Bread, Love and Dreams - Biografía

Cuando el trío de folk ácido escocés "Bread, Love and Dreams" apareció en el festival de Edimburgo de 1968, David McNiven, Angie Rew y Carolyn Davis no tenían idea de que el concierto iba a transformar sus vidas. Entre el público esa noche, estaba Ray Horricks, un miembro del personal de Decca Records, a quien hoy en día se le atribuye el descubrimiento de "Bread, Love and Dreams".

Ya tenían seguidores locales leales y eran considerados como uno de los grupos prometedores de Escocia. No fue una sorpresa cuando Bread, Love and Dreams" fueron firmados por Decca Records y lanzaron tres álbumes entre 1969 y 1971. Su canción estrella fue Amaryllis, que fue recientemente lanzado en vinilo por Magic Box.

Después de haber firmado con Decca Records, Ray Horricks se llevó a los "Bread, Love and Dreams" a Londres, donde comenzaron a trabajar en su álbum debut homónimo, LP del mismo nombre. En su mayoría presentaba material original, además de una portada de Artificial Light (Of All The Living Lies). El álbum fue producido por Ray Horricks, con Ian Green escribiendo, arreglando y dirigiendo las cuerdas de "Bread, Love and Dreams". Una vez que se completó el álbum, se programó su lanzamiento a principios de 1969.

Tras su lanzamiento, Bread, Love and Dreams fue bien recibido por los críticos que notaron las similitudes con otro grupo escocés que los había influenciado, "Incredible String Band". En su álbum debut homónimo, Bread, Love and Dreams mostraron su característico sonido acid folk en un álbum que incluía varias pistas con arreglos de cuerdas. Fue un álbum cuidadosamente elaborado de acid folk que merecía encontrar una audiencia mucho más amplia. Sin embargo, el problema fue que muchos otros grupos lanzaron álbumes similares y el álbum fracasó comercialmente.

Esto debe haber sido una gran decepción para la banda dada la calidad musical del álbum. La guitarrista Carolyn Davis estaba tan decepcionada que dejó la banda. Sin embargo, ese no fue el único problema al que se enfrentó "Bread, Love and Dreams".

Después del fracaso comercial de "Bread, Love and Dreams", Decca Records quiso dejar la banda. Sin embargo, Ray Horricks todavía creía en la banda y fue a por ellos. Esto dio lugar a que Decca Records le diera una segunda oportunidad a "Bread, Love and Dreams".

"Bread, Love and Dreams" salieron de gira con Magna Carta y T Rex, y durante su tiempo de inactividad, escribieron nuevo material para su segundo álbum. Eso no fue todo. 

Durante este período, "Bread, Love and Dreams" comenzó a trabajar con Traverse Theatre Group en Edimburgo. Su director Max Stafford quería que David McNiven adaptara una de las canciones que él había escrito, Mother Earth, para el escenario. Se realizó con elogios de la crítica primero en Edimburgo y luego en Londres, antes de dirigirse a Escandinavia, los países del Benelux y España. Este era el descanso que "Bread, Love and Dreams" había estado buscando.

En el verano de 1970, "Bread, Love and Dreams" ingresó al estudio para grabar un nuevo álbum. A ellos se unieron artistas invitados como el baterista Terry Cox, el contrabajista de Pentangle Danny Thompson, el bajista Dave Richmond y el organista y pianista Alan Trajan. Durante un período de cinco días, logró grabar suficiente material para dos álbumes. 

La razón por la que Bread, "Love and Dreams" grabaron el material de dos álbumes fue que tenían miedo de que Decca Records los dejara caer. 

A pesar de tener suficiente material para sus próximos dos álbumes, "Bread, Love and Dreams" consideraron brevemente lanzar un álbum doble como "Wee Tam y The Big Huge de Incredible String Band". Sin embargo, finalmente, el grupo decidió lanzar dos álbumes más, el primero fue "The Strange Tale Of Captain Shannon and The Hunchback From Gigha".

