Autentico peso pesado del krautrock y nunca mejor dicho puesto que practican un progresivo de alta densidad a base de un hammond grave y dominante acompañado de unas guitarras de orientación blues que contribuyen al endurecimiento del sonido confiriendo potencia a base de descargas de muchos vatios. La máxima expresión de esto que comento se refleja perfectamente en el último tema y que da título al álbum.
Un grupo con una discografía bastante extensa, pero a pesar de ello, los medios nunca le prestaron la atención adecuada, lo que supuso que no llegasen a ser conocidos para el gran público.
El estilo a base de acordes muy marcados que se alargan en el órgano, las guitarras que conjuntamente tejen una gruesa capa y también estiran las notas y el ritmo a medio tempo, sin prisa, me sugieren la imagen de un dinosaurio colosal moviéndose a paso lento, con dificultad, apreciándose el trabajo que cuesta vencer a la gravedad.
Otro elemento que incrementa el que se forme esa atmósfera tan recia y que suma un ladrillo más a la carga de fuerza de los instrumentos, es el bajo, que a base de latidos poderosos retumba en muchos de los temas. "Moving" y "Waterfall" son ejemplos de la labor que realiza el pulsante bajo.
El punto dulce e inocente de este LP, lo ponen las voces del coro de los niños que intervienen en alguna que otra composición. Es el contrapunto a la agresividad del resto del vinilo.
Hay veces en que el sonido de algunos pasajes tiene reminiscencias de lo que "Pink Floyd" realizó en la etapa de "More - Ummagumma-Atom Heart mother", ayudado también por la voz de Panka cuya cadencia, frialdad y tono melancólico se asemeja bastante a la que tenía Roger Waters. Para amantes del progresivo o krautrock oscuro.
A principios de los años sesenta, los futuros integrantes de "Barclay James Harvest" se iniciaban en la música en bandas de rythm and blues de Oldham: John Lees y Stuart "Wooly" Wolstenholme en "The Blues Keepers", y Les Holroyd y Mel Pritchard en "Heart and Soul and the Wickeds". En el otoño de 1966, varios miembros de las dos bandas empezaron a tocar juntos en "The Blues Keepers", hasta llegar a una formación estable de cuarteto con John Lees, Les Holroyd, Mel Pritchard y Wooly Wolstenholme. Como su intención era tocar material propio bastante alejado musicalmente del rythm and blues, decidieron dar un nuevo nombre a la banda. Escogieron el nombre sacando trozos de papel con palabras de un sombrero. El resultado fue "Barclay James Harvest".
"Barclay James Harvest" (en adelante BJH) se hizo profesional en 1967, con la ayuda de su mánager y mecenas John Crowther. Éste les consiguió un contrato de un solo disco con Parlophone, que les permitió publicar su primer sencillo. La cara A era el tema pastoral "Early Morning", y la cara B "Mr. Sunshine". Aunque el sencillo tuvo cierta repercusión, al que ayudó un documental de Granada TV sobre el estilo de vida del grupo, la relación con Parlophone no tuvo continuidad. Sin embargo, la discográfica EMI tenía el proyecto de crear un sello de música progresiva. BJH fue de los primeros grupos contratados en el sello, que significativamente se llamaría Harvest Records. La primera colaboración con EMI fue un sencillo que incluía las canciones "Brother Thrush" y "Poor Wages". Los intereses musicales de BJH los llevaron a colaborar con una orquesta de manera estable, la "The Barclay James Harvest Symphony Orchestra". En el primer álbum del grupo, titulado "Barclay James Harvest", se ven los primeros resultados de esa colaboración, especialmente en el tema "Dark Now my Sky". "The Iron Maiden", otro tema de este álbum, está incluido hoy en día en el repertorio en directo de "John Lees' Barclay James Harvest".
El segundo disco de BJH con el sello Harvest fue "Once Again", que salió a la venta en febrero de 1971. Este disco está considerado por muchos el mejor de BJH en esta época. Aparece en él el tema clásico "Mockingbird", interpretado en prácticamente todos los conciertos de BJH desde 1971. Un par de años más tarde apareció una versión cuadrafónica de este disco.
BJH grabaría otros dos discos en el sello Harvest: "Barclay James Harvest and Other Short Stories" y "Baby James Harvest". Este último disco, que iba a llamarse "Four Wings", iba a tener formato de doble álbum, dedicando una cara de disco a las composiciones de cada uno de los miembros del grupo. Aunque no han sido tan valorados como "Once Again", estos dos álbumes incluyen temas como "After the Day", "Summer Soldier" o "Medicine Man", que forman parte del repertorio clásico de BJH.
