La banda fue formada en 1969 por el bajista Dave Coombs y el vocalista Joe Cerisano, ex miembros de "JB And The Bonnevilles".
Primero trabajaron como dúo, con el nombre de "Kaboose", y después de la incorporación del baterista Joe Hartman y el guitarrista Tom Nicholas, adoptaron el nombre de "Elderberry Jak".
Rápidamente se hicieron populares en Virginia Occidental y realizaron una gira por el estado, así como por Ohio y Pensilvania durante un año. En 1970, el grupo firmó un contrato de grabación con Leland Rogers y el pequeño sello de Memphis Electric Fox Records, debutando a finales de año con el álbum "Long Overdue".
El álbum resultó estar en las mejores posiciones de la música hard-rock estadounidense con elementos de funk y ganó una enorme popularidad, pero solo a escala regional: durante casi un año "Long Overdue" permaneció entre los diez primeros de las listas de Virginia Occidental, pero Realmente no irrumpió en el mercado exclusivamente estadounidense.
El grupo se disolvió a principios de 1971 y fue incluido en el Salón de la Fama del Rock y Pop de Virginia Occidental en 1988. El líder de la banda Dave Coombs murió en 1999.
Formación:
Joe Cerisano - Voz, letra Tom Nicholas - Guitarra,voz
Álbum debut de la banda de Youngstown, Ohio. El trío (el guitarrista Phil Keaggy, el baterista John Sferra y el bajista Steve Markulin) se creó en 1968, actuando desde bailes escolares hasta clubes de sus países natales. Lanzaron el sencillo "¿De dónde vino mi mundo?" en United Audio en 1969.
Después de eso, Steve Markulin se fue a otro grupo local, "The Human Beinz", y en su lugar llegó Daniel Pecchio (ex-The Poppy).
Después de esto, las cosas fueron mejor para el grupo, fueron reconocidos en toda la zona, incluida la Universidad de Kent. Firmaron contrato con el sello Decca y grabaron este álbum debut (considerado el mejor de la discografía). Grabado en los míticos estudios Electric Lady Studios de Jimi Hendrix, con una calidad bastante buena y uso del estudio de grabación como un instrumento más dentro de la música.
Luego, el grupo abrieron conciertos como teloneros para "Alice Cooper", "Chicago", "Yes", "Traffic", "Grand Funk Railroad" y otras bandas famosas. En sus conciertos interpretaban jam rock (es decir, composiciones cuyo tiempo de interpretación era ilimitado (hasta media hora o más), con diversos pasajes solistas e improvisaciones).
Formación:
Phil Keaggy - Guitarra, voz Dan (Daniel) Pecchio - Bajo, voz John Sferra - Flauta, Batería, voz
No siempre que se juntan dos grandes músicos el resultado es satisfactorio, pero en este caso podemos decir que consiguieron componer grandes temas a pesar de su poco éxito.
El grupo nace a finales de los 60, Mick Hutchinson, guitarrista, se une a Andy Clark, teclista, y junto a Amazing Stephen al bajo y Del Coverly a la batería, formaron la banda. Su primer trabajo fue grabado en 1.968, "Blues", se editó cuando la banda ya se había separado. Esta primera grabación contenía básicamente blues con tintes psicodélicos. En 1.970 editan "A=MH2" con el que obtendrían cierto éxito, largos temas donde desarrollaban todo su saber. A finales de ese mismo año llegaría "Retribution" donde ya mostraban su evolución hacía músicas más progresivas. En 1.971 llegaría su último disco "Gestal", ese mismo año se disolverían.
"Retribution" fue un álbum absolutamente loco: la primera pista de la cara uno, "Free to be stoned", contiene algunos riffs de blues salvajes y crudos y voces que repiten: "¡Solo quiero estar drogado por el resto de mi vida natural...!" ¿Te das cuenta?. Suena como una jam session, apuesto a que fue genial en verlos vivo. Voces salvajes.
Este álbum está muy orientado al blues, mucho más que su anterior álbum debut "A=mc2". "Cuando estoy colocado, todo parece salir bien..." y parece que así es en esta pista. La calidad del sonido es típica de los álbumes de este período, bajos sólidos, bastante claros, no desordenados y sobreproducidos, no están nada mal.
La siguiente canción, un instrumental de jazz / blues de diez minutos llamado "After Hours" tiene una introducción de piano tintineante de blues y se arrastra muy bien, incluye un solo de guitarra bastante estándar, música de club humeante a altas horas de la noche.
En el lado dos, no tan bueno como el lado uno en mi opinión, la primera canción, "In Another Way" no es una canción sobresaliente, pero incluye un buen solo de guitarra.
"Best Suit", la pista más larga de la cara dos con diez minutos, es muy similar a "Free to be Stoned", voces medio habladas / chillonas sobre un sombrero perdido (??), aunque menos maníaca, pero igual de crudo. Algunas de estas pistas pueden sonar un poco como una improvisación monótona y repetitiva, pero se asienta en algunos solos de guitarra y riffs básicos de blues.
La canción final "Death, the Lover" tiene un ritmo monótono y lento y las voces antes mencionadas y dura siete minutos. Hacen demasiadas tonterías en esta canción y no es mi canción favorita, cerca del final se convierte en una canción completamente diferente.
