Último disco de la banda y una apuesta por el jazz rock, que se adelanta tres años a la fundación del grupo "Pegasus" en el que Max Sunyer y Josep Mas (Kitflus) darán rienda suelta a sus ideas musicales dentro de este estilo.
"Iceberg", siempre con una música tan medida, se nos muestra aquí mucho más proclive a la improvisación que en otros discos.
"El caminant nocturn" y "Cantics de la carn" son dos temas jazzísticos muy relacionados entre sí en los que abunda la fantasía guitarrística en la línea de una jam sesion. Ambos tienden a hacerse pesados para oídos no demasiado acostumbrados a las nuevas tendencias jazzeras. A destacar el principio de "Cantics de la carn" a cargo de un solo de batería y percusión de más de dos minutos que logra adentrar al oyente en un paraje misterioso que luego desarrollarán los demás instrumentos.
"Iceberg" siempre dispuestos a ampliar su paleta sonora se adentran en "Riu d’agost" en terrenos del jazz latino con un delicioso piano protagonista.
Con el toque andaluz de la guitarra de "Embrujo", "Iceberg" parece querer congraciarse con su gente, volviendo a evocar los tiempos de su inolvidable "Sentiments" (CFE / Bocaccio, 1977). Algo similar ocurre con "Crisalide", un tema cargado de elegantes y evocativas sonoridades que desarrollan un tema calmado, casi relajante, muy bien construido en base a sucesivas secuencias sonoras basadas en distintos pedales de efectos aplicados con buen gusto a la guitarra.
Todo el LP destila un cierto cansancio que parece presagiar el final de un ambicioso proyecto que homologó a Iceberg con los grupos de la vanguardia musical europea.
Formación:
Primitivo Sancho - Bajo Jordi Colomer - Batería Josep Mas "Kitflus" - Piano, Órgano, Sintetizador, Mellotron Max Sunyer - Guitarra
Una oscuridad devuelta a la vida, "The Age Of Reason" salió inicialmente en el sello de Georgetown en 1969. El álbum fue grabado por "Reason", una banda con sede en Washington DC compuesta por Tommy Dildy en la voz y los teclados, Billy Windsor en la voz y la guitarra, Bill Manning en batería y voz, y los bajistas J. Jenson y T. Gorka. Danny Gatton, quien finalmente alcanzó el estatus de "el mejor guitarrista que nunca has escuchado", también participó en el proyecto.
Una deslumbrante versión de "This Wheel's On Fire" de Bob Dylan hace que "The Age Of Reason" tenga un comienzo muy prometedor. Enmarcado en un mobiliario audaz y musculoso, el corte se destaca posteriormente por una explosión de improvisación psicodélica. Otro guardián del álbum es el curioso y críptico "Bang Bang" de Sonny Bono, que se vuelve aún más extraño en manos de "Reason". Las voces desesperadas y dramáticas, junto con los tempos cambiantes y giratorios, llevan la canción a alturas desgarradoras.
Números originales como "The View From Tim Thompson's Cell" y "Letters To Home" demuestran la habilidad de "Reason" para juntar ideas y manipularlas lo mejor que pueden, donde un tratamiento de "Stay With Me Baby" de Lorraine Ellison se llena de poder y pasión.
Aunque no hay nada innovador en "The Age Of Reason", el álbum complacerá a aquellos que profesan una afinidad por los sonidos del rock infectados por el soul. "Reason" no duró mucho, ya que este iba a ser su único álbum, dejando a su paso un fresco recuerdo de un momento y lugar determinados.