Una de las posibles causas de la salida de BJH del sello Harvest fue el elevado coste de sus conciertos. Los cuatro miembros de BJH tocaban conjuntamente con una orquesta de hasta 45 personas, dirigida por Martyn Ford. No se dispuso de material oficial grabado de estos conciertos hasta la publicación, en el año 2002, de BBC In Concert 1972.
En 1973, BJH abandona Harvest y firman con Polydor. En 1974 publican su primer álbum con este sello, "Everyone Is Everybody Else". Con material de la gira de presentación de este disco publican Live, que supone su primera aparición en las listas de éxitos. Con los dos álbumes siguientes, "Time Honoured Ghosts" y "Octoberon" empiezan a ser conocidos y actuar en directo en Europa y Estados Unidos. 1977 es el año de mayor éxito en la historia de BJH: su álbum "Gone to Earth", y especialmente el sencillo del tema "Hymn" alcanzan puestos altos en las listas de éxitos alemanas. Desde entonces, Francia, Alemania y Suiza son los países donde BJH ha tenido más éxito. Respondiendo con sentido del humor a algunas críticas desfavorables, que tildaban a BJH de un The Moody Blues para pobres, incluyen en "Gone to Earth" el tema "Poor Man's Moody Blues", uno de los más apreciados de BJH.
En 1978 BJH publican "Live Tapes", un doble en directo con materiales de la gira de "Gone to Earth", y más tarde el álbum en estudio "XII". Después de la publicación de este disco, Wooly Wolstenholme abandona el grupo, debido a divergencias musicales con el resto de sus miembros. Wolstenholme inicia su carrera en solitario, creando su propia banda "Maestoso". El escaso éxito de este grupo le lleva poco después a retirarse de la música y a dedicarse a su granja de agricultura orgánica.
Los cuatro primeros discos que BJH grabó con Polydor tienen un sonido bien distinto a los de la época Harvest. BJH abandona casi por entero los arreglos orquestales por un sonido más eléctrico, en el que el melotron de Wooly Wolstenholme tiene un importante papel. Las tareas de composición recaen en John Lees y Les Holroyd, con colaboraciones ocasionales (no más de dos canciones por álbum) de Wooly Wolstenholme. Uno de las peculiaridades del grupo, a partir de "Everyone Is Everybody Else" es que cada miembro del grupo canta los temas que compone.
Después de la marcha de Wooly Wolstenholme, BJH decide continuar como trío, apoyándose en músicos de sesión para las partes de teclados tanto en estudio como en directo. Su primer disco como trío, "Eyes of the Universe" con un sonido menos complejo que los anteriores, tiene un gran éxito comercial. El 30 de agosto de 1980 actúan ante 175.000 personas en un concierto gratuito frente al edificio del Reichstag en Berlín. En este concierto presentan algunos temas de su siguiente disco, "Turn of the Tide", entre ellos "Life is for Living", otro de sus grandes éxitos comerciales. En 1982 publicarían un "Berlin – A Concert For The People", basado en el concierto de 1980 en esa ciudad. "Turn of the Tide" y "Berlin" supondrían un notable éxito comercial en Europa, sobre todo en Alemania, aunque mucho menor en el Reino Unido.
En 1983 y 1984 aparecen "Ring of Changes" y "Victims of Circumstance". Con estos dos álbumes continúa el éxito comercial del grupo, sobre todo en Europa. De acuerdo con las tendencias musicales de la época, los arreglos de teclado tienen gran peso en el sonido del grupo. Después de "Victims of Circumstance" BJH no tiene actividad hasta 1987, cuando publica "Face to Face". Grabado con productores diferentes a los dos discos anteriores, "Face to Face" supone una vuelta al sonido original del grupo, aunque con un sonido y producción acorde a la época. En la gira de "Face to Face" BJH vuelve a ofrecer un concierto gratuito en Berlín, esta vez en Treptower Park, en el sector este de la ciudad. Con material de este concierto se editó "Glastnost", el cuarto disco en directo del grupo. "Welcome to the Show", publicado en 1990, comparte muchas de las virtudes de "Face to Face". En 1992 el grupo sale de gira sin presentar álbum, con motivo del 25 aniversario del grupo, y en 1993 publican "Caught in the Light". Este disco supone un paso atrás importante para BJH, desde los puntos de vista comercial y artístico. Lastrado por una pobre producción, Polydor promociona poco el álbum, y las bajas ventas conducen a la rescisión del contrato con su sello desde 1973. Este hecho, junto a una serie de problemas legales, supone un estancamiento importante en la carrera del grupo. En 1996, BJH firma un nuevo contrato con la filial alemana de Polydor. El último disco de "Barclay James Harvest" como tal, "River of Dreams", se publica para Alemania y Suiza.