Todas las canciones de este álbum están hechas de forma muy irónica y son "interesantes" para escucharlas, ¡espero que tengas un buen sentido del humor! la filosofía de la banda se resume así en el reverso del álbum: "Somos lo que somos y nadie puede cambiarnos, por eso hemos tenido que aprender a tragarnos los dolores de la humillación, quizás ahora nuestro exilio ha terminado. ¡ah!, hay esperanza en el polvo levantado por el viento. Más allá del papel, más allá del plástico, viene la música. Andy Clark". No es un álbum esencial, pero no por ello deja de ser interesante. Recomendado.
Originarios de New Haven, Connecticut, "Pulse" evolucionó a partir de los grupos "The Bram Rigg Set" y "The Shags", y originalmente se conocían como "The Pulse of Burritt Bradley".
La canción, "Burritt Bradley", es una porción surrealista de locura psicodélica, que también se puede encontrar en la compilación "Beyond The Calico Wall (LP y CD)".
Por el contrario, su álbum "Pulse" es un furioso asunto de hard rock, blues y psicodélia y muy bien valorado por algunos coleccionistas.
"Pulse" estaba compuesto por Carl Donnell (voz), Bennett Segal (Batería), Peter Neri (Guitarra principal), Richard Bednarzcyk (Órgano), y Paul Rosanno (Bajo) y Jeffrey Potter (Armónica).
En sus inicios allá por 1968 también incluia a Tommy Violante (voz) y Lancer Gardner (Bajo), marchandose ambos de la banda en 1969 cuando lanzaron su primer álbum y el grupo perfeccionara sus habilidades durante casi un año improvisando en el estudio.
El álbum homónimo "Pulse" fue un verdadero logro. No solo la interpretación y la composición eran sólidas, sino que el estilo pesado y los arreglos complejos parecen estar unos años adelantados a su tiempo.
Hacia finales de los 60 y principios de los 70 fueron un período tan creativo que es triste darse cuenta de cuántos álbumes quedaron archivados, pasaron desapercibidos y no se les dio ninguna oportunidad. Este es el caso de Susan Christie y el álbum "Paint a Lady" del cual tuvo una tirada de sólo tres copias.
Susan Christie era otra artista más de folk que en los 60 pugnaba por iniciar una carrera en los Estados Unidos. Originaria de Philadelphia, había tenido un semiéxito "novelty" en 1966 con ‘I Love Onions’ pero para el final de la década su propuesta musical estaba centrada en un enfoque mucho más serio, que culminó con la grabación de un elepé junto al productor John Hill en 1969 para la Columbia. Destinado a ser editado en 1970, el sello decidió a última hora cancelar su lanzamiento y archivarlo por no estar seguros de su potencial comercial. La leyenda dice que sólo se conservaron tres copias del disco. Y nada más se volvió a saber de Christie.
Avanzamos 40 años después: el dj inglés Andy Votel encuentra en una cubeta de discos de vinilo viejos una copia de "Paint a Lady" y su sonido de psicodelia folk le deja noqueado, sin saber todavía que se trataba de uno de los discos más imposibles de encontrar del mundo (si es que alguien lo estaba buscando). No pasa mucho tiempo hasta que consigue reeditarlo (en 2006) en su sello Finders Keepers. Una de las canciones tiene el honor de ser editada, además, en single. Es sin duda la mejor pieza del disco, una joya de eso que décadas después se ha dado en llamar folk funk. Su título, ‘Paint a Lady’.
Gran melodía, voz hermosísima con cierta oscura melancolía, y esos arreglos imponentes llevados en volandas por la sensacional batería de Jim Valerio hacen de ‘Paint a Lady’ otro de esos clásicos instantáneos renacidos del olvido.
Cuando escuché por primera vez este álbum, lo primero que me acordé fue de los delicados arreglos tan efectivos, bien pensados y bien producidos con arreglos de banda y toques orquestales, sino que las canciones están bien elegidas y son atractivas, Susan Christie también tiene grandes cualidades vocales, una combinación fuerte que merece ser escuchada, y que hace que las escuchas repetidas sean un verdadero placer. "Rainy Day" tiene una hermosa melancolía oscura en la voz y la letra, mientras que a través de la música se eleva a la dulzura humana aceptable de lo que hace que ese sentimiento sea una "experiencia" (por lo que no se reducen las cosas, sino que se elevan a un placer musical).
En todas partes los arreglos son perfectos, con la emocionalidad adecuada fortalecida por la batería o el rock sumado a las orquestaciones más exuberantes (mezcladas con guitarras acústicas,..). De vez en cuando se hacen posibles asociaciones con una emocionalidad teatral/fílmica, como si se destacara una película acompañada de Morricone... y también hay una verdadera canción del oeste, "Ghost Riders in the Sky", de nuevo en el contexto del folk-rock.
En el medio del LP también hay una pista más larga de más de 9 minutos llamada "Yesterday, where's my mind?", con una introducción más experimental, con palabra hablada en trance, al principio solo acompañada rítmicamente, con un poco de órgano, antes de que el narrador/cantante y el órgano se vuelvan un poco locos, como una introducción más libre que aún conduce a otra canción real.