Cuando "Bread, Love and Dreams" lanzaron su segundo álbum "The Strange Tale Of Captain Shannon and The Hunchback From Gigha" en 1970, fue aclamado por la crítica. El álbum presenta la épica canción principal que sonaba como si hubiera sido influenciada por "Incredible String Band" y "Sucking On A Cigarette", que presentaba a la ex-guitarrista Carolyn Davis. Interpretó un papel en un álbum que podría haber transformado la suerte de "Bread, Love and Dreams".

Lamentablemente, cuando se lanzó el álbum "The Strange Tale Of Captain Shannon and The Hunchback From Gigha", fracasó comercialmente. Esto fue un desastre para los dos miembros restantes del grupo, y los frustrados ejecutivos de Decca Records decidieron lanzar rápidamente el tercer álbum, "Amaryllis".

En cierto modo, la decisión de "Bread, Love and Dreams" de grabar suficiente material para dos álbumes fracasó, ya que el grupo sabía que "Amaryllis" era el mejor y más brillante álbum de su carrera.

David McNiven había escrito la canción principal en tres partes, "Amaryllis", "Time's The Thief" y "Circles Of Night". También escribió "My Stair-Cupboard At 3 AM" con Lindsay Levy. La otra pista del álbum fue "Brother John", que fue escrita por Angie Rew, una talentosa compositora y multinstrumentista.

La vocalista Angie Rew tocó la guitarra y la percusión en "Amaryllis", mientras que David McNiven tocó la guitarra y agregó voces. En Augmenting, "Bread, Love and Dreams" estaban el baterista Terry Cox, el contrabajista Danny Thompson, el bajista Dave Richmond y el organista y pianista Alan Trajan. Al igual que los dos álbumes anteriores, "Amaryllis! fue producido por Ray Horricks y lanzado en 1971.

En su prisa por lanzar "Amaryllis" en 1971, Decca Records cometió dos grandes errores. El primero fue no promocionar adecuadamente el álbum. Si bien esto no necesariamente significaba que el álbum estaba condenado al fracaso, no publicar suficientes álbumes lo fue. 

Irónicamente, "Amaryllis" fue lanzado a una crítica generalizada y fue considerado como su mejor momento. A pesar de esto, el álbum ni siquiera pudo igualar las ventas de los dos primeros álbumes de "Bread, Love and Dreams". Esto se debió a que Decca Records no logró imprimir suficientes copias de del álbum, que tenía el potencial de lanzar la carrera de "Bread, Love and Dreams". Lamentablemente, no fue así.

La cara uno del álbum está ocupada por "Amaryllis", una ambiciosa suite de tres partes. Parte. 1: Out Of The Darkness and Into The Night tiene un sonido oscuro, misterioso y reflexivo.  A pesar de haber sido lanzado en 1971, hay un sonido al estilo 'flower power'. También hay guitarra ácida y hermosas armonías folk de Angie Rew y David McNiven mientras la canción florece y "Bread, Love and Dreams" se mueven Out Of The Darkness y Into The Night. La   pieza central del primer lado fue la Parte 2: La profecía de Zoroastro, una epopeya de once minutos que se inspiró en la religión y la filosofía. Varias canciones se entrelazan en una por "Bread, Love and Dreams" para crear esta pieza larga, imaginativa y misteriosa del folclore musical moderno. Es sin duda lo más destacado del álbum. El lado de cierre uno es la Parte 3: Light, una canción hermosa, sentida, románica y emotiva. Gran parte del éxito de la canción se debe a la forma en que Angie Rew y David McNiven combinan y crean otro de los aspectos más destacados del álbum.