Formación:
Tommy Dildy - Teclados, Voz Terry Gorka - Bajo Bill Manning - Batería, Voz Billy Windsor - Guitarra, Voz
Con
Danny Gatton - Guitarra
PISTAS:
1. This Wheel's On Fire - 4:14 2. Stay With Me Baby - 4:31 3. I'm Blue (Ike Turner) - 4:05 4. Don't Try To See Through Me - 4:51 5. The View From Tim Thompson's Cell - 4:22 6. Letter To Home - 4:57 7. Bang Bang - 5:09 8. Temptations Bout To Get Me - 4:07
Poca gente sabe que la legendaria actuación de Jimi Hendrix en el Festival de Woodstock (del que se acaba de cumplir su 46 aniversario) fue ante unas 80.000 personas, una cifra relativamente baja en comparación con las aproximadamente 400.000 personas que abarrotaron aquel prado a pocos kilómetros de Nueva York. El día anterior –domingo- había caído una tormenta de proporciones bíblicas terminando ya el concierto de Joe Cocker (otro de los grandes momentos del festival) con el consiguiente retraso, haciendo que Jimi Hendrix, encargado de cerrar el evento, demorase su aparición hasta las ocho y media de la mañana del lunes, con gran parte del público ya de vuelta para casa o el trabajo.
Y lo que menos gente aún sabe es que entre el público, disfrutando como tantos otros con la Stratocaster de Jimi echando fuego al son de "The Star-Spangled Banner" se encontraba un joven sevillano llamado Gualberto García. Gualberto, conocido músico de la escena sevillana underground, estaba pasando unos meses en Estados Unidos y se trajo de vuelta a España el espíritu hippie y contracultural norteamericano de finales de los sesenta y un sitar, uno de los símbolos de la psicodelia y la experimentación sonora popularizado por George Harrison a partir del álbum de The Beatles "Rubber Soul" (1965).
Gualberto García pertenecía por ese momento a la banda "Smash", una entre tantas de la efervescente escena musical sevillana que vino a denominarse con el simple apelativo de "underground" y que resulta, incluso a día de hoy, sorprendente que se pudiese llegar a producir en aquellos años (últimos sesenta y principios de los setenta) en plena España franquista. Pero fue el propio régimen el que, de alguna manera, propició el inicio de la escena con el establecimiento de bases militares norteamericanas (en una de las primeras medidas que hicieron al país abandonar la autarquía) en diferentes puntos de España, entre ellas Morón, a pocos kilómetros de la ciudad hispalense.
Este hecho nutrió a la ciudad casi a tiempo real de las principales tendencias musicales estadounidenses. Encontrar discos, instrumentos o incluso drogas como el LSD se convirtió en algo sencillo para los jóvenes melenudos que empezaban a verse por la ciudad, que terminó por convertirse en uno de los puntos de peregrinación hippie (el otro fue Ibiza, ciudad en la que Jimi Hendrix llegó a actuar en 1968), llegándose incluso a dar los que seguramente fueron los primeros casos de okupación en España, mezclándose en el casco antiguo sevillano una extraña y maravillosa amalgama de flamenco, pelos largos, religión, LSD, Semana Santa y "The Doors" atronando por el altavoz en un añejo patio andaluz.
El establecimiento de dichas bases fue también determinante para otros aspectos de la historia musical española: el hip hop aterrizó en la península a través de la base de Torrejón y Pepe Risi, inmortal guitarrista y cantante de "Burning" le compró su mítica "Negrita" (una Gibson Les Paul Custom negra) a un soldado afroamericano músico de R&B destinado en dicha base.
"Smash" son quizá nuestra primera banda de rock de verdad, en mayúsculas. Hasta ese momento, la escena musical del país se nutría de elementos más bien folclóricos (copla, flamenco) y algunas bandas de música ligera que fueron denominadas "yé-yé" como "Los Bravos", "Los Brincos", "Los Sírex", "Los Salvajes" (y un largo catálogo de bandas con el artículo "Los" delante, influencia de las bandas de la "British Invasion") que si bien fueron pioneros a la hora de colgarse una guitarra eléctrica y soltar algún rebelde "Yeaaah!" se trataba de formaciones muy convencionales e inocentes, sobre todo comparándolas con las bandas internacionales de esa época.