Después de la gira de 1997 por Alemania y Suiza, la banda decide suspender sus actividades de manera temporal. En la práctica, los miembros del grupo inician carreras en solitario. Por un lado, Les Holroyd funda "Barclay James Harvest featuringLes Holroyd". Mel Pritchard acompañaría a Les Holroyd en este nuevo grupo, hasta su fallecimiento en 2004. Por otro lado, John Lees funda su propia versión de BJH, llamada primero "Barclay James Harvest trough the eyes of John Lees" y posteriormente "John Lees' Barclay James Harvest". Woolly Wolstenholme, después de un retiro de casi veinte años, vuelve a la actividad musical acompañando a John Lees.
Formacion:
Les Holroyd - Bajo, Voz
John Lees - Guitarra eléctricayacústica, Voz
Mel Pritchard - batería
Stuart "Woolly" Wolstenholme - Mellotron, Teclados, Voz
BARCLAY JAMES HARVEST - GONE TO EARTH "ÁLBUM COMPLETO"
Último disco de la banda y una apuesta por el jazz rock, que se adelanta tres años a la fundación del grupo "Pegasus" en el que Max Sunyer y Josep Mas (Kitflus) darán rienda suelta a sus ideas musicales dentro de este estilo.
"Iceberg", siempre con una música tan medida, se nos muestra aquí mucho más proclive a la improvisación que en otros discos.
"El caminant nocturn" y "Cantics de la carn" son dos temas jazzísticos muy relacionados entre sí en los que abunda la fantasía guitarrística en la línea de una jam sesion. Ambos tienden a hacerse pesados para oídos no demasiado acostumbrados a las nuevas tendencias jazzeras. A destacar el principio de "Cantics de la carn" a cargo de un solo de batería y percusión de más de dos minutos que logra adentrar al oyente en un paraje misterioso que luego desarrollarán los demás instrumentos.
"Iceberg" siempre dispuestos a ampliar su paleta sonora se adentran en "Riu d’agost" en terrenos del jazz latino con un delicioso piano protagonista.
Con el toque andaluz de la guitarra de "Embrujo", "Iceberg" parece querer congraciarse con su gente, volviendo a evocar los tiempos de su inolvidable "Sentiments" (CFE / Bocaccio, 1977). Algo similar ocurre con "Crisalide", un tema cargado de elegantes y evocativas sonoridades que desarrollan un tema calmado, casi relajante, muy bien construido en base a sucesivas secuencias sonoras basadas en distintos pedales de efectos aplicados con buen gusto a la guitarra.
Todo el LP destila un cierto cansancio que parece presagiar el final de un ambicioso proyecto que homologó a Iceberg con los grupos de la vanguardia musical europea.
Formación:
Primitivo Sancho - Bajo Jordi Colomer - Batería Josep Mas "Kitflus" - Piano, Órgano, Sintetizador, Mellotron Max Sunyer - Guitarra
Una oscuridad devuelta a la vida, "The Age Of Reason" salió inicialmente en el sello de Georgetown en 1969. El álbum fue grabado por "Reason", una banda con sede en Washington DC compuesta por Tommy Dildy en la voz y los teclados, Billy Windsor en la voz y la guitarra, Bill Manning en batería y voz, y los bajistas J. Jenson y T. Gorka. Danny Gatton, quien finalmente alcanzó el estatus de "el mejor guitarrista que nunca has escuchado", también participó en el proyecto.
Una deslumbrante versión de "This Wheel's On Fire" de Bob Dylan hace que "The Age Of Reason" tenga un comienzo muy prometedor. Enmarcado en un mobiliario audaz y musculoso, el corte se destaca posteriormente por una explosión de improvisación psicodélica. Otro guardián del álbum es el curioso y críptico "Bang Bang" de Sonny Bono, que se vuelve aún más extraño en manos de "Reason". Las voces desesperadas y dramáticas, junto con los tempos cambiantes y giratorios, llevan la canción a alturas desgarradoras.
Números originales como "The View From Tim Thompson's Cell" y "Letters To Home" demuestran la habilidad de "Reason" para juntar ideas y manipularlas lo mejor que pueden, donde un tratamiento de "Stay With Me Baby" de Lorraine Ellison se llena de poder y pasión.
Aunque no hay nada innovador en "The Age Of Reason", el álbum complacerá a aquellos que profesan una afinidad por los sonidos del rock infectados por el soul. "Reason" no duró mucho, ya que este iba a ser su único álbum, dejando a su paso un fresco recuerdo de un momento y lugar determinados.