El lado dos del álbum comienza con "The Thief de Time", una hermosa balada folclórica que es impulsada por una guitarra acústica. Aunque "Bread, Love and Dreams" a menudo fueron influenciados por "Incredible String Band", aquí hay un guiño a la Canción No. 5 de Fairport Convention. Otra hermosa balada popular es "My Stair-Cupboard", que alude a Fotheringay y  Pentangle de Sandy Denny, protagonizada por Danny Thompson, quien toca el contrabajo en "Amaryllis". Luego, en el hermano John, que suena melancólico y meditabundo, la enormemente sincera y conmovedora actitud de Angie Rew juega un papel protagónico mientras pinta imágenes con la letra. Cerrando "Amaryllis" está "Circle of Night", que es la canción folclórica que suena más tradicional del álbum. También es edificante e irresistible y cierra en lo alto esta joya escondida de un álbum que a menudo se pasa por alto.

En "Amaryllis", "Bread, Love and Dreams" y los amigos fusionan elementos acid folk, folk tradicional y folk progresivo en lo que es un álbum de música bastante hermosa, cerebral, emotiva y, a veces, romántica. Estas pistas eran parte de un álbum muy subestimado cuando fue lanzado en 1971 y merecía encontrar una audiencia mucho más amplia. 

Lamentablemente, ese no fue el caso. El hecho de que Decca Records no promocionase adecuadamente "Amaryllis" y luego su incapacidad para imprimir suficientes copias del álbum es una lección objetiva sobre cómo no lanzar un álbum. Irónicamente, "Amaryllis" fue considerado como el mejor álbum de "Bread, Love and Dreams".

Tras la presentación de "Bread, Love and Dreams" en el Royal Court Theatre de Edimburgo, los ejecutivos de Decca Records decidieron despedir a la banda. Fue un triste final para una aventura musical que comenzó apenas tres años antes en 1968 y que prometía mucho. Sin embargo, "Bread, Love and Dreams" mantuvo su mejor álbum hasta el final, y su ambiciosa y aclamada obra "Amaryllis", hace un bienvenido regreso gracias a una reedición de Magic Box en vinilo.

Formación:

David McNiven - Vocals, Guitar, Flute, Harmonica
Angie Rew - Vocals, Guitar, Percussion
Con:
Terry Cox - Drums
Alan Trajan - Organ, Piano
Danny Thompson -  Bass
Dave Richmond - Bass Guitar

PISTAS:

A1. Amaryllis - 21:39
a) Out Of The Darkness Into The Night
b) PZoroaster's Prophecy
c) Light
B1. Time's The Thief - 4:40
B2. My Stair Cupboard At 3 A.M. - 3:28
B3. Brother John - 3:58
B4. Circle Of The Night - 3:17

Salamander - Discografía

Discografía - The Ten Commandments (1971)

La corriente proto prog inglesa de principios de los setentas fue reconocidamente fecunda. Y es que fueron muchas las bandas que se alzaron con calidad notable en aquella época, entregando registros que con el paso de los años se transformaron en verdaderos clásicos del género.

Un buen ejemplo de esta hornada fue "Salamander", quienes en 1971 dieron vida a "The Ten Commandments", su único disco, pero no por eso menos intensa y recordada pieza de colección de la escena progresiva británica.

El disco fue editado por la icónica casa discográfica del under británico Young Blood, fundada por el músico y productor Miki Dallon en 1969, que posteriormente pasó a llamarse Young Blood International.

Se trata de una obra conceptual inspirada en el film de Cecil B DeMille del mismo nombre (1956), y que ciertamente evidenció el apego del grupo a su visión religiosa, ya que los temas se circunscribieron a abordar con especial atención los 'Diez Mandamientos' y sus implicaciones (similar a 'Jesucristo Superstar'), sin perder, eso sí, su impronta rockera y psicodélica, algo que ya venía pisando fuerte en la escena musical inglesa merced a los experimentos sonoros de "The Moody Blues".

Desde el inicio con 'Prelude (Incorporating He's My God)', Alistair Benson (teclados y voz) encausa a sus compañeros con sus descargas de órgano hammond, brindando una sonoridad retro sinfónica de particular belleza, lo cual se complementa de gran manera con el aporte de sus compañeros Dave Chriss (bajo), John Cook (batería) y Dave Tiley (guitarrista y voz principal).