El único triunfo de nuestra historia musical hasta el momento de la aparición de "Smash" fue el éxito internacional en 1966 de los citados Bravos con "Black Is Black", grabado en Londres y que alcanzó el número 1 en diversos países europeos y un más que meritorio número 2 en las listas británicas en plena era del efervescente Swinging London. Como curiosidad, el guitarrista de esta canción es un joven Jimmy Page que, antes de crear "Led Zeppelin", era uno de los guitarristas de sesión más prestigiosos de Inglaterra.
Antes de la publicación de su álbum debut "Glorieta De Los Lotos" (1970), "Smash" habían grabado varios singles de espíritu hippie, aunando psicodélia y blues rock que ya anticipaban lo que aparecería en él. Y es que, si "Smash" es la primera banda de rock genuina de nuestra historia musical, éste su primer álbum es el primer disco rock de verdad publicado en España, y además siendo influidos a tiempo real por las grandes bandas internacionales de la época. "Glorieta De Los Lotos" no es un álbum rockero en el sentido de potencia (les corresponde a los también sevillanos "The Storm" el título de pioneros en el campo del hard rock español) pero sí con presencia de guitarras rockeras llamadas así con justicia por primera vez en la historia del rock español, algo de folk, blues en vertiente eléctrica y acústica y sobre todo mucha experimentación.
Y es que hay muchos momentos influenciados por los "Beatles" más experimentales y psicodélicos como en "Forever Walking", tema que abre el disco y recuerda algunos de los momentos más barrocos de la banda británica a mediados de los sesenta, o en el homónimo de apenas de un minuto algo bizarro por las voces corales del inicio con un clavicordio que recuerda al tema Beatle "In My Life" tocado por George Martin, o en las armonías vocales de "Love Millionaire" sobre un colchón de guitarras acústicas, o en "Ottenos", una corta pista experimental reproducida del revés, como ya hicieron los de Liverpool en "Revolver" (1966). El medio tiempo rockero "Tove And All That" suena también a Swinging London, melódico, aires experimentales y arreglos con más clavicordios.
El blues viene representado en la maravillosa "Light Blood, Dark Bleeding", un blues acústico, del Delta; pero del Delta del Guadalquivir. A modo de epílogo le sigue "Free As The Green Little Men" también acústico, de una duración que por desgracia no alcanza el minuto y con una producción intencionadamente pobre, a la manera de las viejas grabaciones de los años treinta de bluesmans como Robert Johnson o Big Bill Broonzy. También tiene cabida el blues rock estilo Cream como "It’s Only Nothing", con grandes punteos y cambio de ritmo incluido, sonando a puro blues británico de los sesenta.
"Nazarin Again" introduce el folk al más puro estilo Bob Dylan, incluso las inflexiones de la voz se aproximan al tono nasal del cantante norteamericano, dando como resultado uno de los mejores temas del disco. También folky suena "Ahimsa", en la onda de CSN&Y, cuyo exitoso "Deja Vu" se editó también en este mismo 1970, y cuyo tema "Teach Your Children" solían tocar "Smash" en sus conciertos.
El rock más puro se da en "Sitting On The Truth", con distorsión al estilo "Cream" y mucha psicodélia. También el tema que cierra el álbum es un tema rock ‘n’ roll años cincuenta en plan Little Richard, aunque no es un tema de verdad, si no una especie de ensayo dónde escuchamos a la banda discutir sobre como enfocar la grabación. Es sólo eso, un ensayo puro y duro, en el que escuchamos los amplis y el micro acoplarse, el bajo haciendo vibrar el bombo de la batería y ellos equivocándose y desafinando. Que está bien como curiosidad, pero hubiese sido más interesante meter la grabación ya refinada y dejar un bonito rock ‘n’ roll para terminar.
Al año siguiente "Smash" edita su segundo álbum en el que se da el hecho de que, por primera vez, acercan el flamenco al rock. En 1973 la banda se separa, pero antes graban temas (editados sólo como single) como "El Garrotín" o "Tangos De Ketama", en los que la fusión con el flamenco es ya patente, siendo pioneros también en términos como "nuevo flamenco" o "rock progresivo andaluz", del que bandas como Triana fueron punta de lanza.
