Iceberg - Discografía

Discografía - Tutankhamon (1975)

Todo el LP está constituido en realidad por una sola obra, dividida en nueve cuadros sonoros, de entre uno y cinco minutos de duración cada uno, más los añadidos al principio y al final del tema instrumental “Tebas”, a modo de preludio y epílogo.

Llama la atención en una primera escucha los abruptos cortes que marcan el final de cada cuadro sonoro para enseguida enlazar con el siguiente. Otra característica de todo el LP son los continuos diálogos, unas veces pausados y dulces y otras sumamente agresivos que mantienen la guitarra de Max Sunyer y las teclas de Kitflus, bien secundados por el bajo y las percusiones, que bastante tienen con seguir a los dos monstruos anteriores en las difíciles sendas tonales y rítmicas por las que transita toda la obra.

El punto más débil del grupo es sin duda el cantante, con escaso registro y con una voz demasiado impersonal para poder competir con sus compañeros instrumentistas. Aunque no sea culpa suya, tampoco ayuda a la coherencia interna de la obra el hecho de que unos temas estén cantados en inglés y otros en castellano.

El álbum, lejos del elitismo que se le presumía, resultó un bombazo y puso al grupo en los primeros puestos de las listas de ventas de LPs.

Podríamos elegir cualquier corte para ilustrar este comentario, pues ya digo que forman parte de un concepto unitario. Nos quedamos con “Tebas”, el brillante pasaje instrumental compuesto por el teclista Kitflus para dar comienzo y final al álbum.

“Prólogo” supone una explicación del concepto de la obra. Su letra mantiene un aire de rebeldía bien transmitido por el cantante. Es la parte más comercial y cañera de la obra y trata de llamar la atención del oyente y meterlo dentro del hilo argumental.

“Himno al sol”, un tema seminstrumental, intimista, cantado con la voz doblada. El piano eléctrico explora una serie de posibilidades sonoras y un pegadizo punteo de guitarra que se repite en varias ocasiones a modo de riff configuran uno de los mejores momentos del álbum.

Formación:

Primitivo Sancho - Bajo
Jordi Colomer - Batería
Josep Mas "Kitflus" - Piano, Órgano, Sintetizador, Mellotron
Max Sunyer - Guitarra
Ángel Riba - Voz, Saxo

PISTAS:

A1. Tebas (4.35)
A2. Prologo (4.19)
A3. Sacerdotes de Amon (4.08)
A4. Amarna (3.35)
A5. Lying on the Sand (1.49)
A6. Amenofis IV (1.16)
B1. Himno al Sol (3.08)
B2. La Muerte (2.53)
B3. Close to God (2.56)
B4. Too Young to be a Pharaoh (5.27)
B5. Tebas (3.05)

ICEBERG - TUTANKHAMON "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Lafonoteca

Canarios - Discografía

Discografía - Ciclos (1974)

Se trata sin duda de la obra más ambiciosa de Teddy Bautista y una de las más ambiciosas llevadas a cabo en la música española. Es la obra cumbre del rock sinfónico español y equiparable a las realizaciones de "Emerson, Lake and Palmer", el superteclista japonés Tomita o los grupos holandeses como "Ekseption" o "Focus". Se editó como un doble LP que incluía un tema completo en cada una de las caras, con una duración total de 73 minutos.

Basada en Las Cuatro Estaciones de Vivaldi, no se trata de tocar las Cuatro Estaciones con instrumentos electrónicos, sino de desarrollar las melodías que la forman. Aquí la primavera, el verano, el otoño y el invierno del año solar están sustituidas por cuatro actos o transmigraciones -así las denomina el álbum original- dedicados al nacimiento, juventud, madurez y vejez respectivamente.

De los "Canarios" sólo quedó el nombre, pues salvo Teddy Bautista (voz, mellotrón, sintetizadores Moog, etc) y el batería Alain Richard, los demás componentes son totalmente nuevos en la formación. Antonio García de Diego (guitarras y voz), Matías Sanveillan (piano y teclados varios) y Christian Mellies (bajo). Aunque no hay que olvidarse de numerosos invitados entre los que destacan por la cantidad y calidad de sus aportaciones la soprano Rudmini Sykmawati y el director de coro y arreglista de las partes vocales, Alfredo Carrión.

«Paraíso Remoto» se inicia con un caos de sintetizador que da paso a una melodía angustiada gritada más que cantada por la parturienta soprano que conduce al llanto de un niño. A partir de ahí, surge la Primavera de Vivaldi con su conocida melodía y un lujoso despliegue de teclados y punteos de guitarra.