El disco va variando con temas exquisitamente pausados y matizados con irrupciones de teclados, en donde Benson y Tiley aprovechan para insertar narraciones bíblicas que se van entrelazando con el concepto de la obra, destacando composiciones como 'God days', 'Kill', 'Steal' y 'False Witness', las cuales le brindan esa característica orquestal exquisita que define a la banda.

Injusto sería el no referirse al sólido trabajo que brinda Mr. John Cook en la batería y percusiones, elemento que le otorga el componente de pesadez necesario para que el disco pueda superar un simple ejercicio de creación de una obra musicalmente correcta.

El sello español Guerssen Records reeditó de manera limitada la obra en vinilo de 180 gramos, el cual cuenta con una portada abierta en cuatro partes tipo póster y funda exterior. Lo llamativo es que el sonido se extrajo de los masters originales y la edición se complementa con notas escritas por Andy Morten. Como era de esperar, ésta alcanzó rápidamente el status de 'disco altamente apetecido por coleccionistas', por lo que hoy ya es difícil de conseguir.

Cabe señalar que otros sellos como Laser's Edge (1991), Progressive Line (2002), Air Mail Archive (2006), HF (2007) y Belle Antique (2017), también apostaron por el rescate en formato CD de esta bella pieza musical de la escuela inglesa.

PISTAS:

A1 Prelude Incorporating He Is My God 7:16

A2 Images 3:23

A3 People 2:50

A4 God's Day 2:26

A5 Honour Thy Father And Thy Mother 1:38

B1 Kill 3:30

B2 Thou Shalt Not Commit Adultery 3:07

B2 Steal 4:19

B4 False Witness 3:53

B5 Possessions 3:16

FUENTES: ROCK-PROGRESIVO.com

Humble Pie - Discografía

Discografía - Humble Pie (1970)

El británico Steve Marriott ha sido un vocalista y guitarrista muy peculiar en la historia del rock. Un tipo sencillo que ha sido reconocido por su virtuosismo a las seis cuerdas y unas extraordinarias dotes de liderazgo. A nuestro juicio, la fuerte personalidad de Steve Marriott elevó a "Humble Pie" a los altares del rock. Su pasión  por el hard rock dotó al grupo de un sonido inconfundible.

En 1969 y tras abandonar las filas de los "Small Faces", el gran Steve decide aliarse con Peter Frampton (guitarra), Greg Ridley (bajo) y el batería Jerry Shirley, para formar  la banda "Humble Pie". Tomando como base de su sonido estilos como el hard rock, blues rock, folk rock o el country rock,  comienzan a despuntar en la escena musical del momento, obtienen una gran popularidad y se diferencian del ambiente psicodélico que predomina en aquellos años.

Centrándonos en el álbum, tercero de su discografía, se publicó en 1970 por el sello A&M Records e incluye 10 pistas.  Se grabó en los "Olympic Sound Studios" de Londres y lo produjo el británico Glyn Johns, un famoso ingeniero de sonido que había trabajado con bandas como "Led Zeppelin",  "The Band", "Small Faces",  "Eagles" o la "Steve Miller Band".

Como ya es costumbre, haremos mención a los integrantes de "Humble Pie" que hicieron posible esta obra: Steve Marriott (guitarra, voz), Peter Frampton (guitarra, voz), Greg Ridley (bajo, voz) y Jerry Shirley (batería, voz). Para la realización del LP, también contaron con la colaboración de B.J. Cole, todo  un especialista en guitarra steel que trabajó con músicos de la talla de Roger Waters, David Gilmour o Elton John. Y  nos encontraremos con una grata sorpresa, John Wilson, el batería de los "Taste" (la agrupación de Rory Gallagher) participa  en algunas canciones del disco.