De hecho, "Smash" son más conocidos hoy en día como pioneros del rock andaluz y la fusión flamenca que por el puro rock, que es lo que nos dejaron en este "Glorieta De Los Lotos", y que yo entiendo que es el primer disco de nuestra historia que puede ostentar con orgullo ese honor. Porque en una época de censura, cultura perseguida y opresión, dónde llevar el pelo largo era casi un crimen, colgarse una guitarra eléctrica e intentar ser -que no imitar- "The Beatles", Jimi Hendrix o "The Doors" es meritorio. Es de auténticos pioneros.
Formación:
Gualberto García: Guitarra, sitar, clavicordio Henrick Michael: Guitarra, violín Julio Matito: Bajo, voz Antonio Rodríguez: Batería, percusión
Normalmente, cuando un grupo tiene un disco de éxito y en su siguiente disco quiere imitar las características de dicho éxito, suele producirse un sonoro fracaso. Esto no ocurrió con "Iceberg", que tras sus "Coses Nostres" (CFE, 1976), realizó al año siguiente un excelente LP que continuaba recorriendo caminos ya abiertos en el anterior.
La fórmula "Iceberg" consistía en un desarrollo melódico instrumental fundamentado en la magistral guitarra con toques mediterráneos de Max Sunyer y los teclados especulativos de Kliftus. Ese entramado melódico descansaba sobre un contundente ritmo de rock servido por el bajo de Primi y la batería de Jordi Colomer. Los cuatro músicos aparecieron ese año clasificados entre los cinco primeros en su instrumento en la votación que la revista Popular 1 realizó entre lectores y críticos musicales. Esto da una idea del potencial de la banda.
Si el álbum anterior aportaba a la fusión el elemento distintivo del folclore levantino, en esta ocasión era la música arábigo-andaluza la que aportaba esa diferenciación con las producciones de otros grupos.
Tras el breve prólogo que supone el tema "Sentiments", arranca un gran tema, "Andalusia, Andalusia", con reminiscencias de la guitarra de Al di Meola y virtuosismo en los teclados. Tal vez éste sea el tema que mejor recoge el espíritu del álbum. Max Sunyer simplemente inconmensurable.
El título "A Sevilla" ya dice bastante del tema que aparece a continuación, pero que nadie busque en él tópicos flamencos o copleros. Se trata de la misma Sevilla elegante que músicos clásicos como Albéniz y Turina exaltaron en su obra.
"Balls de les fulles"puede ser el título que menos aporta al conjunto del álbum. No porque tenga ningún defecto formal, sino porque la guitarra suena aquí algo monótona dentro de su rapidez endiablada.
"Magic"comienza con ladridos caninos para continuar en un ritmofunkybasado en un riff de bajo. Resulta un número casi cómico al lado de la seriedad de temas anteriores. Personalmente, los sintetizadores me recuerdan enormemente a gente como el Vangelis de los primeros tiempos. Un tema alegre donde los haya, tal vez pelín extenso.
"Joguines"es una joyita con sonidos de caracola del Mediterráneo. Aquí Iceberg demuestra que también es capaz de desenchufar la guitarra y los sintetizadores y agarrar la acústica y el piano para interpretar un tema etéreo que por momentos recuerda alPaco de Lucíade "Entre dos aguas". Una inesperada delicia entre tanta fortaleza expositiva.
Cierra el LP su pieza más larga "Alegries del Mediterrani", con un magnífico trabajo rítmico del bajo y la batería y el contraste entre el alegre desparrame guitarrero y una sobriedad casi eclesiástica en los teclados. Un tema complejo en su concepción que en absoluto resulta tedioso a pesar de sus nueve minutos largos.