Formación:
Tommy Dildy - Teclados, Voz Terry Gorka - Bajo Bill Manning - Batería, Voz Billy Windsor - Guitarra, Voz
Con
Danny Gatton - Guitarra
PISTAS:
1. This Wheel's On Fire - 4:14 2. Stay With Me Baby - 4:31 3. I'm Blue (Ike Turner) - 4:05 4. Don't Try To See Through Me - 4:51 5. The View From Tim Thompson's Cell - 4:22 6. Letter To Home - 4:57 7. Bang Bang - 5:09 8. Temptations Bout To Get Me - 4:07
Poca gente sabe que la legendaria actuación de Jimi Hendrix en el Festival de Woodstock (del que se acaba de cumplir su 46 aniversario) fue ante unas 80.000 personas, una cifra relativamente baja en comparación con las aproximadamente 400.000 personas que abarrotaron aquel prado a pocos kilómetros de Nueva York. El día anterior –domingo- había caído una tormenta de proporciones bíblicas terminando ya el concierto de Joe Cocker (otro de los grandes momentos del festival) con el consiguiente retraso, haciendo que Jimi Hendrix, encargado de cerrar el evento, demorase su aparición hasta las ocho y media de la mañana del lunes, con gran parte del público ya de vuelta para casa o el trabajo.
Y lo que menos gente aún sabe es que entre el público, disfrutando como tantos otros con la Stratocaster de Jimi echando fuego al son de "The Star-Spangled Banner" se encontraba un joven sevillano llamado Gualberto García. Gualberto, conocido músico de la escena sevillana underground, estaba pasando unos meses en Estados Unidos y se trajo de vuelta a España el espíritu hippie y contracultural norteamericano de finales de los sesenta y un sitar, uno de los símbolos de la psicodelia y la experimentación sonora popularizado por George Harrison a partir del álbum de The Beatles "Rubber Soul" (1965).
Gualberto García pertenecía por ese momento a la banda "Smash", una entre tantas de la efervescente escena musical sevillana que vino a denominarse con el simple apelativo de "underground" y que resulta, incluso a día de hoy, sorprendente que se pudiese llegar a producir en aquellos años (últimos sesenta y principios de los setenta) en plena España franquista. Pero fue el propio régimen el que, de alguna manera, propició el inicio de la escena con el establecimiento de bases militares norteamericanas (en una de las primeras medidas que hicieron al país abandonar la autarquía) en diferentes puntos de España, entre ellas Morón, a pocos kilómetros de la ciudad hispalense.
Este hecho nutrió a la ciudad casi a tiempo real de las principales tendencias musicales estadounidenses. Encontrar discos, instrumentos o incluso drogas como el LSD se convirtió en algo sencillo para los jóvenes melenudos que empezaban a verse por la ciudad, que terminó por convertirse en uno de los puntos de peregrinación hippie (el otro fue Ibiza, ciudad en la que Jimi Hendrix llegó a actuar en 1968), llegándose incluso a dar los que seguramente fueron los primeros casos de okupación en España, mezclándose en el casco antiguo sevillano una extraña y maravillosa amalgama de flamenco, pelos largos, religión, LSD, Semana Santa y "The Doors" atronando por el altavoz en un añejo patio andaluz.
El establecimiento de dichas bases fue también determinante para otros aspectos de la historia musical española: el hip hop aterrizó en la península a través de la base de Torrejón y Pepe Risi, inmortal guitarrista y cantante de "Burning" le compró su mítica "Negrita" (una Gibson Les Paul Custom negra) a un soldado afroamericano músico de R&B destinado en dicha base.
"Smash" son quizá nuestra primera banda de rock de verdad, en mayúsculas. Hasta ese momento, la escena musical del país se nutría de elementos más bien folclóricos (copla, flamenco) y algunas bandas de música ligera que fueron denominadas "yé-yé" como "Los Bravos", "Los Brincos", "Los Sírex", "Los Salvajes" (y un largo catálogo de bandas con el artículo "Los" delante, influencia de las bandas de la "British Invasion") que si bien fueron pioneros a la hora de colgarse una guitarra eléctrica y soltar algún rebelde "Yeaaah!" se trataba de formaciones muy convencionales e inocentes, sobre todo comparándolas con las bandas internacionales de esa época.
El único triunfo de nuestra historia musical hasta el momento de la aparición de "Smash" fue el éxito internacional en 1966 de los citados Bravos con "Black Is Black", grabado en Londres y que alcanzó el número 1 en diversos países europeos y un más que meritorio número 2 en las listas británicas en plena era del efervescente Swinging London. Como curiosidad, el guitarrista de esta canción es un joven Jimmy Page que, antes de crear "Led Zeppelin", era uno de los guitarristas de sesión más prestigiosos de Inglaterra.