En «Abismo Próximo» brillan los coros en un principio con un apoyo de teclados algo desbocados. En la parte central, una de las más bellas y sencillas melodías del disco acompañada por piano eléctrico y vibráfono, rompe el barroquismo anterior recargado de instrumentación. Sigue un solo de guitarra de ascendencia progresiva muy bien ejecutado, pero que poco o nada tiene que ver con lo anterior… ni, por supuesto, con Vivaldi. Un secuenciador en obstinato y una batería a tiempo de marcha conduce a la más conocida melodía de "El verano", interpretando por los teclados, con la que Antonio Vivaldi quiso representar las tormentas veraniegas y el alocado zumbido de las moscas e insectos que la anuncian. Sorpresivamente, la tormenta escampa para convertirse en un bolero clásico, tipo "Los Panchos", interpretado por el Trío Porteño.

«Ciudad Perdida» es el acto más recargado del álbum. Al habitual despliegue electrónico y percusivo se unen gritos, toques de flamenco, música coral clásica, jazz y gregoriano con campanas de iglesia.

«El Eslabón Recobrado» se abre con un suave solo de piano en crescendo mezclándose con percusiones, bajo y una guitarra dislocada. Alain Milhaud intervino en las mezclas del corte «Crisis» donde hay una ruptura musical y la participación del coro que realizan un excelente y original juego de voces dándole un toque moderno, que da paso a un solo de bajo arreglado en el llamado «Ballet de las Sombras». El apocalíptico final, que ocupa los últimos cinco minutos, contiene una hiperactiva instrumentación de rock con una melodía «vivaldiana» interpretada por los teclados y respondida por la guitarra solista.

La primera vez que escuché Ciclos, hace ya muchos años, me pareció un rollo. Poco a poco he ido cogiéndole el gusto. Desde luego el trabajo de meses de grabación, el cuidado al detalle de todos los pasajes, la interpretación y el despliegue de medios técnicos de la época merecen al menos una segunda escucha. Baste como ejemplo de ese despliegue técnico decir que técnicos de la casa Moog se desplazaron a España para programar y afinar los sintetizadores.

En su momento fue el disco de mayor presupuesto grabado en nuestro país. Sólo la grabación costó 2,6 millones de pesetas (una fortuna para la época), que al no ser en un primer momento recuperada ni de lejos por la discográfica aceleró la desintegración del grupo.

Una música espesa, calificada por algún crítico como “un gran monumento a la nada”, que tiende a ganar con el tiempo, incomprendida y vituperada en su época, pero que a lo largo de los años se ha abierto un hueco como una de las cimas de rock sinfónico mundial.

Formación:

Eduardo "Teddy" Bautista - voz, Mellotrón, sintetizadores Moog

Alain Richard - Batería

Antonio García de Diego - Guitarras y voz

Matías Sanveillan - Piano y teclados varios

Christian Mellies - Bajo

PISTAS:

LP1:

A1. Primer Acto: Paraíso remoto
B1. Segundo Acto: Abismo próximo

LP2:
A1. Tercer Acto: Ciudad Futura
B1. Cuarto Acto: El eslabón recobrado

CANARIOS - CICLOS "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: Lafonoteca

Gila - Discografía

Discografía - Gila "Free electric Sound" (1971)

"Gila" fue una banda de rock progresivo-psicodélico alemana, que comúnmente es encasillada en la corriente del Krautrock, aunque personalmente nunca he podido hacer una real diferencia entre lo que es el Krautrock y el progresivo a secas, puesto que más allá de lo que se sabe sobre el nombre que se le dio a la corriente de grupos alemanes progresivos (krautrock), en el caso de "Gila", como que no encaja totalmente en este subgénero y más bien, retoma la dirección del progresivo tradicional, recordándome en grandes pasajes a lo que hizo "Pink Floyd" en su momento. Entonces más allá de reconocer que es una banda alemana, no me logra cuadrar su sonido con el del resto de bandas del Krautrock.

Este disco, lo considero una verdadera eminencia musical, con sonidos expropiados de otras dimensiones, quizás algún viaje astral que se pegaron o simplemente una alineación planetaria que iluminó a estos seres de luz llenos de creatividad y virtuosismo.

Ahora que lo estoy repasando mientras hago esta entrada, asimilo algunos pasajes marcados por la guitarra, muy similares a "The Doors" con su temón "The End" en la canción "Kollectivität" que es el quinto track del disco.

"Gila" del 71’ es su homónimo y primero que se sacó la banda, aunque tiene cono subtitulo "Free Electric Sound" pero solo subtitulo. Por lo que he encontrado navegando en la web, tiene 2 discos más, uno del 74’ y uno en vivo lanzado en 1999 pero de un recital del año 72’, aún no lo he escuchado, pero sería interesante saber cómo sonaban en vivo estos guachos.