"Sentiments" (CFE/Bocaccio, 1977) conforma junto a "Coses Nostres" y a“Tutankhamon” (CFE, 1975)la mejor trilogía llevada a cabo jamás por un grupoprogresivoespañol y ejemplifica perfectamente este estilo de música que fue admirada y alabada en la década de los 70 para prácticamente desaparecer posteriormente. Iceberg haría otros discos. Ninguno malo, es cierto, pero ninguno equiparable a estos tres.
Formación:
Primitivo Sancho - Bajo Jordi Colomer - Batería Josep Mas "Kitflus" - Piano, Órgano, Sintetizador, Mellotron Max Sunyer - Guitarra
"Curved Air" no fue la primera banda en usar el violín eléctrico [amplificado]: "East of Eden", "Mercator Projected" y "The Flock and It's a Beautiful Day" con álbumes homónimos lanzaron estos debuts llenos de violín en 1969, y hubo otros, como así como ejemplos de música jazz, pero estos no tenían a Sonja Kristina en la voz principal, o la inclinación de composición de Darryl Way y Francis Monkman, de formación clásica.
La formación de este primer álbum destacado es: Sonja Kristina (voz principal); Darryl Way (violín eléctrico y voz); Francis Monkman (guitarra principal, órgano, piano, melotrón, clavicémbalo eléctrico, equipo de efectos especiales y sintetizador VCS3); Robert Martin (bajo); Florian Pilkington-Miksa (batería): todo como está escrito en la portada. El título del LP se presenta como "Air Conditioning. Un último detalle directo es que este lanzamiento fue uno de los primeros discos de imágenes de LP, si no el primero, hecho para lanzamiento comercial.
El álbum comienza con la memorable "It Happened Today", y es la voz de Kristina la que domina primero para mí. Pero los acordes del piano golpean su acompañamiento, al igual que la línea de bajo y la batería atronadora. La guitarra solista corre por todas partes. Todo esto se dirige al cambio repentino del solo de violín melódico y fluido de Way, acompañado por una línea de bajo distintiva y un sintetizador de fondo arremolinado. "Second Stretch" es un número himno con su ritmo de seis tiempos simple pero conmovedor, y la característica distintiva de esta canción es el ascenso a un duelo de violín y guitarra donde el conflicto disonante se eleva aún más a un crescendo que rompe de nuevo con el himno de su melódica línea. A esto le sigue el igualmente memorable "Screw"que ralentiza el ritmo y hace que el violín dirija la melodía que es recogida por Kristina. Hay compases orquestados y luego el violín se eleva, nuevamente, a un pico con reverberaciones de órgano y todo está muy cargado en su construcción bellamente melodramática.
El álbum está repleto de números tan finamente elaborados. La cara uno termina con el brillante "Vivaldi instrumental de Way".Aquí está el violín de rock eléctrico tocado en toda su pompa y poder virtuoso. Esta interpretación está hábilmente respaldada por los ritmos de conducción del bajo, la batería y la guitarra solista, pero es la composición de Darryl Way la que fusiona la crudeza del rock con las tensiones líricas y, a veces, los tonos malhumorados, que hacen eco y se difuminan a medida que la canción crece y crece. Tuve la suerte de verlos tocar esto en vivo en Ipswich en su primera gira, y fue en el relativamente pequeño Arts Theatre Center donde el poder y el volumen de este tour de force fue abrumadoramente impresionante, ya que lo fue en diferentes grados cuando los vi en South Devon en el Malborough Village Hall en 2008. En la cara dos del vinilo hay otro instrumental de Way, esta vez el dulcemente corto y suave Robert Martin escribió "Rob One" . La penúltima pista "Situations" - antes de la breve repetición de Vivaldi para cerrar la cara dos - utiliza los sintetizadores de Monkman al máximo y es quizás el sonido más progresivo de todo el álbum.
Formación:
Sonja Kristina - Voz principal
Darryl Way - Violín eléctrico y voz
Francis Monkman Guitarra principal, Órgano, Piano, Melotrón, Clavicémbalo eléctrico, equipo de efectos especiales y sintetizador.