Antes de la publicación de su álbum debut "Glorieta De Los Lotos" (1970), "Smash" habían grabado varios singles de espíritu hippie, aunando psicodélia y blues rock que ya anticipaban lo que aparecería en él. Y es que, si "Smash" es la primera banda de rock genuina de nuestra historia musical, éste su primer álbum es el primer disco rock de verdad publicado en España, y además siendo influidos a tiempo real por las grandes bandas internacionales de la época. "Glorieta De Los Lotos" no es un álbum rockero en el sentido de potencia (les corresponde a los también sevillanos "The Storm" el título de pioneros en el campo del hard rock español) pero sí con presencia de guitarras rockeras llamadas así con justicia por primera vez en la historia del rock español, algo de folk, blues en vertiente eléctrica y acústica y sobre todo mucha experimentación.
Y es que hay muchos momentos influenciados por los "Beatles" más experimentales y psicodélicos como en "Forever Walking", tema que abre el disco y recuerda algunos de los momentos más barrocos de la banda británica a mediados de los sesenta, o en el homónimo de apenas de un minuto algo bizarro por las voces corales del inicio con un clavicordio que recuerda al tema Beatle "In My Life" tocado por George Martin, o en las armonías vocales de "Love Millionaire" sobre un colchón de guitarras acústicas, o en "Ottenos", una corta pista experimental reproducida del revés, como ya hicieron los de Liverpool en "Revolver" (1966). El medio tiempo rockero "Tove And All That" suena también a Swinging London, melódico, aires experimentales y arreglos con más clavicordios.
El blues viene representado en la maravillosa "Light Blood, Dark Bleeding", un blues acústico, del Delta; pero del Delta del Guadalquivir. A modo de epílogo le sigue "Free As The Green Little Men" también acústico, de una duración que por desgracia no alcanza el minuto y con una producción intencionadamente pobre, a la manera de las viejas grabaciones de los años treinta de bluesmans como Robert Johnson o Big Bill Broonzy. También tiene cabida el blues rock estilo Cream como "It’s Only Nothing", con grandes punteos y cambio de ritmo incluido, sonando a puro blues británico de los sesenta.
"Nazarin Again" introduce el folk al más puro estilo Bob Dylan, incluso las inflexiones de la voz se aproximan al tono nasal del cantante norteamericano, dando como resultado uno de los mejores temas del disco. También folky suena "Ahimsa", en la onda de CSN&Y, cuyo exitoso "Deja Vu" se editó también en este mismo 1970, y cuyo tema "Teach Your Children" solían tocar "Smash" en sus conciertos.
El rock más puro se da en "Sitting On The Truth", con distorsión al estilo "Cream" y mucha psicodélia. También el tema que cierra el álbum es un tema rock ‘n’ roll años cincuenta en plan Little Richard, aunque no es un tema de verdad, si no una especie de ensayo dónde escuchamos a la banda discutir sobre como enfocar la grabación. Es sólo eso, un ensayo puro y duro, en el que escuchamos los amplis y el micro acoplarse, el bajo haciendo vibrar el bombo de la batería y ellos equivocándose y desafinando. Que está bien como curiosidad, pero hubiese sido más interesante meter la grabación ya refinada y dejar un bonito rock ‘n’ roll para terminar.
Al año siguiente "Smash" edita su segundo álbum en el que se da el hecho de que, por primera vez, acercan el flamenco al rock. En 1973 la banda se separa, pero antes graban temas (editados sólo como single) como "El Garrotín" o "Tangos De Ketama", en los que la fusión con el flamenco es ya patente, siendo pioneros también en términos como "nuevo flamenco" o "rock progresivo andaluz", del que bandas como Triana fueron punta de lanza.
De hecho, "Smash" son más conocidos hoy en día como pioneros del rock andaluz y la fusión flamenca que por el puro rock, que es lo que nos dejaron en este "Glorieta De Los Lotos", y que yo entiendo que es el primer disco de nuestra historia que puede ostentar con orgullo ese honor. Porque en una época de censura, cultura perseguida y opresión, dónde llevar el pelo largo era casi un crimen, colgarse una guitarra eléctrica e intentar ser -que no imitar- "The Beatles", Jimi Hendrix o "The Doors" es meritorio. Es de auténticos pioneros.
Formación:
Gualberto García: Guitarra, sitar, clavicordio Henrick Michael: Guitarra, violín Julio Matito: Bajo, voz Antonio Rodríguez: Batería, percusión