Formación:

Daniel Alluno – Batería, percusión

Fritz Scheyhing – Guitarra, teclados

Conny Veit – Guitarra, Sintetizador, voz

Walter Wiederkehr – Bajo

PISTAS:

A1. Aggression (4:33) A
A2. Kommunikation (12:47)
B1. Kollaps (5:30)
B2. Kontakt (4:30)
B3. Kollektivität (6:40) 
B4. Individualität (3:36)

GILA - GILA "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: SÁCATEUNCÓMPAC

Brainticket - Discografía

Discografía - Cottonwoodhill (1971)

"Brainticket" fue la creación de Joel Vandroogenbroeck, un belga que vivió en Suiza y que comenzó a estudiar piano clásico antes de decidirse por el jazz. Recibió el premio Art Tatum como el pianista más joven de jazz a la edad de quince años y pronto salió de gira por Europa y África.

Mientras tocaba jazz encontró una gran inspiración en los sonidos que emanaban de los artistas alemanes de krautrock como "Can", "Amon Duul II" y "Tangerine Dream", y bajo la influencia de estos grupos, junto al guitarrista Ronn Byer, reclutó al batería Wolfgang Paap para formar el trío que se llamaría "Brainticket".

Su primer álbum fue "Cottonwood Hill", lanzado en 1971. Este debut pronto suscitó controversias al estar relacionado con las drogas psicodélicas, tanto que el álbum se vendió con una etiqueta que avisaba de que "solamente deberías escuchar una vez al día este disco porque tu cerebro puede destruirse". Esto llevó a que el álbum se prohibiera en muchos países incluyendo los Estados Unidos.

Para la grabación del disco la banda estuvo compuesta por Ron Bryer en guitarra, Werner Fröhlich en bajo, Helmuth Kolbe en teclados, Cosimo Lampis en batería, Dawn Muir en voz, Wolfgang Paap en percusión y Joel Vandroogenbroeck en teclados, flauta y voz.

En si el disco es relativamente simple y corto, basado en bases repetitivas previsibles… pero musicalmente muy atractivas, manejándose dentro de un rock psicodélico experimental, con onda medio funky, muy bien ornamentado. Aunque lo que hace de este disco algo tan llamativo, es la acidez que despide en cada momento. Se vuelve famoso por los 27 minutos de "Brainticket Pts 1 y 2", una mezcla de efectos de sonido lisérgicos extraños, loops de cinta, voces femeninas paranoides y orgásmicas, y la improvisación electrónica, todo ello frente a un insistente juego en el órgano Hammond que marca las bases de las sesiones. Esa sesión psicodélico-electronica, es a la vez espacial, cósmica, espiritual, introspectiva y poética, altamente cargada de una intensidad profunda que, en medio de un viaje acido, podría llevarte hacia lugares insospechados.

Al ver la cantidad de músicos que integraron la grabación del disco, me queda la sensación de que podrían haber hecho algo más, los sonidos que alcanzan son muy buenos y, de haber incluido más temas con el mismo tractivo, tal vez el disco hubiese cobrado más importancia dentro de la escena psych y kraut. Aun así, es un disco de alto calibre y ya en sí mismo es legendario y tiene su culto, creado por fieles seguidores de los sonidos freaks psicodélicos de la banda.

Desde entonces la reputación de "Brainticket" como una banda experimentadora del underground y de la música de vanguardia se solidificó. Tras la muerte de Bryer, Joel comenzó a explorar los sonidos electrónicos y se trasladó a Italia donde conoció a su mujer Carole Muriel. Con un par de músicos suizos, el guitarrista Rolf Hug y el bajista Martine Sacher, publicó el segundo trabajo del grupo, "Psychonaut". También participó en una ópera rock en colaboración con el compositor de cine Bill Conti y Joel comenzó a trabajar en nuevo álbum de "Brainticket" basado en el Libro de los Muertos egipcio. El nuevo álbum, "Celestial Ocean", contaba la experiencia del más allá en el tiempo y el espacio de los egipcios, una vez traspasada la línea de la vida, en un ambiente de desiertos y pirámides. Fue este álbum, publicado en 1973, el que llevó a "Brainticket" a la fama mundial.

Joel continuó con nuevas creaciones, llegando a publicar un par de álbumes más bajo el nombre de "Brainticket", incluyendo la grabación de Alchemic Universe en 2000.

En una reciente entrevista con el escritor Dave Thompson, Joel afirmaba que: "No éramos un grupo, éramos un lugar donde se realizó la creación y este lugar era Cottonwoodhill, aunque nunca se mencionó en los álbumes posteriores. Además de tratar que existiera una unión, cada grabación incluía a gente distinta. En general todo fue a nuestro favor. Hubo un encuentro, una inspiración, una producción y después, todo el mundo siguió su camino. Creo que esto es lo que hizo a "Brainticket" un grupo original que se alejaba del concepto de una banda convencional. Teníamos algo diferente que ofrecer.