Abre el álbum con una bella balada semi blues "Live With Me", seguidamente no olvidan las raíces folk con "Only A Roach" y el acústico "Theme from Skint (See You Later Liquidator)". El rock más contundente y rítmico se presentará con "One Eyed Trouser-Snake Rhumba", y "ed Light Mama, Red Hot!", que acompañados de la espléndida guitarra de Frampton, se sitúan como los mejores temas del LP.

Llegará uno de los puntos álgidos, con una excelente versión del "I’m Ready" de Willie Dixon, en el que sentiremos la poderosa voz de Marriott en todo su esplendor. Y cerrando el disco, una suave balada "Sucking on the Sweet Vine", para calmar el ánimo…

Así concluye este disco, cortesía de los semidesconocidos "Humble Pie", uno de los primeros súper grupos del rock. En 1991, el infortunio cae sobre sus componentes: el guitarrista Steve Marriott  fallece a los 44 años de edad, a causa de un incendio en su domicilio de Essex (Londres). En 2003, el bajista Greg Ridley nos deja víctima de una neumonía en Alicante (España).

Debido a la falta de apoyos comerciales y a diferentes puntos de vista entre Steve Marriott y Peter Frampton, los "Humble Pie" anuncian su primera separación en 1975. Continuamente, Marriott acusaba a Peter Frampton de intentar "endulzar" el sonido del grupo. Tiempo después, cada uno siguió su propio camino y Peter Frampton alcanzó un gran éxito comercial en años venideros…

Pero la fe ciega que Marriott depositó en su música y en su querido hard rock, le llevó a esquivar las corrientes comerciales del momento y vuelve a reunir a los "Humble Pie" en 1980, ya sin Frampton en la formación. Tras dos álbumes y unas ventas modestas, se disuelven en 1981, poniendo fin así a una de las bandas más injustamente subestimadas del rock.

El tiempo no se detiene, y seguro que las generaciones venideras buscarán el legado que Steve Marriott nos dejó. Y quizás se pregunten: ¿Quién era Steve Marriott?… … Steve Marriott era un músico con letras mayúsculas y un eterno fugitivo del mainstream. Un icono del rock que ha influido en bandas del nivel de Led Zeppelin, Ozzy Osbourne o Black Sabbath.

HUMBLE PIE - HUMBLE PIE "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Rock and Roll es mi adicción

Bo Hansson - Discografía

Discografía - Lord Of The Rings (1970)

Bo Hansson, fue un mítico músico, tecladista y compositor sueco de rock progresivo, nació el 10 de abril de 1943 en Gotemburgo, Suecia. Su infancia se remonta al norte de Suecia, donde el pequeño Hansson se crió varios años con unos amigos de la familia, ya que sus padres, por cuestiones laborales, vivían viajando y no podían llevarlo con ellos. Ya como adolescente se unió a sus padres en Estocolmo, donde, fascinado por la floreciente escena de rock and roll, aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta y se unió a una de las primeras bandas de rock 'n' roll de Suecia: "Rock-Olga".

A finales de los cincuenta, se unió como guitarrista a la banda de blues de Slim Notini. Notini tenía reputación de descubridor de jóvenes talentos, al modo en que John Mayall lo hacía en Gran Bretaña, por lo que Hansson pudo avanzar y formar su propio grupo de blues, "The Merrymen", que en menos de un año lograron firmar un acuerdo con Polydor, ganar un concurso de rock de la Sveriges Radio e incluso actuar como teloneros de "The Rolling Stones" en una de sus primeras giras por Escandinavia.

En 1966 Hansson vio actuar al organista de jazz estadounidense Jack McDuff en el club Gyllene Cirkeln de Estocolmo, y resultó tan cautivado por la actuación que decidió dejar "The Merrymen", justo cuando estaban a punto de tocar el auténtico éxito, para expandir sus horizontes musicales. Animado por su colega Merryman Bill Öhrström, adquirió su propio órgano Hammond, con dinero prestado por su novia y otros amigos, dinero que no devolvió. Öhrström se empleó como agente de artistas y repertorio y productor en la sucursal de Polydor en Suecia, y presentó a Hansson a otros músicos, uno de los cuales era el baterista Janne Karlsson. "Hansson & Karlsson" cuajaron al momento y crearon un sonido único a base del teclado y rápidos ritmos con el hammond de Hansson.

