ha sorteado bien los abates del tiempo. Su música sigue siendo fresca, provocativa y fiel representante de un grupo que álbum tras álbum estaba destinado a ser apreciado por oídos refinados y convertirse, como "Van Der Graaf Generator", en un grupo de culto.

Y así fue. "Octopus", es, en mi opinión, el álbum más completo de "Gentle Giant".

Contentivo de ocho temas, octo opus, título que le diera la esposa de Phil Shulman, inicia con "The Advent of Panurge": “Allá viniendo sobre el puente Charaton, puedes ver el hombre que es pobre pero rico. Qué deseas y a dónde vas, Quién eres, de dónde eres, me dirás tu nombre, descansa un rato, llámame tu amigo, por favor quédate conmigo”.

El juego vocal de este tema es uno de sus atractivos. La guitarra revoloteando en torno con el resto de los instrumentos sonando en breves frases y los cortes, simplemente magistrales.

Este tema es seguido de "Raconteur, Trobadour", cuyo hermoso pasaje de cuerdas nos atrapa, pero luego nos sorprende con una sonoridad menos clásica. "Gentle Giant" no sólo demuestra precisión sino un modo muy particular de hilvanar estilos.

"Vengan a la plaza de la villa, vengan gente buena, ambas, desdichadas y justas, vean al trovador tocar el tambor, oigan mis canciones en el laúd que rasgueo, les haré reír…"

"A Cry For Everyone" es la tercera canción del álbum y la más convencional. Es el lado roquero y acentuado de "Gentle Giant". Los teclados de Minnear hacen buena parte del trabajo aquí.

La polifónica "Knots" le sigue: "Todo en cada hombre y en todos los hombres, todos los hombres en cada hombre, él puede ver que ella no puede, ella puede ver que puede, ver cualquier cosa, cualquiera".

Todo un retruécano a lo "Gentle Giant". Particularmente atractiva con un espectacular solo de xilófono de Weathers. La pieza evoluciona hacia un sonido más organizado que se diluye. Al final tras el silencio habitual que separa las canciones, escuchamos una risa y luego lo que pareciera una moneda dando giros sobre una mesa, hasta casi detenerse.

Es entonces cuando "The Boys In The Band" con sus explosivas sonoridades invade nuestros oídos. Si revisamos el catálogo de "Gentle Giant", encontramos que una de sus características es una gran cascada de sonoridades que se reacomodan para siluetar una melodía.

Este es el único tema instrumental del álbum. El saxo alto de Derek Shulman le da un color y una textura especial. La pieza en sí otorga gran libertad a los chicos de la banda.

"Arrastrándose por las calles con sus pies de lado, deteniéndose de cuando en cuando y se detendrá de nuevo, no hay duda en su mente hacia dónde va". Esta es la primera estrofa de "Dog’s Life" (Vida de perro). El intro de guitarra es armónicamente poco usual, tomando el riesgo de referirme a él como armónico.

Están en la pieza los elementos experimentales que son marca de fábrica de este genial sexteto que sigue atrayendo. El regal (órgano portátil), el cello, violín, las guitarras eléctrica y acústica intentan formar un cuarteto de cuerdas con acompañamiento. ¡Y qué decir de las voces!

Hacia la mitad la atmósfera se abre y los instrumentos juegan en ese espacio. Si bien el oído pudiera sentirse sobre estimulado no hay excesos en esta pieza que no alcanza los 4 minutos.

"Think of Me With Kindness" (Piensa en mí con benevolencia) y "River" cierran el álbum. La primera empieza con un acorde al piano y el bajo. Es una de las melodías más hermosas que he escuchado dentro y fuera del género.

"Por qué estoy usando palabras, sin más que decir sin ti, cierra la puerta, apaga la luz y vete, tarde en la noche, en la noche tu sombra cae, nunca más, nunca sabe, Allá, los recuerdos son penas cuando no hay mañana". Es mi pieza favorita del álbum.

Sin embargo, siempre me irritó la cuasi fermata que hay después del solo del melófono. Aún no la supero y me parece que le resta belleza a la pieza. Tal vez sea de esos elementos propios de una cultura con la que rara vez no conecto. Al término, la última nota se sostiene hasta hacerse inaudible.

"Tocando lo último de lo que es pasado, moviendo aguas calmas sentí el primero que llega, lento y sinuoso, fluyendo libre, música apacible en su sonido de tambores distantes, confía en la corriente virgen y llana, silvestre peligro, cuidado en lo más profundo que se torna".

La voz de Phil y Derek por momentos nos distancia con sus tonos ligeramente discordantes. La banda entrelaza elementos de folk con bongó, minimoog, piano eléctrico y mellotrón. Incluso irrumpe el elemento vanguardista con un platillo velocidad variable.

"Octopus" es uno de esos álbumes que se revalorizan con el tiempo. Me atrevo a decir que en conjunto estuvo adelantado a su época. Si bien es conceptual en el sentido que intenta describir a cada miembro de la banda, este cuarto álbum es una obra de arte en cada canción donde no hay procura por sentenciar en un todo algo como "Tales From Topographic Oceans" (Yes – 1973).

Formación:
Gary Green - Guitarra, percusión
Kerry Minnear - Teclados, vibraphono, cello, Moog, percusión, voz y coros
Derek Shulman - Saxofón y voz
Ray Shulman - Guitarra, percusión, violín y voz
Philip Shulman - Saxofón, trompeta, voz y coros
John Weathers - Batería, percusión y xilófono

PISTAS:
A1. The Advent Of Panurge
A2. Raconteur Troubadour
A3. A Cry For Everyone
A4. Knots
B1. The Boys In The Band
B2. Dog's Life
B3. Think Of Me With Kindness
B4. River

GENTLE GIANT - OCTOPUS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Revista LaDosis