Formación:

Ron Bryer - Guitarras
Werner Fröhlich - Bajo

Helmuth Kolbe - Teclados

Cosimo Lampis - Batería

Dawn Muir - Voz

Wolfgang Paap - Percusión

Joel Vandroogenbroeck - Teclados, Flauta y voz

PISTAS:

A1. Black Sand

A2. Places of Light

A3. Brainticket (Part 1)

B1. Brainticket (Conclusion)

B2. Brainticket (Part 2)

BRAINTICKET - COTTONWOODHILL "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas

Virus - Discografía

Discografía - Revelation (1971)

No mucha información he encontrado sobre "Virus", se trata de una banda psicodélica alemana, nacida en 1970, en la ciudad de Bielefeld, la cual tuvo una corta carrera desarrollada alrededor de entre principio de los 70s. Lanzaron dos únicos álbumes el mismo año, y al parecer se trató de una experiencia musical esporádica, creada en el momento, pero con poca repercusión, por lo que no duraron mucho tiempo juntos.

"Revelation" es su primer trabajo, de 1971, grabado en Star Studios, Hamburgo y producido por Konrad Plank. La alineación de la banda para este primer álbum es: Werner Monka (guitarra), Jorg-Dieter Krahe (órgano), Bernd "Molle" Hohmann (voz, flauta), Reinhold Spiegelfeld (bajo) y Wolfgang Rieke (batería). Se trata de un trabajo de rock psicodélico un tanto pesado, con texturas progresivas, pasajes espaciales, presentado todo en un claro sonido krautrock. Su música incorpora distintos elementos los cuales se hayan incluidos dentro de las largas piezas que componen el disco. Tres de las cinco piezas del disco duran alrededor de 10 min., tiempo suficiente para que la banda despliegue sus potencialidades, piezas en gran parte duras, con un rock heavy en guitarras y bases potentes.

Dejan bien en claro que influencias tenían, marcan bien un sonido que se acerca por momentos a "Deep Purple", especialmente por los teclados, también resaltan algún pasaje muy a lo "Pink Floyd", con efectos de sonido tipo "Set the Controls for the Heart of the Sun" y/o partes bien rockeras con melodías en guitarra. Por otra parte, interpretan en medio de la primera pista, el tema "Paint in black" de los Rolling Stones. Tanto acercamiento hacia sonidos ajenos, hace que no sean tan tomados en serio por quien los pueda escuchar, pero lo cierto es que tienen su personalidad y, por ejemplo, logran sonidos floydeanos muy buenos como para tratarse de una banda totalmente desconocida.

Por otro lado, también es destacable la estructura del disco, con varios temas de sesión, largos, repletos de atascos, una parte solo del bajo, pasajes psicodélicos muy agradables y medio oscuros, por un momento también se escuchan efectos de sonido, tal vez si se hubiesen animado a más, hubiesen podido hacer algo netamente experimental, propio y más jugado aun, como lo que hicieron los suizos de "McChurch Soundroom" en su disco de 1971, pero aun así, por supuesto que vale la pena destacarlos.

Es un álbum underground difícil de describir, de gran inventiva, oscuro, misterioso e impredecible, que contiene muchas sorpresas a lo largo de las diferentes pistas. Los temas demuestran una gran musicalidad, mucho juego de guitarra y órganos para armar las sesiones psicodélicas que se desarrollan con gran nivel y potencia, con cierto acercamiento a sonidos de bandas como "Guru Guru" o "Gila".

Para el segundo disco, la formación de la banda cambia, al igual que el sonido, abandonaron su pistas largas y psicodélicas he hicieron algo más convencional dentro de lo que es el blues rock. Poco se sabe de la banda en cuestión, después del lanzamiento de sus únicos dos discos. Tres de los músicos de Virus participaron de la grabación del disco "Weed", de 1971, junto a Ken Hensley, miembro de Uriah Heep. En 2004 fue lanzado en cd bajo el nombre de "Remember", con un show en vivo que dieron en 1973.

Formación:

Reinhold Spiegelfeld - Bajo

Bernd "Molle" Hohmann - Flauta, voz

J. Dieter Krahe - Órgano

Wolfgang Rieke - Batería

Werner Monka - Guitarra

PISTAS:

A1. Revelation (Nach Dem Thema "Paint It Black") (12:11)

A2. Endless Game (12:15)

B1. Burning Candle (5:24)

B2. Hungry Looser (10:26)

B3. Nur Noch Zwei Lichtjahre (7:50)

VIRUS - REVELATION "ÁLBUM COMPLETO"

FUENTES: El Jardín de las Delicias Psicodélicas