Entre 1967 y 1969 grabarían tres discos, alcanzando la fama en toda Europa, llegando al oído de Jimi Hendrix, quien se tomó un tiempo durante una gira para hacer una jam session con el dúo, además de con George Clemons a la batería y Georg Wadenius a la guitarra, en el Klubb Filpis de Estocolmo a finales de 1967. Hendrix grabó en aquella época una canción de Hansson: «Tax Free», y planeó grabar un álbum completo con ellos, pero, desafortunadamente, murió antes de hacerlo.

Cuando Karlsson perdió interés por seguir en la música, Hansson se decidió a continuar en solitario. Y aquí comienza la romántica búsqueda del músico avant-garde. Encandilado por una copia de "El Señor de los Anillos" de J. R. R. Tolkien que le había «mangado» a su novia, se mudó al apartamento vacante de un amigo y empezó a componer. Cuando el desafortunado amigo regresó, se encontró que había sido desalojado del apartamento tras numerosas quejas de los vecinos por el «ruido» que Hansson estaba creando. Hansson se retiró entonces a una cabaña remota en una isla a las afueras de Estocolmo donde él, el baterista Rune Carlsson y el ingeniero de sonido Anders Lind, que había trabajado antes con "Hansson & Karlsson", pasaron el invierno de 1969 grabando el que se convertiría en el álbum de debut en solitario de Hansson en una grabadora de cuatro pistas prestada. Lind incluso se las arregla para conseguir usar la única grabadora de ocho pistas que había en Suecia en aquella época, en el estudio de la Sveriges Radio, con el pretexto de estar interesado en probarla para comprar una para él. Una vez allí, persuadió a los músicos de acompañamiento Gunnar Bergsten y Sten Bergman para dar cuerpo a las grabaciones.

A principios de 1970 se trasladaron al estudio Decibel, en Estocolmo, para completar el álbum. Hansson declaró que su intención original era incluir una sección de cuerda y otros instrumentos exóticos, como el arpa, pero que las limitadísimas finanzas de Silence Records obligaron a la grabación de la inmensa mayoría del álbum tan solo con sus primitivos órgano Hammond y sintetizador modular Moog.

El disco "El señor De Los Anillos" (Sagan om Ringen) fue lanzado por Silence Records (el primer sello de grabación independiente de Suecia, establecido por el mismo Anders Lind) en otoño de 1970 y se convirtió en un gran éxito. Con esta obra conceptual Hannson se recibe de "paisajista progresivo", poseído por una creatividad arrolladora, elabora un trabajo artesanal, muy específico y atípico. El ímpetu y creatividad que le imprime a sus composiciones son arrolladores, juega y crea ambientes, dibuja escenas musicales, toma imágenes poéticas y las transforma en escenarios épicos de la Tierra Media, repletos de elfos, hobbits, Jinetes Negro, etc.

El órgano simplista y los sonidos de la guitarra, junto con el maquillaje básico de percusión, pese a las limitaciones técnicas y económicas, se las arreglan para darle cuerpo a cada pista de este particular álbum de rock progresivo instrumental, con altas dosis jazzísticas, crear sesiones (que no duran más de 4 min. cada una)  en las que convergen distintos estados, elaboraciones y fusiones psicodélicas oscuras, rozando con lo ritual y oculto, pero a la vez con un costado fresco y épico, con una psicodélia medida y una muy buena relación entre teclado y guitarra.

El disco está inspirado en la trilogía completa de "El señor de los anillos", muchos de los temas llevan directamente el título del capítulo que describen musicalmente, casi como si se tratase de una banda sonora de cine. Al parecer, se consideró incluso la posibilidad de incluir extractos cantados del libro sobre las piezas musicales (pensemos quizá en algo así como La guerra de los mundos en versión de Jeff Wayne), aunque la mismísima editorial poseedora de los derechos literarios, "Allen & Unwin", se pronunció en contra de esta idea. Lo cierto es que el profesor Tolkien, que aún vivía en 1970, nunca llegó a asimilar del todo bien el desmesurado alcance sociocultural que llegó a tener su sesuda y erudita trilogía.

Varias copias empezaron a filtrarse hacia Gran Bretaña, donde llamó la atención de Tony Stratton-Smith, que quedó tan impresionado que reeditó la grabación como "Music Inspired by Lord of the Rings" con su propio sello Charisma Records en octubre de 1972, convirtiéndose en el único LP de Bo Hansson en alcanzar el top 40 del Reino Unido, así como el número 154 en el Billboard 200, y unas ventas acreditadas de un disco de oro en el Reino Unido y en Australia.

Alentado por el éxito de su primer álbum, Hansson siguió trabajando en varios albums, lanzando hasta a finales de los 70s, otros tres álbum, siendo los trabajos más notables del músico. Desde finales de los 70s hasta mediados de los 80 trabajó en proyectos de otros músicos amigos, hasta que en 1985 lanzó la edición sueca de su álbum "Mitt i livet" («El medio de la vida») con Silence Records (SRS 4700). En 1998, "Hansson & Karlsson" se reunieron para dar algunos conciertos, y para editar un álbum de compilación.

Por su trabajo pionero y el misterio que rodeó el auge y caída de "Hansson & Karlsson", Hansson recibió la consideración de leyenda viva entre la comunidad musical independiente de Suecia. En sus últimos años, actuó ocasionalmente con el organista Eric Malmberg, que ha citado frecuentemente el trabajo de Hansson como una de sus inspiraciones. Finalmente Bo Hansson fue encontrado muerto en la habitación de hotel en la que se alojaba en Estocolmo el 23 de abril de 2010, cuando contaba 67 años de edad.

Formación:

Bo Hansson: órgano, guitarra, sintetizador modular Moog y bajo eléctrico;
Rune Carlsson: batería y percusión
Gunnar Bergsten: saxofón;
Sten Bergman: flauta.
Anders Lind y Bo Hansson: producción

PISTAS:

A1. Leaving Shire
A2. The Old Forest & Tom Bombadil
A3. Fog on the Barrow-Downs
A4. The Black Riders & Flight to the Ford
A5. At the House of Elrond & the Ring Goes South
B1. A Journey in the Dark
B2. Lothlórien
B3. Shadowfax
B4. The Horns of Rohan & the Battle of the Pelennor Fields
B5. Dreams in the House of Healing
B6. Homeward Bound & the Scouring of the Shire
B7. The Grey Havens

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas

Klockwerk Orange - Discografía

Discografía - Abrakadabra (1975)

"Klockwerk Orange" fue una banda austriaca de corta duración, que solo vivió entre 1974 y 1976, y solo alcanzaron a publicar un solo disco en vida, además de otras varias grabaciones que dejaron de vivos de la banda y que vieron la luz en reediciones posteriores. El líder de la banda era el multi instrumentista y compositor Herman Delago, guitarrista, trompetista y tecladista, formado en la Academia de Música de Innsbruck. Posteriormente formó parte de "Austria Trio" y "Viller Spatzen" además de algunos grupos de Jazz.

En 1975 aparecería su único trabajo, llamado "Abrakadabra". El sonido de este disco no tiene piedad y no se anda con medias tintas o rodeos, comienza como termina, en una búsqueda progresiva total, ramificándose en tres extensas piezas de un calibre progresivo muy complejo y sofisticado, de una sofisticación temerosa, un sonido aplastante que remueve sensaciones internas y despierna un ansia que se sincroniza con las piezas, ansia que estas a la vez van apaciguando en la medida que avanzan a lo largo de diversos e infinitos pasajes, partes, arreglos, progresiones, sucesiones e invenciones progresivas. Nada está librado al azar aquí, nada es casualidad, nada es porque sí, todo está perfectamente planeado para suscitar un remolino bastante ingenioso.

Es un trabajo en el que es muy fácil de perderse debido a la enorme sofisticación de las piezas, y es allí donde radica la dificultad de la escucha de este material, tantos pasajes y partes sucediéndose puede tornar tosca la escucha por eso es necesario prestarle rigurosa atención, en la medida de lo posible, a cada momento y pasaje. Las piezas se componen de un sinfín de pequeñas partes que se suceden en el tiempo y dejan de entrever, por ejemplo, algunos matices como sutiles elementos de algún influencia de flamenco, alguna influencia de Keith Emerson, tanto sea con "The Nice" o ya con su "Emerson, Lake & Palmer", especialmente se puede apreciar en algunos pasajes donde predominan los teclados muy al estilo del artista nombra; además la enorme sofisticación hace de un sonido sinfónico que emula momentos rústicos, momentos más concretos y contundentes de rock,  otros momentos de una sutil fusión y/o arreglos símil jazz fusión, además de aparecer la influencia de la música clásica como coagulante de muchos otros pasajes también.

Se podría tender un puente hacia alguna reminiscencia con otras bandas pero sin dudas que lo que propone "Klockwerk Orange" trasciende muchas fronteras y se ubica en un lugar propio, con un entramado de composiciones sucesivas que se congenian entre sí en una sola confabulación progresiva, con diversos quehaceres que brotan, mostrando todo un costado todavía prototípico de la banda, como por ejemplo esa trompeta que suele aparecer por momentos y deja una desazón y una inquietante sensación de rustica calidez, un dejo sonoro que parece tomado de otra época y puesto en medio del disco. La enorme sofisticación recuerda a discos como Stained Glass Stories, de la banda "Cathedral".

El sonido propuesto por la banda ronda entre lo complejo y lo rustico, entre la sofisticación y la visión prototípica que los músicos manejaban. El trabajo se compone de tres extensas piezas, dos de diez minutos de duración que ocupan la cara A del vinilo original, y una tercera pieza de veinte minutos de duración que ocupa todo el lado B del vinilo original. Es en esa última pieza donde aparece otro elemento que podría desconcertar a muchos pero hacer la delicia de los vanguardistas; hasta entonces todo ocurre en un quehacer progresivo total, pero es en la mitad de la última pieza donde aparece la experimentación sonora, unos minutos de desconcierto que dan un aire inusitado a la pieza y la salvan de una inevitable repetitividad o monotonía. Todo el trabajo está pensado y propuesto bajo manifiestas introducciones, desarrollos, divisiones, partes y conclusiones.

Este trabajo no es fácil de escuchar, es recomendado especialmente para fanáticos del progresivo que tengan el oído avezado con bastos discos y puedan apreciar la enorme propuesta manifestada en este trabajo. Por momentos inconexo, abrumador, monótono, por momentos glorioso y acertadamente experimental, es una propuesta que se sumó a la ola progresiva europea y rindió culto con una propuesta por demás sofisticada que no alcanzó el éxito pero tampoco necesitó hacerlo para mostrar su alma en el sonido. Esta es otra joya progresiva de Austria, una pieza de sofisticación y colección, un disco de épicas y propuestas de engranajes sofisticados.

Formación:

- Hermann Delago - guitarra, organo, sintetizador, trompeta, voz

- Markus "WAK" Weiler - organo, piano eléctrico, clavecín, sintetizador

- Guntram Burtscher - bajo, voz

- Wolfgang Böck - batería, campanas tubulares, timbales

PISTAS:

01. Duonyunohedeprinces (Hermann Delago) - 11:38

02. The Key (Hermann Delago/Heinrich Prokopetz) - 10:53

03. Abrakadrabra (Hermann Delago) - 21:21 en partes:

a). Abrakadrabra     

b). Temple Sh. Thirty Five     

c). Mercedes Benz T 146.028

KLOCKWERK ORANGE - ABRAKADABRA "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas